L'art et la vie de Gérard Garouste sont peuplés de fantômes et de hantises. Le peintre livre ici, sans aucun fard, tous les tourments intimes qui ont façonné son parcours : la violence et l'antisémitisme de son père, la dyslexie, l'échec, la folie, la dépression, l'incompréhension. Nous entraînant dans les rouages de la création, cet entretien mené par Catherine Grenier révèle un personnage passionné, cultivé, à la franchise déconcertante et à l'engagement artistique sans faille.

Alberto Giacometti (1901-1966) s'est partagé entre la peinture, la sculpture et le dessin. Ses rapprochements avec le cubisme et le surréalisme, son attrait pour les arts antiques et extra-occidentaux, son attachement à la figure humaine font de lui une personnalité à part, mais pleinement inscrite dans les enjeux artistiques du XXe siècle.
À travers plus de cent cinquante oeuvres, cet ouvrage fait la part belle aux confrontations essentielles qui ont émaillé la carrière de l'artiste : la rencontre avec l'oeuvre de Constantin Brancusi en 1927 ; l'Antiquité égyptienne, source d'inspiration et de ressourcement ; ou encore la relation amicale et intellectuelle avec l'écrivain Jacques Dupin, son premier biographe.
De nombreuses photographies de l'artiste et de son atelier permettent de replacer les oeuvres dans le contexte de leur création.
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Alberto Giacometti n'est pas seulement un artiste majeur du XXe siècle:il est aussi l'une de ses personnalités les plus originales. Fruit de recherches nouvelles, cet ouvrage nous introduit dans l'intimité d'un artiste hanté par son oeuvre, toujours poussé en avant par une exigence sans concession.Après une jeunesse passée dans l'atelier de son père en Suisse, puis dans celui du sculpteur Antoine Bourdelle à Paris, le jeune artiste s'affranchit de ses premiers mentors en se tournant vers le cubisme, puis le surréalisme. Malgré la reconnaissance quasi-instantanée de son travail et l'amitié admirative d'André Breton, il se détourne rapidement des objets surréalistes qui l'ont rendu célèbre, pour s'engager dans une échappée solitaire qui le mènera à la marge des courants dominants.Ami des plus grands artistes et intellectuels, il trace son sillon personnel dans l'intimité solitaire de son mythique atelier de Montparnasse. Profondément attaché à la représentation humaine, influencé par les arts archaïques et non occidentaux, il s'éloigne d'une représentation naturaliste, pour adopter une vision synthétique et parfois hallucinée de la figure, chargée d'une puissance mystérieuse.Catherine Grenier nous livre le destin et le parcours singulier d'Alberto Giacometti, de sa vie et de son oeuvre, dans une biographie à lire comme un roman.
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Pour Château La Coste, Prune Nourry a imaginé une sculpture monumentale, représentant une femme enceinte émergeant du paysage. Installation immersive et architecture écoresponsable, Mater Earth nous ramène aux origines de l'humain et aux mythes de création. Vision rare d'une oeuvre en train de se faire, porte ouverte sur le processus créatif, le livre met la sculpture Mater Earth en regard de tout ce qui l'a alimentée, formée, élevée.

En confrontant les sculptures d'A. Giacometti à une sélection d'oeuvres issues des collections égyptologiques du Louvre et aux dessins inédits conservés par la Fondation Giacometti, ce catalogue propose un regard renouvelé sur le travail du sculpteur, qui a toujours entretenu une relation étroite avec l'art égyptien de l'Antiquité, produisant nombre de copies de statuettes et de bas-reliefs.

