A spectacular and unprecedented visual biography of the leading pioneers and protagonists of modern art and design.
Josef - painter, designer, and teacher - and Anni Albers - textile artist and printmaker - are among the twentieth century's most important abstract artists, and this is the fi rst monograph to celebrate the rich creative output and beguiling relationship of these two masters in one elegant volume. It presents their life and work as never before, from their formative years at the Bauhaus in Germany to their remarkable infl uence at Black Mountain College in the United States through their intensely productive period in Connecticut.
Michel Leiris traque dans l'art de Francis Bacon la hantise de la part de l'animalité en l'homme, dans ses différentes phases qui vont amener l'artiste à « peindre le cri plutôt que l'horreur », à violenter sa peinture plutôt que l'image de l'humanité.
Après une enfance maladive et une formation d'autodidacte à l'école de la bohème, entre Paris et Berlin, le peintre Francis Bacon s'impose à partir de 1945, au lendemain de la guerre, avec une peinture de l'horreur : corps crucifiés, chairs exsangues torturées par sa palette et un style à la fois sauvage, expressionniste et raffiné.
Le Centre Pompidou poursuit la relecture des oeuvres majeurs du 20ème siècle et consacre une vaste exposition à Francis Bacon.
La dernière grande exposition française de cet artiste eut lieu en 1996, au Centre Pompidou. Plus de vingt ans après, « Bacon en toutes lettres » réunit des peintures de 1971 - année de la rétrospective que lui consacrent les galeries nationales du Grand Palais - à ses dernières oeuvres en 1992.
L'exposition du Centre Pompidou s'attache aux oeuvres réalisées par Bacon durant les deux dernières décennies de son oeuvre. Elle comporte soixante tableaux (incluant 12 triptyques, ainsi qu'une série de portraits et d'autoportraits), issus des plus importantes collections privées et publiques. De 1971 à 1992, (date du décès du peintre), la peinture est stylistiquement marquée par sa simplification, par son intensification. Ses couleurs acquièrent une profondeur nouvelle, il use d'un registre chromatique inédit, de jaune, de rose, d'orange saturé.
Le propos du catalogue traite tout particulièrement du puissant lien entre les oeuvres de Bacon et la littérature. En outre, les triptyques font l'objet d'une présentation exceptionnelle sous forme de dépliants, permettant de prendre conscience de leur impact visuel et de leur parenté, sous un angle littéraire inattendu.
Remise en vente de ce catalogue d'exposition le 2 janvier 2017 à prix exceptionnel de 20 ttc au lieu de 40 ttc.
Catalogue officiel de l'exposition « Allegro Barbaro, Béla Bartók et la modernité hongroise, 1905-1920 », au musée d'Orsay, du15 octobre 2013 - 5 janvier 2014.
De nos jours, le Hongrois Béla Bartók (1881-1945) est considéré comme l'un des plus éminents compositeurs modernes alors que le caractère typiquement hongrois de son oeuvre est toujours souligné. Pionnières au sein de l'art moderne européen, mais résolument ancrées dans une tradition, dans un « folklore » au sens premier du mot : musique et peinture hongroises, au début du XXe siècle, sont associées dans un même esprit de rupture et de renouveau.
