Bonnard. Peindre l'Arcadie a pour ambition de faire découvrir d'une manière différente un peintre mondialement connu et apprécié pour la magnificence de ses couleurs, la radicalité de ses visions et son humour décalé à la Jarry. Articulé autour des fondamentaux de la peinture de Bonnard, cet ouvrage cherche à éviter l'écueil d'une démonstration strictement chronologique pour faire sentir l'unité profonde de l'oeuvre, la manière dont l'artiste a su additionner harmonieusement les différentes phases de sa création. Du tableautin au grand format, du portrait à la nature morte, de la scène intime au sujet pastoral, du paysage urbain au décor antique, l'oeuvre de Bonnard nous révèle un artiste instinctif et sensible. Sa palette aux couleurs vives et lumineuses en fait l'un des principaux acteurs de l'art moderne. Coédition Musée d'Orsay/Editions Hazan
À vingt ans, Édouard Vuillard rejoint Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Sérusier dans le mouvement nabi, dont il applique les principes avec un radicalisme révolutionnaire.
Très vite, il déploie son art dans les directions les plus variées: au synthétisme brutal des premiers temps succèdent les huis clos intimistes, les grands panneaux, les paysages, les décors, affiches et programmes pour le théâtre d'avant-garde et de boulevard.
À la violence des aplats et des points de couleur des années 1890 répondent en un écho inversé les portraits de commande des années 1930, de facture plus classique. Guy Cogeval nous guide avec brio dans cette oeuvre aussi exubérante dans sa variété que son créateur fut discret, attentif durant toute sa vie à enregistrer le tremblement du temps, la lumière d'un square en hiver, à fabriquer du souvenir.
- Peintre éminemment singulier, Henri Rousseau est un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Son oeuvre s'inscrit pourtant dans son temps, au tournant du XXe siècle : en confrontant sa peinture à quelques-unes de ses sources d'inspiration, qui comptent l'académisme comme la nouvelle peinture, et aux oeuvres des artistes d'avant-garde l'ayant intronisé comme père de la modernité, Le Douanier Rousseau.
L'innocence archaïque se veut une mise en lumière critique de son art autour d'une réflexion sur la notion d'archaïsme. L'archaïsme est ainsi le fil conducteur entre les oeuvres de cette exposition, présentée une première fois au Palazzo Ducale de Venise en 2015, avant de rejoindre les salles du musée d'Orsay au printemps prochain. Les chefs-d'oeuvre d'Henri Rousseau des collections des musées d'Orsay et de l'Orangerie (de La Charmeuse de Serpents à La Noce) seront confrontés aux toiles prêtées par les plus prestigieuses institutions internationales. Des oeuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso mais aussi d'artistes méconnus permettront d'évoquer la richesse des liens qui se tissent autour du Douanier Rousseau, creuset d'une voie originale dans l'exploration de la modernité. Coédition Musée d'Orsay/Editions Hazan.
- Peintre éminemment singulier, Henri Rousseau est un cas unique dans l'histoire de l'art européen. Son oeuvre s'inscrit pourtant dans son temps, au tournant du XXe siècle : en confrontant sa peinture à quelques-unes de ses sources d'inspiration, qui comptent l'académisme comme la nouvelle peinture, et aux oeuvres des artistes d'avant-garde l'ayant intronisé comme père de la modernité, Le Douanier Rousseau.
L'innocence archaïque se veut une mise en lumière critique de son art autour d'une réflexion sur la notion d'archaïsme. L'archaïsme est ainsi le fil conducteur entre les oeuvres de cette exposition, présentée une première fois au Palazzo Ducale de Venise en 2015, avant de rejoindre les salles du musée d'Orsay au printemps prochain. Les chefs-d'oeuvre d'Henri Rousseau des collections des musées d'Orsay et de l'Orangerie (de La Charmeuse de Serpents à La Noce) seront confrontés aux toiles prêtées par les plus prestigieuses institutions internationales. Des oeuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso mais aussi d'artistes méconnus permettront d'évoquer la richesse des liens qui se tissent autour du Douanier Rousseau, creuset d'une voie originale dans l'exploration de la modernité. Version bilingue français/anglais.
Sept ans de réflexion est le catalogue d'une exposition qui rassemble les pièces majeures acquises par le musée d'Orsay pendant les sept dernières années. Une telle exposition permet d'apprécier les enjeux de la politique d'enrichissement des collections nationales. Le budget annuel des acquisitions du musée d'Orsay, abondé par un prélèvement de 16 % du droit d'entrée des collections permanentes, reste important au regard de nombre d'établissements nationaux moins favorisés ; il est toutefois très éloigné des réalités du marché international, particulièrement en ce qui concerne la peinture de la période d'Orsay (1848-1914). Les acquisitions reflètent à la fois les arbitrages collégiaux fondamentaux et la justesse d'une politique qui doit saisir les opportunités judicieuses. Cette exposition a pour but de mettre en avant les perles qui rejoignent les cimaises de notre établissement pour la délectation des visiteurs.