Dans ses sculptures comme dans ses peintures, Alberto Giacometti s'est concentré durant toute sa carrière sur un motif quasi-unique : la représentation de l'être humain, qu'il considérait comme la raison d'être du geste artistique.
L'exposition et l'ouvrage Histoire de corps se concentrent sur les figures du nu féminin, pour lequel dès ses débuts l'artiste cherche à établir une nouveau canon de représentation. Passant du naturalisme à une schématisation néo-cubiste qui le conduit au seuil de l'abstraction, optant durant sa période surréaliste pour une représentation symboliste, Giacometti s'emploiera ensuite inlassablement à ouvrir une perspective moderne à la figuration d'après modèle.
Le rapprochement des diverses sculptures, peintures et dessins inspirés de sa femme Annette, révèlera au public la diversité et l'originalité du traitement de ces figures nues, toutes représentées dans la même position, depuis le plus petit jusqu'au plus grand format.
Dans cet ouvrage richement illustré, plusieurs textes d'auteurs originaux, ainsi que des citations et textes de l'artiste interrogeront le rapport complexe et tourmenté de Giacometti à la représentation de figure humaine.
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Alberto Giacometti s'est concentré durant toute sa carrière sur un motif quasi-unique : la représentation de l'être humain. La sculpture de L'homme qui marche est devenu une oeuvre à la fois iconique de la fin de la période moderne et la synthèse des recherches de Giacometti sur la figure humaine.
L'artiste ne cherche alors pas la représentation d'un homme en particulier mais la synthèse de toutes les figures possibles de l'homme, en révélant à la fois sa fragilité et sa détermination. L'exposition réunit pour la première fois l'ensemble des variations de Giacometti sur la figure en marche, de l'oeuvre célèbre qui assoit sa notoriété auprès du plus large public dans les années 1960 à la toute première version qu'il réalise dans l'immédiat après-guerre.
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La monographie la plus exhaustive à ce jour sur lun des plus grands artistes et sculpteurs français contemporains.
Jean-Michel Othoniel crée des sculptures qui explorent les thèmes de la fragilité, de la transformation et de l'éphémère. En utilisant la répétition d'éléments modulaires tels que les briques ou les perles, il déploie, dans ses créations, différentes stratégies laissant entrevoir un sentiment de perte ou de désespoir - les fissures sous la surface parfaite de ses objets, ses espaces négatifs et, au début de sa carrière, des matériaux fugaces comme le soufre. Cet ouvrage présente des créations intimes exposées en galerie, ainsi que des commandes publiques monumentales à travers le monde.

Ce catalogue d'exposition « Alberto Giacometti entre classicisme et avant-garde » propose une relecture de l'oeuvre de Giacometti en dialogue avec les grands sculpteurs modernes de son époque.

Cette réédition de la monographie consacrée à Christian Boltanski propose une nouvelle maquette, un nouveau format et 40 pages supplémentaires. Elle est publiée à l'occasion de l'actualité de l'artiste qui représente la France à la biennale de Venise en juin 2011. Un texte de Jean- Hubert Martin, commissaire du Pavillon français viendra nous éclairer sur l'installation de Boltanski à Venise et sera largement illustré par les photographies inédites de cette nouvelle exposition.
Catherine Grenier met à jour son essai rétrospectif en y ajoutant un chapitre sur le projet de Monumenta (Grand Palais - janvier 2010) et sur les dernières expositions de l'artiste dans le monde, à New York et au Japon.
Ainsi mise à jour et largement augmentée, cette monographie demeure l'unique ouvrage de référence sur cet artiste majeur de la scène artistique française.
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Figure majeure de l'art contemporain, Annette Messager a obtenu le Lion d'or à la Biennale de Venise en 2005 pour son installation au Pavillon français et reçu le Prix Praemium Imperiale en 2016 dans la catégorie sculpture.
Son travail a été exposé dans les plus grands musées du monde. Depuis les années 1970, l'artiste développe des installations abordant les thèmes de l'identité, du corps, de la condition des femmes, de l'érotisme et de la mort.

Admirative de l'oeuvre comme de la personnalité de Giacometti, l'artiste a plusieurs fois introduit des clins d'oeil à l'oeuvre du sculpteur dans ses installations. Pour l'Institut Giacometti, elle conçoit un parcours original avec des oeuvres anciennes et nouvelles en regard avec des oeuvres d'Alberto Giacometti.

