Art avant 1900
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Du Pèlerinage à l'île de Cythère de Watteau (1717) au Verrou de Fragonard (vers 1778), les peintres français ont produit une remarquable suite de chefs d'oeuvre ayant l'amour pour sujet principal et qui semblent incarner les valeurs brillantes et ambiguës d'une culture sophistiquée consciente de son apogée. La France du XVIIIe siècle a en effet établi le raffinement du comportement amoureux comme la manifestation suprême de la civilisation des Lumières.
Les peintres les plus doués, Antoine Watteau (1684-1721) François Boucher (1703-1770) et Jean Honoré Fragonard (1732-1806), entre autres, consacrèrent leur immense talent à l'amour. L'exceptionnelle fécondité de leur inspiration amoureuse, chaste ou impudique, fait la matière de ce livre.
Les peintres, dessinateurs et graveurs contribuèrent, par l'illustration, au succès sans précédent de la fiction romanesque, tout d'abord galante, bientôt libertine et enfin tendre et sentimentale.
La sensualité exquise et civilisée de Watteau, le plaisir mondain et hédoniste de Boucher, l'équivoque grivoise des illustrateurs libertins, la tendre sensibilité de Fragonard font l'objet d'attentives analyses développées dans cette étude qui croise histoire de l'art, histoire culturelle et histoire sociale.
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L'art des anciens Pays-Bas : de Van Eyck à Bruegel
Jan Blanc
- Citadelles & mazenod
- L'art Et Les Grandes Civilisations
- 20 Octobre 2021
- 9782850888663
LE LIVRE Entre la fin du XIVe et le milieu du XVIe siècle, les Pays-Bas s'imposent comme l'une des principales scènes artistiques du monde occidental. Dans cet opus, Jan Blanc recontitue brillamment les conditions et les raisons pour lesquelles l'art des anciens Pays-Bas s'est progressivement imposé sur la scène internationale, en inventant de nouvelles manières, profondément modernes, de penser l'art et son rapport au monde, sans pour autant renoncer aux liens étroits qui l'unissent aux formes inventées à la fin du Moyen-Âge.
De l'avènement de Philippe II le Hardi (1384) à la scission des Pays-Bas en 5181, ce vaste parcours aborde les grands maîtres de la peinture (Jan van Eyck, Petrus Christus, Rogier van der Weyden, Hans Memling, Jan Gossaert, Joachim Patinir, Jan van Scorel, Pieter Bruegel I), mais également l'enluminure, le dessin, la gravure, l'architecture, la sculpture et la tapisserie - autant de domaines où les artistes néerlandais ont excellé durant cette période.
Une somme abondamment illustrée qui complète parfaitement, sur le plan chronologique et thématique, Le Siècle d'or hollandais du même auteur (Citadelles & Mazenod, 2019) ; celui-ci commençant là où s'achève L'Art des anciens Pays-Bas. -
L'art du XIXème siècle
Bertrand Tillier, Collectif
- Citadelles & mazenod
- L'art Et Les Grandes Civilisations
- 21 Septembre 2016
- 9782850886775
Ce quarante-huitième titre de la collection "L'Art et les Grandes Civilisations" revisite plus d'un siècle de création (1789-1914), en Europe-pays scandinaves et Europe de l'Est compris - et en Amérique du Nord.
Rompant avec le découpage classique "peinture/sculpture/architecture/arts décoratifs/photographie", le volume envisage une approche transversale élargie. Le XIXe siècle est, en effet, le moment où se développe une réflexion théorique et où s'amorce une véritable démocratisation de l'art, des oeuvres, du patrimoine. La formation des artistes, les réformes du Salon, l'émergence du marché de l'art, l'inflation de la critique, la naissance du musée, la conception de l'architecture et de l'urbanisme, la sculpture publique, le développement de la photographie ... sont autant de dimensions où est impliqué le public auquel les oeuvres sont destinées.
Sous la direction de Bertrand TILLIER, professeur d'histoire de l'art contemporain à l'Université de Bourgogne et directeur du Centre Georges Chevrier, le présent volume réunit les contributions de Laurent BARIDON, FRANCK CLAUSTRAT, Sébastien CLERBOIS, Rossella FROISSART, Laurent HOUSSAIS, France NERLICH, Dominique POULOT, Julie RAMOS, Paul-Louis ROUBERT et Pierre WAT.