Une sélection d'oeuvres maîtresses de Pierre Bonnard - dont la moitié conservées au musée d'Orsay - commentées par Guy Cogeval, ancien président des musées d'Orsay et de l'Orangerie.
Le commentaire de ces oeuvres est introduit par un essai de Laurence Bertrand-Dorléac (historienne de l'art) qui écrit Le style de ce texte est au diapason de son objet : son mordant et sa tendresse le désignent comme un essai littéraire autant qu'historique (...).
Exposition Les décors des nabis 1890-1900, un frisson nouveau au musée du Luxembourg à Paris, du 12 mars au 30 juin 2019, dont Guy Cogeval, actuellement à la tête du Centre d'études des Nabis, en sera le co-comissaire.
Tout au long du XXe siècle, le design italien a marqué de façon hautement originale la conception des objets d'usage courant dans notre société industrielle contemporaine. Ce « mode italien » a su, à travers un parcours aussi complexe qu'incertain d'innovation industrielle et de mise à jour technologique, développer une culture du design autonome et multiforme, en mesure de concilier une tradition artisanale richissime et l'aspiration, souvent contestée, vers une modernité faite d'éclairs d'improvisation et d'ironie joints à une tendance laborieuse à l'expérimentation. Les phénomènes culturels et artistiques de l'histoire du design italien n'ont pas encore fait l'objet d'une lecture approfondie en ce sens ; en particulier, on a jusqu'ici peu étudié la synergie qui tout au long du XXe siècle s'est opérée en Italie entre l'expérimentation artistique et le design innovateur. L'exposition et ce catalogue se proposent donc d'offrir une première reconnaissance de ces liens à travers l'exploration des différentes manières dont, en Italie, la société industrielle a été perçue, interprétée et représentée par les architectes, les artistes et les designers qui l'ont vécue, mais aussi en partie « inventée ».
L'exposition, où figurent plus de 350 oeuvres parmi les plus représentatives de la recherche artistique et de la culture du design en Italie au XXe siècle, se développe chronologiquement en quatre sections où sont définies les différentes périodes du propos philosophique, économique et esthétique qui a caractérisé le passé récent de l'art et du design italiens. Dans cette optique prennent forme les « philosophies » du design et les « esthétiques » qui, tout au long de cette période, ont trouvé dans ce pays une expression forte et dialectique et sont à la base d'un débat culturel très vivant sur l'art et le design.
«Gras et léger à la fois, inhérent à ce qu'il montre et déjà prêt à retomber en poudre, le pastel suscite notre allégresse, via ses couleurs, et notre empathie, à travers sa fragilité. Gai et friable, il offre à l'oeil cette sensation de fraîcheur que certains sorbets laissent à la langue, quand ils ressuscitent par miracle l'agrume qu'ils expriment : certains pigments semblent presque des essences de fruits mêlées de talc.» Claude Arnaud
Dans l'histoire du pastel, le XIXe siècle fut à la fois le temps de la restauration et de la révolution permanente. Double mouvement dont la collection du musée d'Orsay, riche de pièces célèbres et de feuilles à découvrir, est le meilleur observatoire. Millet, Manet, Degas, Redon, Lévy-Dhurmer, à travers plus d'une centaine d'oeuvres, cet ouvrage présente les plus beaux pastels de la collection.
Entre 1900 et 1940, l'Italie affiche un optimisme autant inouï que paradoxal et connaît une phase de créativité exceptionnelle alors qu'elle est au bord de la grande catastrophe qui va la précipiter dans les années les plus sombres de son histoire. Ebénistes, céramistes, maîtres verriers travaillent en collaboration avec les plus grands artistes. Des meubles excentriques de Carlo Bugatti jusqu'aux surprenantes chaises de Marcello Piacentini, en passant par les objets insensés des futuristes, une créativité joyeuse, une capacité d'invention sans limites traversent le pays.
De cette «dolce vita» naîtra un véritable style italien, précurseur du design.
Quelle frayeur peuvent provoquer manet et son tableau chez un peintre qui a déjà tout osé, tout brisé, tout reconstruit ? entre 1954 et 1962, picasso va interroger le tableau de manet à travers plus de cent cinquante dessins et tableaux.
Il reprend chacune des interrogations qu'a provoquées le déjeuner sur l'herbe lors de sa tumultueuse présentation au salon des refusés en 1863, pour apporter ses propres réponses aux questions du nu, du sujet, du plein air. les personnages réunis par manet sont rhabillés, déshabillés, fument, discourent, ils sont quatre, puis trois. pour finir en sculptures monumentales et être lâchés dans la nature du parc du moderna museet de stockholm.
Avec plus de cinquante reproductions, cet album retrace la relation profonde et complexe entre picasso et le chef-d'oeuvre de manet.