Quel est l'avenir des musées, et en particulier des musées d'art moderne? Menacés par la crise économique, par l'envolée du marché de l'art, par la transformation des pratiques culturelles, les musées doivent aussi affronter les défis de la mondialisation et une concurrence grandissante. Derrière la bonne santé de la fréquentation, se cachent des réalités plus inquiétantes : le fonctionnement des musées est en crise, leur identité aussi. Une bonne occasion de repenser ce modèle et de l'adapter aux perspectives futures ?

Toutes ces questions sont au coeur de cet ouvrage. Catherine Grenier s'inspire de sa pratique reconnue du métier de conservateur et d'une enquête réalisée auprès d'acteurs principaux du monde de l'art, pour offrir une analyse précise de la situation et dégager des perspectives. Sa réflexion s'attache au modèle français du musée, basé sur une conception humaniste ancrée dans la pensée des Lumières, qu'elle confronte aux réalités du contexte international et de la période de mutation culturelle qui s'amorce. Elle propose un modèle actualisé, le " musée polymorphe ", qui revitalise la dimension initiale du projet muséographique révolutionnaire et l'adapte aux temps futurs. Ce musée de nouvelle génération, qui intègre de nouvelles fonctions de diffusion des savoirs, se positionne de manière différente, plus active, dans la société et dans le monde. Il transcende la séparation traditionnelle entre musée d'art et musée de civilisation, pour refonder une conception unifiée du " musée public " aux implications à la fois artistiques, culturelles, sociales et politiques.
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Cet ouvrage retrace l'itinéraire de Martial Raysse, artiste phare de sa génération qui s'est emparé avec insolence et virtuosité des références de la culture populaire comme celle de la culture savante. Il restitue les différentes étapes d'un engagement singulier et visionnaire qui se déploie au travers de peintures, de sculptures, de dessins et de films. Analysant en profondeur chacun de ces médiums, les différents essais et la chronologie largement illustrée montrent la richesse et la variété d'une oeuvre qui convoque à la fois le souvenir des grands maîtres et les visions très personnelles de l'artiste.

ÿþ " Ce livre constitue un document exceptionnel. Réalisé à partir d'entretiens directs menés sur une période de deux ans avec Catherine Grenier, il dévoile les éléments les plus importants de la vie et de la carrière de Maurizio Cattelan. Les traumatismes de l'enfance, l'émancipation précoce, l'aspiration radicale à la liberté, la rencontre avec l'art, la peur de la perte et de l'échec, l'obsession de l'image, la multiplication des rôles, la présence singulière au monde, l'art de provoquer ou de dérouter : l'artiste se livre au travers d'un récit extrêmement personnel et original. Ces entretiens sont pour Cattelan un nouveau " saut dans le vide " : après des années de silence, l'artiste prend la parole et parle sans détour ni ironie au moment où il envisage de mettre un terme à ses activités de plasticien.

