Anthony Gormley, sculpteur, et Martin Gayford, critique, examinent le rôle central de la sculpture dans le développement de la culture humaine de la préhistoire à nos jours. Avec plus de 300 illustrations , Shaping the World juxtapose une riche variété d'oeuvres - du célèbre Lowenmensch ou Lion Man, c. 35000 avant notre ère à la lumineuse Pietà de Michel-Ange à Rome, des guerriers en terre cuite de Chine au Baiser de Rodin, des ready-mades de Marcel Duchamp, à l'extraordinaire projet météorologique d'Olafur Eliasson et du Fons Americanus de Kara Walker au projet aérocène de Tomas Saraceno.
Les sculptures présentées dans cet ouvrage, créées dans une période allant des années 1920 aux années 1950, relèvent du langage multiforme que nous fédérons aujourd'hui sous le terme général "d'art déco". Il peut s'agir de statues indépendantes vouées à agrémenter quelque intérieur domestique ou bien d'élements de décors architecturaux, tels que frises de façade, fontaines ou autres monuments publics. Le lecteur peu initié jugera peut-être le spectre stylistique excessivement large, sinon hétéroclite. Depuis son apparition dans les années 1960, cette notion "d'Art déco" n'a cessé, de fait, de soulever la question de ce qu'elle englobe et de ce qu'elle exclut.
Deux camps continuent de s'affronter quant à la définition de ce terme appliqué à la modernité ornementale des années de l'entre-deux-guerres. Tous deux s'accordent néanmoins à y voir un renversement de la syntaxe en vigueur jusqu'alors dans les beaux-arts, vocabulaire néoclassique ou néomédiéval fait d'entablements, de colonnes, d'arcs-boutants, de gargouilles, d'ogives et d'architraves. Mais le consensus achoppe lorsqu'il s'agit de déterminer ce qui constitue véritablement l'identité du style. S'agit-il de la géométrie exubérante des Salons parisiens du lendemain de la Première Guerre mondiale, avec ses chevrons, arcs, rayons solaires, abstractions florales, fontaines, nymphes et biches ? Ou bien d'un "modernisme" plus américain, pétri de jazz et de machinisme, dont les formes profilées, fuselées comme des carlingues, inspirèrent tant les architectes des années 1930 ?
Le débat se révèle en définitive sans objet, aucune des deux tendances ne parvenant à faire le tour d'un style que l'on pourrait définir plus judicieusement comme un corpus d'oeuvres large et hétérogène, dont les caractéristiques contradictoires apparaissent précisément comme le véritable dénominateur commun. Le terme fédère en réalité une variété de styles décoratifs propres au XXe siècle naissant, dont les sources d'inspiration vont du passé le plus lointain au futur le plus hypothétique, du tombeau de Toutankhamon au vaisseau spatial de Buck Rogers. Quant au présent, il se manifeste dans le fonctionnalisme des matériaux produits en masse, qui sonnèrent le glas de l'architecture de pierre et terre cuite, tout comme ils avaient rendu obsolètes les arts appliqués traditionnels. L'homme moderne n'a d'yeux désormais que pour l'acier, le dernier don de la technologie aux bâtisseurs, qui fascine par sa formidable résistance à la traction et ses surfaces rutilantes.
Quoiqu'il en soit, force est d'admettre que le terme "Art déco" a fait un long chemin depuis sa genèse, et pourquoi donc le refuser à des créations auxquelles l'ont associé des décennies de publications et d'expositions ? En un mot, l'Art déco est un art du pastiche, une bannière fédératrice qui renvoie à une vision romancée et nostalgique des Années folles, suscitant une adhésion immédiate chez ses adeptes ou parmi le grand public.
