Les toques et turbans de Rembrandt, les foulards d'Élisabeth Vigée Le Brun, George Sand en costume masculin, le pantalon de Rosa Bonheur, la robe de chambre de Balzac par Rodin, Marcel Duchamp en Rrose Sélavy, les Robes simultanées de Sonia Delaunay, la Robe serpent de Niki de Saint Phalle ou encore la perruque d'Andy Warhol... L'habit ferait-il l'artiste ? Dans une exploration inédite du vêtement d'artiste de la Renaissance à nos jours, cet ouvrage présente plus de deux cents oeuvres - peintures, sculptures mais aussi vêtements, créations de haute couture, photographies et performances - et livre une autre manière de tisser ensemble histoire de la mode et histoire de l'art.
Le parcours professionnel de la céramiste Karen Swami, diplômée de l'ESCP-EAP, passe par l'univers de la finance et de la production de films, mais avec un tour installé dans son bureau et un CAP de potier. Sa passion pour l'argile remonte à l'âge de cinq ans et ne l'a jamais quittée. Peu à peu, les pièces de taille ont envahi son espace et son temps, séduisant les collectionneurs et la propulsant sur le devant de la scène.
Toucher, tourner, lisser, inciser, incruster, le mouvement accompagne chaque étape de la fabrication. Dans les procédés de cuisson, la réduction ou à l'inverse l'oxydation d'air jouent leur rôle, transformant les glaçures et les teintes des pots ou jarres.
L'évidence, un jour, s'est imposée que la respiration nécessaire à l'oeuvre était son propre oxygène, son souffle, une ascèse primordiale. Karen Swami fait corps avec la terre qu'elle tourne et en laisse une trace irréfutable.
Enrichi d'un portrait de l'artiste par Laurence de Charette et du regard de l'historien d'art Olivier Gabet, cet ouvrage richement illustré met en scène ses grès chamottés, « terres enfumées » et « terres nues », kintzugi, bleu de cobalt, émail rouge, céladon ou encore « galuchats », autant de dynasties de formes, de manières et de couleurs qui ont imposé leur ligne.
Publié à l'occasion d'une grande exposition réunissant pour la première fois les collections du musée des Arts décoratifs de Paris et de la Fondation Dubuffet, cet ouvrage de référence porte son regard sur une figure majeure et singulière de l'art au 20e siècle, Jean Dubuffet.
Autour d'images d'archives et de reproductions d'oeuvres, il offre une découverte inédite du grand oeuvre de Jean Dubuffet.
Organisé en quatre sections (L'Homme du commun, Célébration de la matière, L'Hourloupe, Les dernières années), il apporte un éclairage sur des oeuvres majeures ou des périodes phares des deux collections.
Chaque section est introduite par un texte de Jean Dubuffet, suivie d'un récit de sa vie relatif à la période concernée et illustré de documents.
Catalogue de l'exposition présentée au musée des Arts décoratifs à Paris, ce livre propose une histoire du luxe en 80 oeuvres, de l'Antiquité égyptienne à nos jours et sur tous les continents.
Publié à l'occasion de l'exposition au Musée des Arts Décoratifs en 2017, ce catalogue offre une magnifique synthèse sur la plus emblématique des maisons de couture françaises, avec une richesse iconographique qui satisfera les lecteurs les plus avertis.
The French woodwork purveyor Féau & Cie has supplied architects, designers, and museums with period paneling since 1875. Featuring documents, drawings, plaster models, panels, and antique boiserie rooms, its archive of 25,000 pieces--many from the eighteenth century and Art Deco era--is an unrivaled source of inspiration for re-creating heirloom spaces as well as for constructing spectacular contemporary pieces. Though the house remains best known for its magical historic rooms, it has collaborated with architects and decorators on original projects since its beginnings, and today's design greats--including Michael S. Smith, Brian J. McCarthy, and Robert Couturier, among others-- regularly call upon the firm for elaborate projects.