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Le siècle d'or hollandais
Jan Blanc
- Citadelles & mazenod
- L'art Et Les Gr
- 18 Septembre 2019
- 9782850887963
Les historiens de l'art ont l'habitude d'utiliser l'expression de siècle d'or hollandais (gouden eeuw) pour qualifier la civilisation néerlandaise du XViie siècle et, plus spécifiquement encore, l'art de cette période. Ce livre entend repenser cette notion en proposant d'analyser la manière dont elle a été définie, pensée et décrite au XVIIe siècle, par les Hollandais eux-mêmes, comme par leurs contemporains.
Cet âge d'or est un moment historique marqué par de profonds bouleversements : alors que les guerres et les rivalités politiques traversent le siècle, la dissipation des tensions religieuses en fait une terre d'accueil et de tolérance ; les Provinces-Unies assoient fermement leur hégémonie économique et commerciale, fondée notamment sur les échanges coloniaux. Savants, poètes, philosophes et artistes forgent, chacun à leur manière, les représentations naturalistes ou idéalisées de ces transformations. Appréhender la société néerlandaise du XVIIe siècle à travers la grande variété de leurs créations rend compte de l'identité plurielle d'une nation en devenir.
Tout en suivant le fil chronologique de l'histoire, des débuts de la guerre de Quatre-Vingts Ans jusqu'aux premières années du XVIIIe siècle, les principales théories et pratiques artistiques du siècle d'or sont ici exposées, sans tenter de reconstruire a posteriori une unité factice. -
L'art du XIXè siècle t.5
Jacques Thuillier
- Faton
- Les Ecrits De Jacques Thuillier
- 7 Juin 2017
- 9782878442298
Jacques Thuillier a toujours été hanté par la responsabilité de l'historien à l'égard de son objet, par la fragilité des oeuvres qui ne sont plus regardées, étudiées, appréciées. Son bonheur, c'est de n'être « pas seulement un historien qui fabrique du savoir », mais d'être « un historien qui sauve ».
Or, mis à part les impressionnistes dont la renommée a éclipsé les autres artistes (voire les a discrédités), l'art du XIXe siècle est généralement méconnu, mal aimé, parfois méprisé ; ses artistes sont pour beaucoup tombés dans l'oubli, leurs oeuvres sont mal exposées ou même disparues...
Il s'agit non seulement de les remettre en lumière, mais de corriger les idées reçues qui font obstacle à leur juste appréciation.
Renouveler notre regard suppose donc de contester les étiquettes, d'accueillir les oeuvres dans leurs hésitations, les artistes dans leurs cheminements, de reconnaître leur singularité - « la libre création des milliers d'artistes du XIXe siècle ».
D'où les nombreux travaux de Jacques Thuillier sur le XIXe siècle, au fil d'une carrière pourtant identifiée à celle d'un spécialiste du XVIIe. D'où, dans ce volume, son panorama du romantisme comme champ de recherches plutôt que comme catégorie exclusive.
D'où son questionnement exigeant sur le mot « pompier ». D'où encore sa réhabilitation de l'École des beaux-arts.
D'où aussi l'attention portée à une multitude de peintres examinés chacun pour lui-même, et son intérêt pour les musées de province et la peinture locale. D'où enfin, la collection personnelle de Jacques Thuillier, dont les nombreux dessins, gravures et tableaux illustrent une partie de ce volume.
Rejetant les hiérarchies établies au profit d'un regard bienveillant et instruit, Jacques Thuillier donne à ses lecteurs les outils permettant de réviser les jugements portés sur des oeuvres qu'on ne prenait plus la peine de regarder et nous fait partager son exaltation d'avancer dans un « pays des merveilles ignorées ».
Le tout produit une sorte de « dictionnaire amoureux » de l'art au XIXe siècle, non exhaustif mais éclectique, qui réunit Meissonier et Corot, Sérusier et Guignet, Gericault et Baudry... C'est le panorama le plus varié dont on puisse rêver sur un sujet aussi peu traité, une initiation aussi bien informée que sensible, précieuse au moment où la période connaît un certain regain d'intérêt, notamment à travers les expositions du musée d'Orsay.
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Prix Augustin Thierry de l'Académie française 2021.