De tous les styles décoratifs du XXe siècle, l'art déco est le plus élaboré. Il s'est développé, dans ses formes les plus pures, à partir d'une conception typiquement française du luxe et du raffinement, qui privilégiaient souvent dans les années vingt les matériaux exotiques et précieux. Cette étude poussée met en valeur et replace dans leur contexte historique les oeuvres sculptées de ce mouvement. De très nombreuses illustrations éclairent ici la richesse des productions de l'époque et la remarquable variété de styles et de formes que prendront les motifs sculptés. Rendant hommage à la richesse formelle et à la diversité internationale de l'Art déco, Alastair Duncan s'attelle à étudier ce sujet sous trois angles distincts : les avant-gardes de l'entre-deux-guerres et leurs principaux acteurs, la sculpture dans les arts commerciaux et décoratifs et enfin la sculpture architecturale et monumentale dans le monde.
Complété par des biogaphies détaillées des principaux artistes du mouvement, cet ouvrage fera autorité auprès de tous les amateurs d'Art déco.
Virginie Luc nous présente un panorama des artistes contemporaines les plus remarquables, qui façonnent des oeuvres insolites dans et par la Nature. Ce sont les magiciennes de la terre, des femmes artistes qui désormais s'avancent sur le devant de la scène artistique mondiale.
Avec elles, l'autre source de vie : la Nature. Inspiratrice, support et matériau de leurs oeuvres, la nature est omniprésente dans cette aventure initiatique.
Des forêts invasives d'Eva Jospin aux constellations de pierres de Cornelia Konrads ; des pièges végétaux de Claire Morgan aux mécaniques animales et poétiques de Rebecca Horn ; des boutons de roses sous perfusion d'Akiko Ikeuchi aux chimères parées de plumes de Kate MccGwire..., ces oeuvres graciles et troublantes sont des contes de fées aussi séduisants que subtilement menaçants.
Quelque chose couve, mais quoi ? Le désir de renouer le lien en passe d'être rompu entre les hommes et la nature ? La résurgence du viscéral et du primitif, d'une nature prête à reprendre le dessus ?
Barye was the most famous artist of the group of sculptors we know as Les Animaliers. His art went beyond the mere representation of animals, however, and he became a key figure of the Romantic Movement. His achievements can be understood from the comments of the contemporary critics the Goncourt brothers, who proclaimed his 1850 composition, "Jaguar Devouring a Hare," as "the beginning of Modern Art." Rodin later argued that Barye "had discovered the great mystery of rendering movement." In the models shown here, we can follow Barye's artistic development and the transition from fine detail to a simplified modeling within his oeuvre.
Italian-born American artist Harry Bertoia (1915-1978) was one of the most prolific, innovative artists of the post-war period. Trained at the Cranbrook Academy of Art, where he met future colleagues and collaborators Charles and Ray Eames, Florence Knoll, and Eero Saarinen, he went on to make one-of-a kind jewellery, design iconic chairs, create thousands of unique sculptures including large-scale commissions for significant buildings, and advance the use of sound as sculptural material. His work speaks to the confluence of numerous fields of endeavour, but is united throughout by a sculptural approach to making and an experimental embrace of metal.
Harry Bertoia: Sculpting Mid-Century Modern Life accompanies the first U.S. museum retrospective of the artist's career to examine the full scope of his broad, interdisciplinary practice, and feature important examples of his furniture, jewellery, monotypes, and diverse sculptural output. Lavishly illustrated, the book offers new scholarly essays as well as a catalogue of the artists numerous large-scale commissions. It questions how and why we distinguish between a chair, a necklace, a screen, and a freestanding sculpture and what Bertoia's sculptural things, when taken together, say about the fluidity of visual language across culture, both at mid-century and now.
En 1902, la carrière de Bourdelle est à un tournant.
Sa ville natale, Montauban, inaugure le groupe qui lui a été commandé sept ans plus tôt, le Monument aux Morts, aux Combattants et Serviteurs du Tarn-et-Garonne de 1870-1871. Le sculpteur a alors 41 ans.
L'oeuvre est à la fois sa première commande monumentale mais aussi l'aboutissement de recherches formelles et le creuset dans lequel il viendra s''inspirer pour ses oeuvres ultérieures.
Ce chef-d'oeuvre d'expressivité est pourtant méconnu. Exposé une seule fois à Paris avant d'être installé à Montauban, le monument a donné lieu à de très nombreuses études modelées et à un corpus photographique d'ampleur qui n'ont jusqu'alors été que peu étudiés.
