LE LIVRE L'émergence de l'abstraction au début du XXe siècle a mené à un changement total de paradigme. Cet ouvrage vise à retracer l'épopée de ces oeuvres qui s'émancipent du réel et la rupture majeure auquel cela a conduit en histoire de l'art.
NI absence du monde, ni sacrifice de la signification, l'abstraction vise un langage universel, en lien étroit avec les mutations technologiques de la société portées par les nouveaux médias, de la photographie au cinéma jusqu'à la vidéo et la révolution des cultures numériques.
Ce champ élargi des pratiques de l'art abstrait oblige à repenser la géographie globale de son histoire et de ses développements, en prenant en compte les circulations mondiales de cette aventure de l'esprit et des fomes.
Des aquarelles de William Turner aux expérimentations cybernétiques dans l'art contemporain, ce voyage en abstraction montre à l'échelle internationale - de l'Europe au Japon en passant par l'Amérique latine et les États Unis - la pluralité des formes, des pratiques et des concepts qui ont nourri cette quête.
« Il fallait écrire ce livre [...] pour garder la trace des luttes et des accomplissements des peuples noirs, de leurs persécutions et de leurs révoltes contre ces persécutions », écrit Nancy Cunard en ouverture de l'Anthologie noire. Son intuition singulière fut de documenter les violences infligées aux Noirs tout en célébrant d'un même geste les cultures héritées d'Afrique à travers le monde. Pour ce faire, ce livre sans équivalent multiplie les types de sources (iconographie, archives, articles de presse, témoignages, extraits d'ouvrages, photographies, discours politiques, tracts, poèmes ou encore chansons), les points de vue (Amérique, Afrique, Europe) et les contributeurs (historiens, anthropologues, militants, artistes, poètes...).
Cette réédition augmentée du catalogue raisonné des oeuvres de la donation Albers-Honegger rassemble plus de 600 oeuvres données par Gottfried Honegger et Sybil Albers au Centre national des arts plastiques. Cet ensemble déposé à l'Espace de l'Art Concret, à Mouans-Sartoux, témoigne d'une histoire inaugurée par De Stijl et le Bauhaus où se rencontrent les idéaux de nombreux artistes et offre une vision élargie de l'art concret et de l'abstraction géométrique.
L'ouvrage marque une nouvelle étape dans l'aventure exigeante et généreuse de L'Espace de l'Art Concret, portée depuis 1990 par les donateurs et les équipes du centre d'art qui avec détermination proposent un projet artistique et culturel et donnent une place essentielle à l'éducation artistique des jeunes publics. C'est en 1997 que, forts de l'engagement de la ville et du soutien du ministère de la Culture, Sybil Albers-Barrier et Gottfried Honegger décident de donner leur collection à l'État, à condition que la forte cohérence scientifique du projet autour de l'art abstrait, géométrique, construit et concret, soit préservée. La première donation est formalisée en 2000 ; elle est complétée par un ensemble important d'oeuvres personnelles de Gottfried Honegger en 2001 puis de trois autres jusqu'en 2011. En 2002, puis en 2003, Aurelie Nemours fait également don à l'État d'un ensemble de ses oeuvres, auquel s'ajoute une donation de Catherine et Gilbert Brownstone (2001) et de Lanfranco Bombelli Tiravanti en 2008. En 2004, le bâtiment signé par les architectes suisses Annette Gigon et Mike Guyer offre aux oeuvres de la « Donation Albers-Honegger » un lieu qui transpose les enjeux de l'art concret - plans et couleurs - à l'échelle du réel.
Oeuvres de Alvar Aalto, Josef Albers, Carl Andre, John M Armleder, Hans Arp, Bernard Aubertin, Cécile Bart, Larry Bell, Harry Bertoia, Jean-Pierre Bertrand, Max Bill, Marcel Breuer, Daniel Buren, Pol Bury, André Cadere, Marcelle Cahn, Antonio Calderara, César, Alan Charlton, Eduardo Chillida, Andreas Christen, Dadamaino, herman de vries, Dominique Dehais, Jean-François Dubreuil, Helmut Federle, Dan Flavin, Günter Fruhtrunk, Fritz Glarner, Hans Jörg Glattfelder, Jean Gorin, Camille Graeser, Christoph Haerle, Marcia Hafif, Herbert Hamak, Al Held, Gottfried Honegger, Donald Judd, Raphaël Julliard, Imi Knoebel, Joseph Kosuth, František Kupka, Le Corbusier, Sol LeWitt, Richard Paul Lohse, Richard Long, Man Ray, Piero Manzoni, John McCracken, Henri Michaux, Manfred Mohr, François Morellet, Olivier Mosset, Aurelie Nemours, Mario Nigro, Verner Panton, François Perrodin, David Rabinowitch, Jean-Pierre Raynaud, Gerrit Rietveld, Reiner Ruthenbeck, Gerwald Rockenschaub, Sigurd Rompza, Ulrich Rückriem, Nelly Rudin, Ludwig Sander, Adrian Schiess, Jan J. Schoonhoven, Richard Serra, Kimber Smith, Keith Sonnier, Niele Toroni, Günther Uecker, Alan Uglow, Günter Umberg, Bernar Venet, Michel Verjux, Friedrich Vordemberge-Gildewart, Franz Erhard Walther, Tapio Wirkkala, Marcel Wyss.