Illustré par une iconographie en partie inédite, cet ouvrage porté par deux éminents spécialistes, Pierre-Yves Le Pogam, avec une collaboration de Sophie Jugie, envisage la sculpture gothique à la fois dans son développement artistique et dans son contexte de création (commandes, ateliers, outils, circulation des formes, etc).
À partir du milieu du XIIe siècle, alors que l'art roman est encore en plein essor, certains développements de l'architecture occidentale annoncent une rupture profonde qui va donner lieu à une nouvelle étape de l'art européen, qu'on désigne après coup, depuis le XVe siècle, par le qualificatif de gothique. Dans le domaine de la sculpture, il s'agit d'une période qui voit se déployer des évolutions multiples et décisives. Les églises, notamment les grandes cathédrales, se couvrent d'un décor sculpté foisonnant, à la fois didactique et séduisant, qui illustre les grands cycles de l'histoire chrétienne et fait appel à la sensibilité des fidèles. Les XIIIe et XIVe siècles sont aussi marqués par le retour à la ronde-bosse, le développement de la statuaire autonome, l'invention ou la recréation de genres disparus depuis l'Antiquité (les tombeaux et les portraits sculptés, la statue équestre), qui préfigurent tout ce que nous entendons aujourd'hui dans la notion de sculpture.
Ces inventions aboutissent, autour de 1400, à l'un des derniers moments où les différents pays européens utilisent la même langue stylistique, avant que n'apparaissent au xve siècle des idiomes artistiques profondément individualisés et nationaux, liés à la Renaissance, laquelle a créé par dédain le concept d'art gothique. Or, les sculptures réalisées dans tout l'Occident entre la fin du XIIe et le début du XVe siècle, loin d'exprimer la barbarie que voulaient y voir, en forgeant ce terme, les intellectuels du Quattrocento, illustrent un des sommets de l'humanisme européen, par leur capacité à transmettre aussi bien des valeurs transcendantes que les affects et les émotions d'ici-bas.
Dix ans après La Sculpture romane, de Jean-René Gaborit (Hazan, 2010), auquel il offre un pendant, il s'adresse à un public érudit et curieux tout en enrichissant les connaissances d'un lectorat avisé. -
Une vie pour l'histoire de l'art t.1
Jacques Thuillier
- Faton
- Beaux Arts Faton
- 28 Mars 2014
- 9782878441871
Dans ce premier volume, à travers une soixan taine d'articles très variés écrits tout au long de sa vie, mais aussi grâce à de nombreux do cuments inédits (photos, dessins...), se dégagent le portrait d'une figure marquante de l'histoire de l'art et les grandes lignes de son oeuvre.
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La peinture française au XVIIe siècle t.2
Jacques Thuillier
- Faton
- Beaux Arts Faton
- 28 Mars 2014
- 9782878441888
La peinture fran çaise au XVIIe siècle de Jacques Thuillier fut saluée par André Chastel comme « un coup d'éclat (...) où l'on eut la surprise de trouver, au lieu des habituelles compila tions, une série d'études bien écrites, neuves et supérieurement argumentées ». Cette nouvelle édition est complétée par des textes que Jacques Thuillier a rédigés ensuite sur le même sujet.
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THE SACRED MADE REAL : SPANISH PAINTING AND SCULPTURE 160
COLLECTIF
- Yale university
- 6 Septembre 2013
- 9781857094220
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L'âge d'or de la peinture à Naples ; de Ribera à Giordano
Collectif
- Lienart
- 25 Juin 2015
- 9782359061406
Présentation de l'école napolitaine, une des institutions artistiques les plus originales et les fertiles du XVIIe siècle, de l'arrivée de Caravage jusqu'au triomphe de Solimena. Une centaine d'oeuvres des artistes les plus représentatifs sont présentées, accompagnées en contrepoint de sculptures et objets d'art. Les relations entre l'art et l'histoire de Naples sont également éclairées.