" Maurizio Cattelan est un artiste contemporain. Il est né à Padoue en 1960 et vit à New York.Catherine Grenier est directrice-adjointe du Musée national d'art moderne, centre Pompidou. Elle connaît Maurizio Cattelan depuis 1997 et a réalisé deux projets avec lui : Abracadabra (exposition collective) à la Tate Gallery (1999), installation de L'arbre, forum du Centre Pompidou, 2000. Elle est l'auteur d'un livre d'entretiens avec Christian Boltanski, La vie possible de Christian Boltanski (Seuil 2010) et d'un essai sur l'art contemporain, La Revanche des émotions (Seuil, 2008).
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Pierre Moignard est né en 1961 à Tébessa, en Algérie. Des collages peints sans ciseaux, voilà comment les tableaux de Pierre Moignard pourraient être décrits. Allant au-delà de l'hommage et de la citation, il réalise des emprunts aux tableaux de grands noms de l'histoire de l'art, tels que Manet, Goya, De Kooning ou encore Picasso. Il dit bénéficier du travail des autres, et ses toiles réinventent ainsi l'intrication entre la chose faite (peinte) et la chose empruntée (déjà peinte). C'est cet ajustement contre nature qui s'invente en peinture et la renouvelle. Il pousse cette pratique encore plus loin avec ses films Who Chooseth Me, Notes for the Merchant of Vegas (2009) et Holyland Experience (2013), réalisés aux Etats-Unis. Pierre Moignard a été exposé récemment à la galerie anne barrault (Paris, 2018), au Centre culturel Cesson-Sévigné et au MAMCO (Genève, 2010). Il a également participé à la Nouvelle présentation des collections permanentes du Musée d'art moderne de la ville de Paris en 2017.
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Jean-Michel Alberola, né en 1953, vit et travaille à Paris. Il poursuit depuis le début des années 1980 une oeuvre protéiforme qui navigue entre conceptualisme, abstraction et figuration. Au coeur de ce travail poétique et engagé, la question de la surface de la peinture est prépondérante. Cet ouvrage inédit réunit pour la première fois un ensemble de plus de 250 tableaux des années 1980 à aujourd'hui, donnant à voir toute l'étendue d'une pratique picturale unique et percutante. Un essai de Claire Stoullig ainsi qu'un long entretien avec Catherine Grenier nous éclairent sur la démarche de l'artiste et nous permettent d'appréhender son oeuvre.

Jean Pigozzi est une personnalité hors norme. Héritier de la firme Simca, il est le plus grand collectionneur au monde d'art africain contemporain et partage sa vie entre Paris, Londres, New York, Genève, Le Panama et le cap d'Antibes. Sa collection compte les plus grands chefs-d'oeuvre de Chéri Samba, de Seydou Keïta, de Romuald Hazoumè ou encore de Frédéric Bruly Bouabré, dont sont reproduites ici quelques pièces majeures.Élaboré à partir d'entretiens menés par Catherine Grenier pendant plusieurs années, cet ouvrage brosse un portrait intime, dans lequel Jean Pigozzi évoque son enfance, sa passion de la photographie, sa collection mais aussi sa relation à l'art et à ses amis célèbres.

Entretiens avec l'une des grandes figures de l'art en photographie, dans lesquels Sophie Ristelhueber revient sur son parcours et explicite sa démarche (nouvelle édition augmentée).

Pourquoi devient-on artiste ? Comment ? Jusqu'où est-on artiste ? Sollicitée par les questions directes de Catherine Grenier, Sophie Ristelhueber décrit le cheminement atypique d'une artiste que rien ne prédestinait à ce destin tardif et cependant accompli. Lucide et sincère, cette confession d'artiste, constitue une parfaite introduction à l'art contemporain, ses finalités et ses enjeux. Elle évoque les mouvements d'une « nécessite intérieure » qui l'entraîne dans des territoires en guerre, au contact des conflits et des blessures, à la recherche des traces et des cicatrices.
Nouvelle édition augmentée de l'ouvrage paru en 2010 (ISBN 978-2-84066-388-1).

Sophie Ristelhueber (née en 1949 à Paris) est aujourd'hui l'une des grandes figures de l'art en photographie. Elle poursuit, depuis ses travaux fondateurs sur la ville de Beyrouth détruite par la guerre au début des années 1980, une oeuvre exigeante qui éprouve les conditions dans lesquelles le réel se donne à voir. Elle développe une réflexion engagée sur le territoire et son histoire au travers d'une approche singulière du paysage, conçu comme espace porteur de traces d'activité humaine et mémoire des bouleversements majeurs (grandes guerres historiques, conflits récents, guerres civiles, tremblements de terre), interrrogeant, à la façon d'une archéologue, les marques laissées par l'homme en surface et rendant visibles les stigmates de l'histoire.
Implicant un engagement personnel complet et une pratique de terrain, le travail de Ristelhueber emprunte au reportage ses outils (la photographie) et l'un de ses thèmes majeurs (la guerre), mais en les pliant aux procédures de l'art : son oeuvre ne se construit pas autour du projet documentaire de représenter, mais à partir du projet esthétique d'interroger la notion de trace, sur les corps et sur les lieux.
Attentive au support des photographies, qu'il s'agisse de l'accrochage à l'échelle de la salle de musée ou de la reproduction par le livre, l'artiste recourt aussi à d'autres natures d'images (comme la vidéo) et à des dispositifs d'installation pour construire différentes formes capables de ressaisir la réalité.
Sophie Ristelhueber a remporté le Deutsche Börse Photography Prize 2010.