L'art du xxe siècle mérite une fois de plus qu'un nouvel ouvrage lui soit consacré. On a tant créé durant ces cent années, tant inventé, tant bouleversé mais aussi tant suscité de débats, de malentendus, d'incompréhension, de polémiques, qu'il est bon de revenir sur les réalisations de ce siècle dans le domaine artistique, l'Histoire ayant fait largement son office.
Il reste nécessaire de mieux connaître l'art moderne et contemporain afin d'essayer de mieux le comprendre. La meilleure manière pour y parvenir consiste à dégager les grandes tendances qui le parcourent, qui s'opposent, qui se complètent, qui se recoupent puis se transforment d'une époque à l'autre et à mettre ensuite en valeur le rôle des principaux créateurs du siècle - Picasso, Matisse, Léger, Mondrian, Malevitch, De Chirico, Pollock, Warhol...
Un panorama inédit, de A à Z, de l'oeuvre de 300 artistes modernes et contemporains, nés ou installés sur le continent africain.
Ces dernières années, la scène artistique africaine, en plein essor, a attiré l'attention du monde entier avec un nombre croissant d'expositions internationales et une présence conséquente sur le marché mondial de l'art.
Voici, pour la première fois, le panorama le plus complet à ce jour de l'oeuvre de 300 artistes modernes et contemporains, nés ou installés en Afrique. Réalisé en collaboration avec un panel d'experts, ce volume s'appuie sur le succès du best-seller 400 Femmes artistes pour écrire une version plus exhaustive et diversifiée de l'histoire de l'art.
Comment expliquer le succès - ou l'échec - de tel ou tel artiste, ou de tel ou tel objet ? S'appuyant sur les archives des commissaires-priseurs, cet ouvrage pousse la porte des ventes aux enchères publiques à Paris et décompose les rouages du marché de l'art entre 1830 et 1939.
Le sujet de ce livre n'est pas la peinture animalière. Il s'agit d'un essai illustré sur la place, la fonction et la symbolique de la représentation de l'animal dans le champ pictural, de la Renaissance au XIXe siècle. Comprendre pourquoi un animal est présent dans une oeuvre où nulle habitude ne l'impose à priori. Dans la lignée de Daniel Arasse, Nadeije Laneyrie-Dagen vise ici à approfondir la compréhension des oeuvres à travers une observation du détail, une "microhistoire" de l'art dans laquelle se confronte le voir et les savoirs (histoire, esthétique, technique ...).
Dans une langue alerte et aussi précise que l'impose son approche, elle offre au lecteur une sensibilisation du regard et des clés de compréhension sur un motif important de la peinture occidentale.
Ouvrage de référence, L'Aquarelle étudie au fil d'une remarquable iconographie, le développement de l'aquarelle occidentale en tant que technique - singularisée par la polychromie et l'exigence de transparence -, et en tant que genre à partir de la fin du XVIIIe siècle, depuis la pratique du dessin colorié dans l'enluminure médiévale jusqu'aux lavis libres et éclatants de couleurs des artistes de l'abstraction. Portée par les paysagistes, les artistes naturalistes puis les jeunes avant-gardes, elle connaît sa période d'apogée dans le derniers tiers du XIXe siècle. Vers la fin du siècle, c'est en France que s'est déplacé l'épicentre de la modernité : Johan Barthold Jongkind, Paul Cézanne et, dans une moindre mesure, Paul Signac - héritier de Delacroix - seront à l'origine des révolutions majeures pour l'histoire de l'aquarelle au XXe siècle.
Jacques Thuillier a toujours été hanté par la responsabilité de l'historien à l'égard de son objet, par la fragilité des oeuvres qui ne sont plus regardées, étudiées, appréciées. Son bonheur, c'est de n'être « pas seulement un historien qui fabrique du savoir », mais d'être « un historien qui sauve ».