Au tournant du siècle, les artistes hongrois en quête de modernité se tournent vers Paris. Cézanne, Gauguin et Matisse sont plus connus des peintres de la jeune génération hongroise que Klimt, Schiele ou Kokoschka ; Bartók se tourne plus volontiers vers Debussy que vers la musique des représentants de la seconde école de Vienne (Schonberg, Berg, Webern); tandis que le poète le plus important de l'époque, Endre Ady, est un fervent admirateur de Baudelaire et de Mallarmé. Nombreux sont les jeunes artistes qui se rendent directement à Paris au cours de la première décennie, exposent régulièrement au Salon d'Automne et au Salon des Indépendants, lorqu'ils ne se joignent au groupe des Fauves français. Ces peintres ne perdent pas pour autant le lien avec leur pays d'origine. En combinant les mouvements artistiques en vogue en Europe avec les traditions hongroises et leurs recherches stylistiques personnelles, ils inventent un langage visuel autonome et original : on peut ainsi parler d'un fauvisme hongrois. Cette période d'effervescence connaît son apogée autour des années 1909-1912, c'est à dire durant de la période d'activité du groupe des Huit (Nyolcak). Une effervescence culturelle se développe grâce à des revues comme Nyugat puis Ma, à l'origine du courant des « Activistes », et autour de grandes personnalités comme le philosophe Georges Lukacs, les musiciens Béla, Kodaly, Leó Weiner, l'écrivain, éditeur et théoricien Lajos Kassak, mouvement qui engendre une deuxième avant-garde plus radicale qui conduira aux premières expérimentations abstraites des Activistes et au constructivisme d'un Laszló Moholy-Nagy.
La Fondation Beyeler consacre une rétrospective majeure au célèbre peintre français d'origine polonaise. Son chef-d'oeuvre monumental, Passage du Commerce-Saint-André, en prêt de longue durée à la Fondation Beyeler, est le point de départ de cette exposition. Cette peinture énigmatique réunit les préoccupations intenses de Balthus pour les dimensions spatiales et temporelles de l'image et leur relation à la figure et à l'objet. Suivant le fil rouge de ces considérations, ce catalogue réunit une cinquantaine de peintures majeures issues de toutes ses périodes. Dans cette perspective sont mises en lumière les stratégies parfois provocatrices de la mise en scène picturale de Balthus mais aussi l'ironie de son art.
Max Beckmann représente le monde du spectacle, par le théâtre, le cirque et le vaudeville où le regard prend place depuis la place du spectateur. Cet ouvrage est la première publication à montrer comment les peintures de Beckmann sont autant une représentation visuelle du théâtre qu'une oeuvre à part entière dans l'histoire des idées.
L'ouvrage rend hommage à quatre artistes majeurs qui sont passés par le camp des Milles entre 1939 et 1940. Des photographies, des notes administratives et leur correspondance témoignent de leurs conditions de vie au sein du camp.
Depuis plusieurs années, le musée de Roubaix valorise ses collections par l'organisation d'expositions monographiques accompagnées de catalogues de se collections.
Après une grande exposition rétrospective organisée en 2009, intitulée André Maire (1898-1984). L'itinéraire d'un peintre-voyageur, un nouvel hommage est rendu à cet artiste. Chose inédite jusqu'à présent, cet ouvrage présentera deux fonds, profitant des liens étroits qui unissent André Maire et son maître Emile Bernard pour réunir au sein d'un même ouvrage le catalogue de leurs oeuvres respectives.
Grande figure de la peinture décorative du XX· siècle, Maire a suivi très jeune les cours de l'Ecole d'art de la place des Vosges à Paris avant de devenir l'élève particulier d'Emile Bernard dont il épouse la fille Irène en 1922. Sa longue vie d'artiste est rythmée par les nombreux voyages qui le conduisent en Italie et en Espagne, à travers les continents africain et asiatique, à Madagascar et aux Antilles ... et qui nourrissent presque exclusivement son inspiration.
Grâce à la générosité extraordinaire de Lorédana Harscoët-Maire, André Maire (1898-1984) est magnifiquement présent dans les collections de La Piscine avec la donation d'un important fonds de 230 dessins, 11 peintures et d'un album de 40 gravures. Le fonds des Emile Bernard de La Piscine est représenté par un ensemble de 5 tableaux, 1 gravure, 1 dessin et album.
Toutefois la partie consacrée à Emile Bernard dans le catalogue ne sera pourtant pas moins importante que celle consacrée à André Maire car le musée a récemment acquis un ensemble conséquent de lettres d'Emile Bernard qui sera intégralement transcrit.