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Le trait et l'ombre, dessins français du musée des beaux-arts d'Orléans
Collectif
- Silvana
- 11 Novembre 2022
- 9788836651320
Riche de douze mille dessins et de cinquante mille estampes, le cabinet d'arts graphiques des musées d'Orléans est l'un des mieux dotés de France. Son histoire se confond avec celle de la passion de quelques hommes visionnaires - Desfriches, Bizemont, Marcille, Fourché - qui ont eu à coeur de conserver les traces les plus fragiles, mais aussi les plus significatives, du premier de tous les arts. Projection fulgurante d'une idée, recherche parfois hésitante ou mise au propre appliquée d'un projet, le dessin préside en effet à toutes les formes d'expression artistique.
Après avoir reçu les musées de Montauban, d'Angers et de Besançon, le musée du Domaine départemental de Sceaux accueille le musée des Beaux-Arts d'Orléans pour en exposer un florilège de près de deux cents feuilles réalisées entre la fin du XVIe siècle et la première moitié du XXe. Dans la diversité des techniques et des manières se révèle avec force la permanence d'une quête dont Vouet, Watteau, Boucher, Fragonard, David, Géricault, Ingres ou Picasso furent, parmi beaucoup d'autres, les héros. -
La nature morte francaise au XVIIe siècle
Eric Coatalem, Florence Thiéblot
- Faton
- Beaux Arts Faton
- 13 Janvier 2015
- 9782878441789
Parution à l'occasion du Salon PARIS TABLEAU Fruit de nombreuses années de recherche, l'ouvrage d'Éric Coatelem présente un panorama de la peinture française de natures mortes au XVIIe siècle, avec les oeuvres de Jacques Linard, Louyse Moillon, Jean-Baptiste Monnoyer, Pierre Dupuis ou Sebastien Stoskopff, autant de noms qui évoquent les différentes facettes de la peinture française.
Grâce à un ensemble de plus de 500 tableaux, l'ouvrage met en parallèle le style français avec les peintres flamands, hollandais ou italiens, de manière à appréhender les influences et les échanges artistiques dans l'Europe occidentale des années 1620-1700.
Avec un dictionnaire des peintres, comprenant leur biographie et de nombreuses références biblio - graphiques, le livre constitue une importante somme de connaissances pour les chercheurs et les amateurs.
Préfacé par Hilliard Goldfarb, conservateur en chef du musée des Beaux-Arts de Montréal, et ponctué de textes d'Alexis Merle du Bourg, historien de l'art, l'ouvrage propose des toiles inédites qui apportent une lisibilité nouvelle à la carrière de ces peintres souvent méconnus.
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PAINTING AND ILLUMINATION IN EARLY RENAISSANCE 1300-1450
COLLECTIF
- Abrams
- 6 Septembre 2013
- 9780810964884
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La peinture des lumières ; de Watteau à Goya
Tzvetan Todorov
- Seuil
- Beaux Livres
- 16 Octobre 2014
- 9782021108828
La peinture ne naît jamais dans un monde isolé, elle entre en résonance avec les mouvements sociaux et intellectuels de son époque, et participe elle-même de la pensée. Il s'agit là d'un échange à double sens : les artistes sont imprégnés de l'esprit de leur temps, que pourtant ils transforment et enrichissent. Au XVIIIe siècle, le mouvement des Lumières bouleversera l'ordre de la société ; notre modernité en est issue.
La peinture des Lumières place l'être humain comme objet central de la représentation. Elle renonce à figurer les surhommes (dieux, personnages mythologiques, héros légendaires), pour se tourner vers des personnes ordinaires, engagées dans leurs activités quotidiennes. Elle met en scène leur variété, montrant hommes et femmes, enfants et vieillards, riches et pauvres, de toutes professions, y compris ceux qui se trouvent en marge de la société, fous, criminels et prostituées. Elle exprime les facettes multiples de la nature humaine : l'amour sous toutes ses formes, mais aussi la violence, les réjouissances et les désespoirs, les activités religieuses et politiques. Parallèlement, les règles de la représentation se transforment. En rupture avec les écoles du passé, cette peinture abandonne les sens symboliques traditionnellement attachés aux objets et aux actions, et les montre pour ce qu'ils sont. La peinture des Lumières propose une interprétation du monde, favorisant l'invention, la fantaisie, le « caprice ».