Or, mis à part les impressionnistes dont la renommée a éclipsé les autres artistes (voire les a discrédités), l'art du XIXe siècle est généralement méconnu, mal aimé, parfois méprisé ; ses artistes sont pour beaucoup tombés dans l'oubli, leurs oeuvres sont mal exposées ou même disparues...
Il s'agit non seulement de les remettre en lumière, mais de corriger les idées reçues qui font obstacle à leur juste appréciation.
Renouveler notre regard suppose donc de contester les étiquettes, d'accueillir les oeuvres dans leurs hésitations, les artistes dans leurs cheminements, de reconnaître leur singularité - « la libre création des milliers d'artistes du XIXe siècle ».
D'où les nombreux travaux de Jacques Thuillier sur le XIXe siècle, au fil d'une carrière pourtant identifiée à celle d'un spécialiste du XVIIe. D'où, dans ce volume, son panorama du romantisme comme champ de recherches plutôt que comme catégorie exclusive.
D'où son questionnement exigeant sur le mot « pompier ». D'où encore sa réhabilitation de l'École des beaux-arts.
D'où aussi l'attention portée à une multitude de peintres examinés chacun pour lui-même, et son intérêt pour les musées de province et la peinture locale. D'où enfin, la collection personnelle de Jacques Thuillier, dont les nombreux dessins, gravures et tableaux illustrent une partie de ce volume.
Rejetant les hiérarchies établies au profit d'un regard bienveillant et instruit, Jacques Thuillier donne à ses lecteurs les outils permettant de réviser les jugements portés sur des oeuvres qu'on ne prenait plus la peine de regarder et nous fait partager son exaltation d'avancer dans un « pays des merveilles ignorées ».
Le tout produit une sorte de « dictionnaire amoureux » de l'art au XIXe siècle, non exhaustif mais éclectique, qui réunit Meissonier et Corot, Sérusier et Guignet, Gericault et Baudry... C'est le panorama le plus varié dont on puisse rêver sur un sujet aussi peu traité, une initiation aussi bien informée que sensible, précieuse au moment où la période connaît un certain regain d'intérêt, notamment à travers les expositions du musée d'Orsay.
Ce quarante-huitième titre de la collection "L'Art et les Grandes Civilisations" revisite plus d'un siècle de création (1789-1914), en Europe-pays scandinaves et Europe de l'Est compris - et en Amérique du Nord.
Rompant avec le découpage classique "peinture/sculpture/architecture/arts décoratifs/photographie", le volume envisage une approche transversale élargie. Le XIXe siècle est, en effet, le moment où se développe une réflexion théorique et où s'amorce une véritable démocratisation de l'art, des oeuvres, du patrimoine. La formation des artistes, les réformes du Salon, l'émergence du marché de l'art, l'inflation de la critique, la naissance du musée, la conception de l'architecture et de l'urbanisme, la sculpture publique, le développement de la photographie ... sont autant de dimensions où est impliqué le public auquel les oeuvres sont destinées.
Sous la direction de Bertrand TILLIER, professeur d'histoire de l'art contemporain à l'Université de Bourgogne et directeur du Centre Georges Chevrier, le présent volume réunit les contributions de Laurent BARIDON, FRANCK CLAUSTRAT, Sébastien CLERBOIS, Rossella FROISSART, Laurent HOUSSAIS, France NERLICH, Dominique POULOT, Julie RAMOS, Paul-Louis ROUBERT et Pierre WAT.
Au tournant de deux siècles, et à l'heure des bilans, L'art du XXe siècle étudie l'art de la première moitié de ce siècle, de l'Exposition Universelle de 1900 à la déclaration de guerre de 1939.
C'est dans ces années 1900 que l'art occidental bascule : le symbolisme et l'Art nouveau s'effacent, Gauguin et Cézanne meurent, laissant la place à une nouvelle génération qui donne naissance au primitivisme, au fauvisme, au cubisme ou à l'abstraction. La Grande Guerre bouleverse ces données, signant la mort de l'homme et la mort de l'art. Au moment où le krach de 1929 met à bas l'économie mondiale, apparaît la modernité, entre nostalgie et utopie. À travers une forte internationalisation, les avant-gardes se développent jusqu'à l'abîme de 1939, sous l'oeil des totalitarismes naissants.
La conception originale de ce livre rend compte des bouillonnements artistiques de notre siècle, dans toute leur diversité. Après une lecture trop strictement moderniste dans les années 70, les chercheurs ont désormais une vue plus large et plus ouverte sur la création, en dehors des modes et des courants : les avant-gardes sont réévaluées et des mouvements essentiels reprennent leur place au sein de l'histoire de l'art.