Ce projet d'édition bénéficie du précieux concours de Madame Lorédana Harscoët-Maire, fille d'André Maire et petite-fille d'Emile Bernard qui a rédigé les deux principaux textes, l'un sur son père et l'autre sur son grand père. Un texte d'introduction commun aux deux fonds sera rédigé par Bruno Gaudichon, Conservateur en chef de La Piscine. Enfin un dernier texte proposera une étude des lettres d'Emile Bernard, avant la transcription complètes des lettres elles-mêmes. Chacun de ces fonds fait l'objet d'une étude spécifique reproduisant le catalogue des oeuvres, suivis des annexes relatives à chaque artiste : biographie, liste des expositions et bibliographie.
Une grande rétrospective sera consacrée à Emile Bernard au musée de l'Orangerie du 22 septembre 2014 au 5 janvier 2015
Personnalité fascinante, Rosa Bonheur (1822-1899) est l'artiste des paradoxes. Créatrice hors norme encore trop méconnue, elle fut pourtant la meilleure artiste animalière de son temps et sut imposer, dans ce XIX? siècle très corseté, sa liberté et son indépendance. Sans anthropomorphisme ni sentimentalisme, ses peintures et dessins insufflent la vie aux animaux qu'elle observait inlassablement. Plus que jamais, au XXI? siècle, regarder l'art de Rosa Bonheur nous permet une nouvelle rencontre avec le vivant, et nous aide à mieux habiter le monde. Réalisé à l'occasion du bicentenaire de la naissance de l'artiste, cet ouvrage polyphonique accueille de nombreux spécialistes à la croisée de divers champs disciplinaires afin de donner à voir toute la richesse et la modernité de Rosa Bonheur.
An unparalleled reassessment of Pierre Bonnard, exploring his paintings, drawings, photography, and prints.
As one of the founders of the post-Impressionist group the Nabis, French artist Pierre Bonnard (1867-1947) is frequently seen as a transitional figure between the Impressionists and modernists. This beautifully illustrated book offers a fresh interpretation, revealing the artist's central concern with expanding representation beyond the limits of natural vision. The result is a new understanding not only of Bonnard but of modernism itself.
Exploring how Bonnard's dazzling domestic scenes and landscapes reimagine perception, embodiment, and the passage of time, Lucy Whelan characterizes him as a painter of unusual insight in his consideration of the relationship between vision and representation. The book covers Bonnard's paintings, drawings, photographs, and prints, with special focus on his later works from the 1920s to his death in 1947, and draws on an in-depth study of the artist's diaries, interviews, and other written sources. A groundbreaking reassessment, Pierre Bonnard Beyond Vision presents an artist engaged in avant-garde forms of experimentation who complicated vision in innovative ways.
Très jeune, Pierre Bonnard a un rêve, celui d'être un homme libre et indépendant, qui « cherche uniquement à faire quelque chose de personnel. » Il a traversé tous les courants de peinture de la fin du xix e siècle à la première moitié du XXe siècle - postimpressionnisme, fauvisme, cubisme, abstraction, surréalisme -, participant au passage à l'un d'eux à travers le groupe des Nabis. Si son oeuvre nous émeut aujourd'hui encore plus qu'hier, c'est qu'au désenchantement de la modernité répond l'espérance de sa peinture que l'on peut considérer comme l'une des plus inspirées de son temps.
À l'occasion du 150e anniversaire de la naissance du peintre, le musée Bonnard lui rend hommage en réunissant autour des pièces majeures de ses collections propres , un ensemble de chefs-d'oeuvre prêté par d'importantes collections publiques et privées françaises parmi lesquelles le musée d'Orsay et le musée national d'Art moderne à Paris. Toutes les oeuvres sont reproduites et accompagnées d'une notice détaillée et richement illustrée.
Un entretien de Véronique Serrano avec Guy Cogeval et Isabelle Cahn complète ce panorama.