Ces oeuvres, en grande part inédites, révèlent ainsi les multiples facettes de la création de Bourdelle.
Ce catalogue accompagne l'exposition « De bruit et de fureur », montrée en deux étapes, au musée Ingres de Montauban, du 24 juin au 9 octobre 2016, et au musée Bourdelle à Paris, du 27 octobre 2016 au 29 janvier 2017. Il est publié en coédition avec le musée Ingres et le musée Bourdelle.
Brancusi a suscité de son vivant curiosité et intérêt. Il apparait dans le monde de l'art comme un personnage singulier dont l'oeuvre impressionnait tant par la pureté des formes et la modernité que par une forme d'archaïsme difficile à caractériser. En révolutionnant la sculpture du xxe siècle, l'artiste roumain a ouvert un vaste débat sur l'art moderne qui reste toujours d'actualité, sa création étant le sujet de multiples études.
Doïna Lemny a pu consulter l'intégralité des archives conservées dans le fonds Brancusi du centre Georges Pompidou. Elle a suivi le parcours artistique du sculpteur en examinant les moments clefs de sa création, sa méthode de travail et les matériaux utilisés dans ses sculptures. Elle évoque le milieu artistique dans lequel Brancusi a évolué, ses relations, ses amitiés avec Duchamp, Modigliani, Satie, Pound et Joyce, les liens aves ses compatriotes qui viennent ainsi ponctuer son récit. La vie du sculpteur est étroitement liée à sa création, dans l'univers clos de son atelier, et Doïna Lemny parvient à tracer un portait subtil et renouvelé de l'artiste qui s'adresse autant aux spécialistes d'histoire de l'art qu' à un public plus large intéressé par la vie artistique en France au début du xxe siècle.
Conservatrice honoraire au centre Georges Pompidou, Donia Lemny a assuré la publication des archives Brancusi ainsi que le commissariat de nombreuses expositions consacrées à l'artiste roumain, à l'Atelier Brancusi du musée.
L'ouvrage Brancusi ou l'anonymat du génie paraît pour la première fois en 1967 aux éditions Méridiane, à Bucarest. Hommage à l'oeuvre du sculpteur roumain, il présente plus d'une centaine de photographies réalisées par Dan Er Grigorescu, photographe fasciné par l'art de ce maître de la modernité.
Reprenant le format album de la première édition, le présent ouvrage a puisé dans les archives exceptionnelles de Dan Er Grigorescu, qui durant trois décennies, entre 1964 et 1967, photographia les célèbres sculptures de Brancusi dans son atelier ainsi que celles de l'ensemble monumental de Târgu Jiu, petite ville du centre-ouest de la Roumanie. La vision très graphique de l'espace, les jeux d'ombre et de lumière, la plongée dans la matière et la sobriété des images de Grigorescu restituent l'abstraction plastique des sculptures de Brancusi. Fasciné par les arts traditionnels roumains, le sculpteur conjugue éléments vernaculaires et motifs modernes. Ainsi, le motif du rhombe (losange en volume) présent dans l'art populaire roumain comme ornement architectural prend toute son ampleur dans la Colonne sans fin , l'une des trois pièces de l'ensemble de Târgu Jiu, avec la Porte du baiser et la Table du silence . Réalisées entre 1937 et 1938, ces oeuvres, disposées sur un axe de près d'un kilomètre de long, composent un ensemble exceptionnel, toujours conservé aujourd'hui, et témoignent de l'importance de la fusion entre l'art et la nature chez Brancusi. L'atelier était perçu par l'artiste comme un tout organique autonome : le site de Târgu Jiu concrétise cette vision architecturale et organique de la sculpture. Avec ses prises de vue en série, ses images saisissant sous des lumières et des angles différents des oeuvres désormais iconiques du XXe siècle, cet album offre un nouveau regard sur l'artiste.