Selon un déroulement chronologique, chaque auteur traite d'une période, dont tous les arts sont étudiés de front. Ainsi, leurs textes donnent de manière claire tous les éléments que l'amateur se doit de connaître sur la naissance de l'art contemporain.
Ce cinquième volume achève la magistrale Histoire de l'Art du XXe siècle, publiée par Skira depuis 2006. Il s'attache aux tendances émergentes de l'Art contemporain au début du XXIe siècle avec, entre autre, une importante contribution de Nicolas Bourriaud.
- À travers une sélection de rares peintures, le parcours de cette exposition sur l'art et l'enfant retrace l'évolution du statut de l'enfant du XVe au XXe siècle et s'interroge, in fine, sur le rôle du dessin enfantin sur les avant-gardes du début du siècle passé.
Provenant de collections particulières et de prestigieux musées français et étrangers, une centaine d'oeuvres signées Le Nain, Champaigne, Chardin, Greuze, Corot, Millet, Manet, Monet, Morisot, Renoir, Cézanne, Matisse, Picasso... composent une fresque inédite. Une invitation à découvrir sous un jour nouveau des chefs-d'oeuvre tel L'enfant au toton de Chardin, La béquée et La leçon de tricot de Millet, Le Clairon d'Eva Gonzalès, Le petit marchand de violettes de Pelez, Promenade à Argenteuil de Monet, Eugène Manet et sa fille Julie de Berthe Morisot, Les enfants de Martial Caillebotte et La Leçon de Renoir, Le ballon de Vallotton, Le portrait de Pierre par Matisse et Le peintre et l'enfant de Picasso. Coédition Musée Marmottan Monet/Editions Hazan.
Cet ouvrage appartient à un projet de grande envergure initié pour l'anniversaire de la création du Bauhaus en 1919. Une plateforme internationale rassemble des chercheurs en études culturelles, des designers et des
Lieu essentiel de la culture renaissante et baroque, instrument de savoir autant que de plaisir esthétique, au carrefour de l'art et de la science, le cabinet de curiosités s'effaça devant le rationalisme des Lumières, ne subsistant que dans les musées secrets de quelques collectionneurs nostalgiques. Il ne suscita, au début du 20e siècle, que l'intérêt des historiens, des amateurs de bizarre et des surréalistes qui en apprécièrent l'étrangeté et les aspects poétiques. Il fallut attendre le passage au siècle suivant pour voir le phénomène connaître une résurgence paradoxale et prendre une ampleur nouvelle. Après s'être vu consacrer, en France, à Poitiers en 2013, une exposition, « La Licorne et Le Bézoard », qui se proposait d'en retracer l'histoire, le cabinet de curiosités fait l'objet, dans le projet du FHEL, d'une approche renouvelée. Prenant acte du fait que, devenu source d'inspiration de nombreux artistes, thème d'expositions internationales aussi bien que tendance du goût et du décor intérieur, le cabinet de curiosités fait désormais partie de l'imaginaire contemporain, la présente exposition se propose d'en suivre différentes expressions, échos et interprétations. S'ouvrant sur une mise en perspective historique, elle s'intéresse essentiellement aux regardeurs qui auront réinventé, dans les dernières décennies, le concept de cabinet de curiosités : qu'il s'agisse d'institutions comme le Muséum national d'Histoire naturelle, le musée de la Chasse et de la Nature à Paris, le musée d'anatomie de Montpellier ou le musée Le Secq des Tournelles à Rouen, de personnalités singulières, comme le fondateur de la Maison rouge, Antoine de Galbert ou d'artistes comme Miquel Barceló, Jean-Jacques Lebel ou Théo Mercier. S'ébauche ainsi, sur près de 1000 mètres carrés, dans une scénographie étonnante, ce qui pourrait être un cabinet de curiosités du moment présent.
Apparus en Europe à la Renaissance, les cabinets de curiosités étaient des endroits insolites dans lesquels étaient amassés des objets hétéroclites et curieux. Regroupant dans la même pièce, du sol au plafond, crânes humains, animaux empaillés, chimères, globes, sirènes, coquillages, écorchés, cornes de licornes et autres bizarreries, ils fascinaient par leur caractère extravagant, fantastique et parfois effrayant. De nos jours, des passionnés continuent de collectionner, classer, répertorier ces objets remarquables et de nombreux artistes s'en inspirent pour créer leurs Suvres. En outre, l'esprit du cabinet de curiosités est devenu, en quelques années, la grande tendance dans le domaine de la décoration. Avec une approche ludique, ce livre richement illustré présente l'histoire du cabinet de curiosités, depuis sa création jusqu'à nos jours et reprend les différents thèmes auxquels appartiennent ces curiosités. Un livre passionnant et vivant, à la découverte de lieux extraordinaires, captés par l'Sil de la photographe Christine Fleurent.