Cet ouvrage, illustré par une centaine de tableaux, dessins et gravures en couleurs, analyse la peinture des Lumières dans deux séries de chapitres. Les uns sont consacrés à la figure de quatre grands peintres européens : Antoine Watteau, Alessandro Magnasco, William Hogarth, Francisco Goya. Les autres chapitres examinent quelques sujets révélateurs : les personnages situés aux marges de la vie sociale (enfants, gueux, étrangers), les activités illustrant les marges de l'esprit (fantasmes, érotisme, travestissements), ou encore certains sous-genres picturaux, comme les portraits, les paysages, ou les natures mortes.
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éloge de la folie illustré par les peintres de la Renaissance du Nord
Erasme
- Diane de selliers
- La Grande Collection
- 17 Octobre 2013
- 9782364370227
Chef-d'oeuvre d'Érasme publié en 1511, l'Éloge de la folie met en scène la Folie personnifiée.
Elle interpelle le lecteur et critique avec une ironie mordante les travers sociaux, politiques, religieux du monde.
D'une modernité saisissante, l'Éloge de la folie nous invite depuis le XVIe siècle à nous interroger sur la nature humaine et notre société.
La traduction de référence de Claude Blum, professeur de littérature française à la Sorbonne, restitue avec humour, finesse et précision la saveur et la puissance du texte d'Érasme.
200 oeuvres des artistes de la Renaissance du Nord, parmi lesquels Jérôme Bosch, Quentin Metsys, Albrecht Dürer, Pieter Brueghel et Lucas Cranach entrent en résonance avec le texte.
À celles-ci s'ajoutent les 82 dessins qu'Holbein a réalisés dans les marges d'une édition latine de l'Éloge de la folie publiée en 1516.
Publiés pour la première fois en regard de ce texte d'Érasme vif et percutant, ils en rythment la lecture.
Yona Pinson, historienne de l'art, spécialiste de la représentation de la folie à la Renaissance, commente avec clarté et érudition cette peinture et ces dessins riches en symboles et en allusions et révèle les liens très forts qui unissent ces oeuvres au texte d'Erasme.
Une préface et une introduction éclairent notre édition :
La première sur Érasme, " Le masque de la Folie " de Jean-Christophe Saladin, la seconde sur la peinture de la Renaissance du Nord : " Le genre satirique au XVIe siècle ", de Yona Pinson.
En annexe, un riche appareil critique est constitué des notes de Claude Blum complétées par Jean-Christophe Saladin, historien, directeur de la collection " Miroir des humanistes " aux éditions Les Belles Lettres, et d'une chronologie détaillée de l'époque d'Érasme.
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Ce volume accompagne une exposition aux Pays-Bas qui reconsidère le travail de cet artiste romantique hollandais. On y découvre son itinéraire personnel et artistique, sa notoriété internationale gagnée à Londres et surtout les scènes de genre et décors inspirés de l'Egypte, de la Grèce et de la Rome antique qui ont fait sa réputation.
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Les Fauves : bronzes by Antoine Louis Barye in the Marjon Collection Alexander Kader, Christopher Mason, John Trail, Alain Richarne
- Network books
- 1 Novembre 2015
- 9781901403626
Barye was the most famous artist of the group of sculptors we know as Les Animaliers. His art went beyond the mere representation of animals, however, and he became a key figure of the Romantic Movement. His achievements can be understood from the comments of the contemporary critics the Goncourt brothers, who proclaimed his 1850 composition, "Jaguar Devouring a Hare," as "the beginning of Modern Art." Rodin later argued that Barye "had discovered the great mystery of rendering movement." In the models shown here, we can follow Barye's artistic development and the transition from fine detail to a simplified modeling within his oeuvre.
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Eugène de Beauharnais, un prince européen
Collectif
- Reunion des musees nationaux
- 5 Octobre 2022
- 9782711879311
Voici une histoire inédite, mettant en scène les différents théâtres de la vie du prince Eugène de Beauharnais (1781-1824), entre Paris, Milan et Munich, à une époque où les équilibres européens sont bouleversés par l'ascension de Napoléon, puis par sa chute. Une histoire princière, illustrée par les oeuvres d'artistes célèbres comme Gros, Gérard, Isabey, Appiani, Comolli, Stieler, ainsi que par les objets montrant le décor et l'ameublement fastueux du cadre de vie du prince, témoignant de ses goûts personnels dans les domaines des arts et des sciences.
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Une référence pour appréhender les oeuvres du peintre Jheronimus Bosch.