Voir aussi Sophie Ristelhueber - Opérations.
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Artiste italien, né en 1943, Claudio Parmiggiani développe depuis les années 1960 une oeuvre d'une grande puissance poétique qui utilise une large gamme de matériaux et de références. Nourri de culture classique et fortement marqué par le romantisme, il a su imposer au sein des recherches les plus expérimentales de l'art contemporain son goût pour la culture et la littérature. Le raffinement de ses sculptures et de ses installations, de même que la richesse du travail sur la couleur et les matières, ne tempèrent pas la puissance de ses thèmes et la radicalité de son positionnement artistique. Aux questions fondamentales de la disparition, de l'oubli et de la destruction qui le hantent, il répond par une oeuvre dédiée à la mémoire et au temps. Profondément humaine, sa création s'articule autour d'images et de lieux chargés d'une densité exceptionnelle : il combine ainsi la puissance des images au «génie du lieu», pour créer chez le spectateur un véritable choc émotionnel.
Très largement illustré, cet ouvrage monographique visite les oeuvres phare de l'artiste, en inscrivant sa trajectoire dans la généalogie des explorateurs de l'extrême que furent Yves Klein ou Piero Manzoni. A partir de l'installation monumentale et spectaculaire qu'il a conçue pour le Collège des Bernardins, l'étude de Catherine Grenier analyse les principaux caractères du travail de Parmiggiani : la fascination pour les lieux chargés d'histoire, le travail de mémoire, l'apologie de l'expérience, la dimension humaine et la qualité spirituelle de sa démarche.
Le livre fait ainsi apparaître une oeuvre dont la richesse visuelle et le raffinement esthétique sont en correspondance avec la densité d'un propos existentiel. Etranger au simple jeu des formes, l'artiste engage dans son projet artistique toute l'épaisseur d'un humanisme qui, au travers de ses installations spectaculaires, s'érige comme un rempart contre la barbarie et la destruction.
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Première monographie consacrée à Jean-Michel Othoniel, cet ouvrage suit les pas d'un artiste singulier et secret.
Utilisant sans détour la beauté des matériaux, Othoniel est un des rares créateurs à concilier une démarche artistique exigeante et une approche sensible et poétique. Derrière la séduction des formes, il nous fait découvrir un monde habité par le rêve et l'enchantement, mais aussi hanté par la souffrance et la mélancolie. L'artiste, qui a su gagner la faveur populaire avec son "Kiosque des Noctambules" pour la station de métro Palais Royal-Musée du Louvre à Paris, a fait l'objet de nombreuses expositions et commandes en France et à l'étranger.
Le Centre Pompidou lui consacre en 2011 sa première rétrospective.

Artiste majeur du XXe siècle, Alberto Giacometti a produit une oeuvre prolifique et hors norme, dans l'espace mythique de son atelier de Montparnasse à Paris. Des travaux de la période pré-surréaliste et surréaliste, à ceux de la maturité centrés sur la figure, cet ouvrage propose une relecture originale d'une trajectoire artistique sans équivalent.
Richement illustré, le livre explore les grands axes de cette quête artistique qui, au travers des sculptures, peintures, dessins et lithographies, s'emploie à restituer la complexité de l'expérience humaine.