À l'occasion des expositions Cobra présentées à partir de novembre 2017 au musée de Tessé, Le Mans, et au musée de Pont-Aven, les éditions Arteos publient un ouvrage consacré au groupe Cobra.
Cobra fut au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, une explosion poétique et artistiques qui a profondément marqué l'art de la la seconde moitié du XXe siècle. Le livre a pour ambition de réévaluer le rôle essentiel des artistes du groupe Cobra sur la scène artistique internationale depuis 1945.
À la lumière d'articles d'historiens de l'art européens et d'une riche iconographie, cette publication revient sur les fondements de l'art des artistes Cobra durant les années historiques (1948-1951) et met en avant l'importance des années de l'« après-Cobra » qui attestent la continuité des aspirations de Cobra au coeur des enjeux artistiques internationaux des cinquante dernières années.
Le livre présente des oeuvres de l'ensemble des artistes et des poètes danois, néerlandais, belges, français, allemands, anglais, suédois et américains qui prirent part aux actions de Cobra qui se définissait en 1951 comme une Internationale des artistiques expérimentaux. Les oeuvres issues des principales collections publiques et privées européennes sont confrontées à une documentation historique parfois inédite provenant des artistes et de leurs ayants-droit.
La connaissance des autres cultures est marquée en France par son passé colonial, les relations avec ses partenaires économiques et politiques ainsi qu'avec les Grandes Puissances.
On y parle donc assez peu d'Amérique latine et Cuba, dans cette absence d'imaginaire collectif, est souvent de fait reduit à quelques traits généraux qui peuvent tenir lieu de clichés faits de salsa, de révolution communiste et de rhum. Seuls quelques rares élèves ayant étudié l'espagnol auront entendu parler au cours de leur scolarité de Nicolas Guillén ou d'Alejo Carpentier, mais aucun sans doute de Perez Monzon, de Consuelo Castañeda, d'Antonia Eiriz ou des groupes Onze ou Pure.
Pourtant, Cuba est à n'en pas douter un des trois grands pôles culturels de l'Amérique hispanophone aux côtés de l'Argentine et du Mexique. Douze fois moins peuplée que le Mexique et 25 fois plus petite que l'Argentine, l'île a cependant donné une quantité insoupçonnée de musiciens, de danseurs, d'écrivains et de plasticiens réellement fascinants et dont les influences ont eu une portée universelle qui rivalise aisément avec les foyers amérindiens et ceux du Cône sud.
La révolution castriste de 1959 qui succèda à la dictature de Batista mit en place un régime clivant qui aboutit à une situation analogue à celles encore actuelles de la Corée et de la Chine : la partition. Rien qu'aux États-Unis on compte près de 10% de la population cubaine émigrée, essentiellement en Floride, sans compter les autres pays d'Amérique latine dont en particulier le Mexique. Il en résulte que la création artistique cubaine, lorsqu'elle se revendique comme telle doit aussi prendre en compte cette très importante diaspora. L'art cubain n'est donc pas exclusivement le produit d'une île, mais est celui issu de cette île qui fédère les artistes.
François Vallée, épris d'art cubain depuis des décennies, a collecté plus de 400 pièces. Sa collection est marquée par des partis-pris personnels, des aléas parfois insolites de collectage, des rencontres et des échanges et n'est pas comparable à un fonds de musée sélectionné par des spécialistes qui font passer la raison avant la passion.
Selon un parcours chronologique des oeuvres, le cubisme est présenté dans son intégralité, de ses origines aux concepts clés, pour comprendre l'évolution du mouvement. Cette analyse permet d'inscrire le cubisme dans les dimensions sociales, économiques ou politiques de l'époque.
Le Musée du Belvédère offre un aperçu de l'abstraction pratiquée à Vienne, de 1919 à 1929, dans le contexte du modernisme européen. Au début des années 1920, les élèves de Franz Cizek de l'École des Arts Appliqués de Vienne ont mêlé les influences du cubisme et des futurismes italien et russe. Le catalogue regroupe plusieurs essais et présente de nombreuses oeuvres : peintures, meubles, sculptures et jouets pour enfants.