Le peintre Jheronimus Bosch, dit Jérôme Bosch (vers 1450-1516), est l'une des grandes figures du mouvement des primitifs flamands. La renommée de ses compositions, où se mêlent enfer et paradis, satirique et morale, a dépassé les frontières de son pays dès son vivant. Pour autant sa biographie reste imprécise, au point que le caractère fantastique de ses tableaux a donné naissance à nombre de théories ou d'interprétations, souvent infondées.
S'appuyant sur les travaux scientifiques et techniques les plus récents, ce livre de Marco Bussagli apporte un éclairage nouveau sur le peintre. Il guide et permet de mieux appréhender l'oeuvre de Bosch qui regorge de détails, de symboles et d'êtres fantastiques. On y apprend que des images, apparemment hermétiques à toute compréhension, s'inspirent de proverbes flamands et témoignent de la profonde dévotion religieuse du peintre. Loin de l'étiquette du peintre maudit ou hérétique, on y découvre un artiste très proche de la confrérie oecuménique à laquelle il appartenait. Cet essai illustré présente aussi des aspects inédits, en particulier l'influence de Bosch sur de nombreux peintres, de Raphaël à Escher, en passant par Magritte ou Dalí. En regard des reproductions de ses oeuvres, des détails très agrandis et commentés mettent en évidence de nombreux aspects qui n'avaient jusque là jamais été traités.
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Bosch ; le jardin des délices
Reindert L. Falkenburg
- Hazan
- Grandes Monographies
- 23 Septembre 2015
- 9782754107730
- Une lecture inédite de l'oeuvre la plus célèbre de Jérôme Bosch par le plus grand spécialiste de l'art néerlandais des XVe et XVIe siècles. Défendant l'idée que l'oeuvre a été conçue comme « sujet de discussion » pour un public de nobles de la cour de Bourgogne, il nous donne les clés pour comprendre une imagerie qui reflète profondément la pensée religieuse de l'époque, et remet en question l'image de Bosch peintre de diableries. Un très beau livre entre érudition et contemplation.
Le Jardin des délices de Jérôme Bosch compte parmi les oeuvres les plus énigmatiques de l'histoire de l'art occidental. En dehors d'une brève description du tableau donnée par un témoin oculaire en 1517, aucun document de l'époque ne nous fournit la moindre indication sur les conditions de cette commande, sa destination, sa fonction ou le public qu'elle visait. La présente étude cherche à reconstituer le premier public du Jardin des délices, en prenant comme principale source d'information l'oeuvre elle-même, dont la structure formelle et les formes fantasmagoriques sont fondamentales pour comprendre sa fonction d'origine. L'auteur propose donc une analyse détaillée de la manière dont Bosch joue visuellement et en virtuose avec les traditions picturales, les conventions de l'amour courtois, les traités de morale, les principes religieux, les procédés mnémotechniques et les figures littéraires de la fin du Moyen Âge. Il défend l'idée que le tableau de Bosch a été créé vers la fin du XVe siècle et conçu comme « sujet de discussion » pour le public choisi de la cour de Bourgogne. Il montre que Le Jardin des délices était une sorte de miroir à multiples facettes obligeant ceux qui le regardaient à « réfléchir », notamment sur le destin de l'humanité. Créée à l'image et à la ressemblance de Dieu, elle aurait perdu, selon Bosch ou son commanditaire, son identité originelle au cours de son histoire et ferait désormais partie d'un monde soumis à une force de transformation foncièrement mauvaise. Les signes d'un Salut possible - présents dans le tableau -, l'aspect paradisiaque du panneau central et, d'une façon générale, l'opacité onirique de l'imagerie de Bosch continuent de susciter des interprétations contradictoires, sur lesquels Reindert L. Falkenburg prend position. La propension de l'imagerie boschienne a susciter la discussion et le débat fait évidemment partie du projet esthétique et éthique de l'artiste. -
La National Gallery de Londres conserve un mystérieux tableau, Vénus et Mars, peint par Sandro Botticelli entre 1475 et 1485. Peu documenté, ce long panneau devrait relever du genre traditionnel de la peinture nuptiale en usage dans le milieu de Botticelli. Mais cette Vénus trop boudeuse, ce Mars vraiment endormi et ce cortège de petits faunes espiègles constituent une énigme picturale qui résiste depuis plus d'un siècle aux historiens d'art.