Quand un artiste parvient à imposer sa vision du monde, du monde extérieur comme de son monde personnel et imaginaire, quand il réussit peu à peu à tout rassembler en un ensemble cohérent, ses sujets, sa technique, sa gamme de couleurs, ses compositions, ses angles de vue et ses audaces, alors tous ses tableaux en viennent à s'ancrer en nous, à nous accompagner dans notre vie de tous les jours - déjeuners en famille à la campagne, jeux en plein air et en plein soleil, paysages de Normandie ou du Midi mi-réels mi-paradisiaques, grands nus de sa compagne et modèle Marthe... Alors, face à un ciel rose et mauve du soir, devant des nuages d'orage qui se découpent sur du violet, du jaune et du vert, on dit, un peu impressionné : « Regarde, c'est un Bonnard !» La forme originale de ce coffret permet d'explorer et de contempler l'art de Bonnard : accompagné d'un livret explicatif comprenant une introduction et des commentaires d'oeuvres, ce livre «en accordéon», tout en images, déploie une soixantaine de tableaux de l'un des grands maîtres de la couleur au XXe siècle.
Bonnard. Peindre l'Arcadie a pour ambition de faire découvrir d'une manière différente un peintre mondialement connu et apprécié pour la magnificence de ses couleurs, la radicalité de ses visions et son humour décalé à la Jarry. Articulé autour des fondamentaux de la peinture de Bonnard, cet ouvrage cherche à éviter l'écueil d'une démonstration strictement chronologique pour faire sentir l'unité profonde de l'oeuvre, la manière dont l'artiste a su additionner harmonieusement les différentes phases de sa création. Du tableautin au grand format, du portrait à la nature morte, de la scène intime au sujet pastoral, du paysage urbain au décor antique, l'oeuvre de Bonnard nous révèle un artiste instinctif et sensible. Sa palette aux couleurs vives et lumineuses en fait l'un des principaux acteurs de l'art moderne. Coédition Musée d'Orsay/Editions Hazan
Les paysages du Cannet et la lumière du Midi ont été pour Bonnard des sources d'inspiration inépuisables. C'est durant cette période de vie au Cannet, qui dure près de 22 ans, qu'il peint ses tableaux les plus inspirés, ceux dont les spécialistes s'accordent à dire qu'ils sont ses plus belles oeuvres.
Bonnard va produire plus de trois cents oeuvres au Cannet, certaines intimistes, inspirées de son univers privé. Le Bosquet sera ainsi le sujet de nombreuses compositions. Dans cette maison rose Bonnard peint et repeint chaque recoin : la salle à manger, le petit salon, la très célèbre salle-de-bains. Certaines font partie des standards de sa peinture, oeuvres mondialement connues : Nu dans le bain, 1936-1938, Nu devant la glace, vers 1934, La sortie de la baignoire, vers 1926-1930.
Autre volet de son oeuvre, les paysages. Paysage du Cannet aux toits rouges, Ciel d'orage sur Cannes..., le paysage environnant agit en profondeur sur Bonnard au même titre que la Sainte- Victoire pour Cézanne ou Giverny pour Monet, comme un territoire prégnant. C'est cette histoire de lien et d'identité entre Bonnard et Le Cannet qui donne sa profonde légitimité au musée qui lui est dédié.
Louis Boulanger (1806-1867) fut, de tous les peintres du cénacle romantique, le plus proche de Victor Hugo. L'auteur lui dédie plusieurs poèmes, partage avec lui ses émotions esthétiques, et nomme « Mon peintre » celui qui est le premier à mettre en peinture les vers du poète. Il réalisera aussi un grand nombre de maquettes de costumes pour des pièces de théâtre l'auteur de Hernani.
Son triomphe au Salon de 1827, le révèle excellant portraitiste et trouve dans la lithographie et l'illustration un terrain d'expression qui lui convient. « Peintre poète », il puise ses sujets dans la littérature : Shakespeare, Byron ou Dumas, avec qui il voyage en Espagne.
La Maison Victor Hugo, qui conserve plus de 190 oeuvres de l'artiste, offre avec la programmation de cette exposition monographique, l'occasion d'une véritable découverte. Le lecteur pourra, grâce à une chronologie biographique développée et argumentée, mieux comprendre cet artiste remarquable.