La première biographie d'Alexander Calder. Le critique d'art Jed Perl a eu accès aux archives personnelles de Calder que personne n'avait encore jamais vu. De son enfance au sein d'une famille d'artistes à ses années parisiennes durant lesquelles il côtoit les artistes majeurs du début du siècle jusqu'à son retour aux États-Unis, un nouvel éclairage est porté sur la vie de cet avant-garde connu pour ses mobiles mais aussi pour ses colaborations avec des chorégraphes.
Camille Claudel est née le 8 décembre 1864, il y a cent cinquante ans. Cet anniversaire a suscité une ambitieuse exposition à La Piscine de Roubaix du 8 novembre 2014 au 8 février 2015. Cette artiste attachante, au destin tragique, méritait une nouvelle réflexion sur son oeuvre, dirigée par deux grands spécialistes auteurs de son catalogue raisonné : Bruno Gaudichon et Anne Rivière. Avec de prestigieux prêts, consentis par d'importantes collections publiques et privées, françaises et internationales et notamment grâce à un partenariat exceptionnel avec le musée Rodin et les musées de Nogent et Poitiers, l'exposition regroupe un ensemble remarquable d'oeuvres. Le parcours suit un chemin moins traditionnel que celui qui est généralement proposé. Les commissaires ont mis en évidence un certain nombre de points forts dans l'inspiration et le travail de Camille Claudel, qui rythment le déroulé en séquences thématiques et chronologiques. Le circuit dans l'oeuvre de Camille Claudel est accompagné par un second niveau, construit avec d'autres artistes qui, à la même époque, ont partagé les mêmes sujets, la même manière et les mêmes inspirations. Le japonisme, l'Art nouveau, le naturalisme, l'expression de la chorégraphie sont développés pour mieux situer Camille Claudel dans les grands enjeux esthétiques de sa génération. L'exposition réunit plus de cent cinquante oeuvres de Camille Claudel, de Rodin et d'artistes comme Alfred Boucher, Jules Desbois, Bernhard Hoetger, pour dresser un tableau le plus exhaustif possible de cette étonnante artiste, de son milieu et de son temps.
Pourquoi cette série de sculptures autour des personnes de petite taille ?Car je souhaitais représenter le choc du regard qui se confronteà la différence. Ce regard insistant, curieux, parfois jugeant,qui attise la curiosité chez la personne qui regarde.Ces regards dérangeants face à des repères morphologiquesinhabituels, je les ai connus à destination de ma plus jeune fille,qui souffre d'une maladie orpheline.C'est bien le rapport à la différence, à l'exclusion, à la « normalité »communément admise dans notre société queje souhaite questionner chez le spectateur de mon oeuvre.Et si nous changions notre échelle de valeur ?Et si la différence devenait la norme ?
Cette monographie, rassemblée dans un élégant coffret en deux volumes, présente une rétrospective de l'oeuvre d'Yves Dana et dévoile la variété et la qualité des créations du sculpteur suisse d'origine égyptienne. Dans le premier volume, ses pierres, bronzes, fers et peintures sont révélés par de magnifiques photographies et accompagnés d'un texte poétique de Tahar Ben Jelloun. Dans la seconde partie, le catalogue raisonné de plus de 600 oeuvres est accompagné d'un texte critique de Matthias Frehner. Le lecteur découvre ses travaux sur fer, sur pierre et sur bronze, ainsi que ses peintures qui marquent les différentes étapes de son travail et montrent les directions prises par ses recherches. Yves Dana se consacre totalement à la sculpture à partir de 1981. Son travail est très vite reconnu par la galerie Alice Pauli qui, dès 1984, organise plusieurs expositions et fait connaître ses oeuvres en Suisse et à l'étranger. Les galeries Ditesheim et Krugier, à Genève et New York, poursuivent cet élan et contribuent à asseoir sa réputation. S'ensuivent plusieurs expositions personnelles et collectives, notamment au musée Guggenheim de Bilbao. Soutenu par divers galeristes, le sculpteur participe également à des foires internationales, comme ART Basel, ART Miami, FIAC Paris, Arco Madrid, KIAF Séoul. Il partage aujourd'hui son temps entre l'Orangerie de la Ville de Lausanne et son atelier en Toscane.