Qui donc est cette froide Vénus ? À quoi rêve ce Mars alangui ? Pourquoi ces satyreaux peinent-ils à l'éveiller ? Finalement, que veulent-ils nous dire en jouant avec les armes du dieu de la guerre ? Pour y répondre, en fin connaisseur de la Renaissance italienne et du milieu florentin, Stéphane Toussaint instruit une enquête fondée sur des textes le plus souvent ignorés, en exhumant des archives la veine populaire et parodique de Botticelli, grand lecteur du Décaméron de Boccace. D'un style alerte, sans sacrifier l'érudition ni dédaigner l'humour, l'auteur mène une recherche palpitante, signe à signe, qui entraîne le lecteur dans la Florence interdite et burlesque du Quattrocento.
Relevant un à un les indices cachés dans la peinture, tout en décodant leur équivocité profonde selon les grilles de l'époque, Stéphane Toussaint rappelle que Botticelli confia jadis à Politien, le poète de Laurent le Magnifique, un cauchemar étrange où il s'enfuyait de terreur le jour de ses noces. Mars referait-il le songe de Botticelli ?
De fil en aiguille, l'auteur relève le pari de ressusciter au grand jour un Botticelli irrévérencieux et grivois, quand la critique moderne l'avait oublié derrière sa peinture sacralisée à l'excès. Botticelli artiste des Madones ou Sandro peintre des amants de Mars ? Telle est la question fracassante susceptible d'attiser la curiosité et d'accroître la fascination de Botticelli dans un public élargi. -
Pieter Bruegel
Michel Weemans, Reindert L. Falkenburg
- Hazan
- Monographies
- 26 Septembre 2018
- 9782754114479
Cet ouvrage a reçu le Filaf 2019 du meilleur livre dans la catégorie Beaux-Arts remis en juin 2019, par le Festival Festival International du livre d'art et du film.
Comment comprendre le monde au-delà du visible immédiat ? Jusqu'où les paysages mondes de Pieter Bruegel (v. 1525-1569) interrogent-ils les apparences ? On associe généralement le célèbre peintre flamand à l'invention du paysage moderne, aux scènes de paysans et aux diableries de Jérôme Bosch. Mais Bruegel n'est pas toujours là où on l'attend. Ses tableaux captivent par le rendu réaliste du détail et par l'ampleur de la vision, mais ils mettent en scène un paradoxe : tout en séduisant l'oeil extérieur, ils en appellent à l'oeil intérieur, spirituel. Ils entraînent le spectateur dans une quête visuelle et mentale du monde visible qui conduit vers le domaine de l'invisible. Ce livre met en lumière cette caractéristique fondamentale des oeuvres de Bruegel et analyse les procédés visuels élaborés par le peintre pour troubler et défier notre regard. Déceler les traces des puissances divines et diaboliques cachées dans la trame du paysage et révéler la dichotomie sans cesse rejouée entre aveuglement moral et discernement spirituel est le propos central des deux auteurs. Au fil des détails, cet ouvrage richement illustré nous propose une plongée dans les oeuvres de Bruegel : matière à spéculer et pièges à voir. -
An authoritative and comprehensive celebration of the life and work of one of the most prominent artists of the Venetian Renaissance Meticulously researched and luxuriously illustrated, this volume offers a comprehensive view of Vittore Carpaccio (c. 1460/1466-1525/1526), whose work has been admired for centuries for its fantastical settings enriched with contemporary incident and detail. Capturing the sanctity and splendor of Venice at the turn of the sixteenth century, when the city controlled a vast maritime empire, Carpaccio combined careful observation of the urban environment with a taste for the poetic in his beloved narrative cycles and altarpieces.
Providing a new lens through which to understand Carpaccio's work, a team of distinguished scholars explores various aspects of his art, including his achievement as a draftsman. In addition to emphasizing the artist's innovative techniques and contributions to the development of Venetian Renaissance painting, this study includes an in-depth consideration of the fluctuations in the reception of Carpaccio's work in the five hundred years since the artist's death.
Published in association with the National Gallery of Art, Washington Exhibition Schedule:
National Gallery of Art, Washington (November 20, 2022-February 12, 2023) Palazzo Ducale, Venice (March 18-June 18, 2023)