In this first book of the firm's work, Féau & Cie reveals a selection of its most exceptional projects, from magnificent historical abodes to daring modern creations, including a palace in Tuscany and residences in Paris, London, New York, Malibu, and Atlanta. Dazzling images of finished interiors are accompanied by details of panels, doors, and decor, while exclusive photographs by lensman Robert Polidori explore the house's Parisian atelier. The unique savoir faire of joiners, sculptors, gilders, and painter-decorators shines through in this visual celebration of decorative masterpieces, which is bound to delight design masters and art lovers alike
A lavish celebration of twenty years of Dior Joaillerie showcasing the breathtaking creations of creative director Victoire de Castellane through an extravagant illustrated dictionary.
As creative director of Dior Joaillerie since its beginnings in 1998, Victoire de Castellane is renowned for her fearless approach to jewellery. Crossing the boundary between natural and artificial, her fantastical jewels are inspired by global pop culture, Christian Dior's life and work, and the floral world and embody a timeless, poetic style.
To fête twenty years of Victoire de Castellane's designs, this luxurious volume presents a dictionary of eighteen chapters, each introduced by a dazzling drop cap ornate with an original collage of drawings. From the first collections to the acclaimed Le Bal des Roses pieces and the celebrated floral gardens of Belladone Island, Dior Joaillerie's history is explored from its debut and up to the latest collection, Gem Dior, presented in Venice in June 2019 and exclusively shot for this publication. More than 300 images by renowned photographers such as Guido Mocafico and Erwan Frottin illustrate this original alphabetical journey. Through the dictionary entries penned by Olivier Gabet, director of the Musée des Arts décoratifs, readers uncover nonlinear, playful insights into the fascinating world of one of the world's foremost jewellery designers. Printed in Italy and with creative direction by Thomas Lenthal, this exquisite piece of bookmaking is a stunning homage to Victoire de Castellane's artistry and imagination.
As an ESCP-EAP business school graduate, Karen Swami has led a career that has taken her from the world of finance to film production, yet never without a potter's wheel at hand. Her passion for clay began at the age of 5 and never stopped. In parallel to her studies, she gained a certificate of professional competence. Increasingly larger pieces slowly invaded her space and her time, seducing art collectors and propelling her forward into the world of ceramic art.
To touch, to throw, to smooth, to incise, to encrust, each step requires a movement. In the firing processes, oxidation-reduction reactions play their role, altering glazes and nuancing colours of pots and jars. It has become clear to Karen Swami that the same way her work needs oxygen, she needs her work, a way of breathing, an asceticism she welcomes. At one with the clay, she leaves behind an irrefutable trace.
Along with a portrait of the artist by Laurence de Charette and the gaze of art historian Olivier Gabet, this richly illustrated book features her chamotte sandstone, «smoky» and «bare» clays, «kintzugi», cobalt blue, red enamel, eladon-green or even «galuchats», colours and shapes reminiscent of ancient dynasties that have made their way into her work.
De 1882 à 1942, Elie Fabius a été un antiquaire de premier plan, devenu au fil des années une figure respectée du monde de l'art, passionné par les souvenirs de Napoléon, les papiers de Lafayette, les objets d'art empreints d'une histoire, et les sculptures de Barye et de Carpeaux...
Redécouvrant et défendant un XIXe siècle alors encore largement méprisé, il a fait oeuvre de passeur, tissant des liens avec plusieurs générations d'amateurs, de Frédéric Masson au baron Gourgaud, de Léonce Rosenberg à Charles de Noailles, cultivant également des affinités avec le monde du théâtre, les Guitry en tête. Figure attachante, Elie Fabius devait aussi donner le jour à une saga bien française, qui épouse l'Histoire, grande et petite, de ce pays et en sédimente les goûts successifs.
A partir d'archives inédites, ce livre retrace un pan entier de l'histoire du marché de l'art parisien à son âge d'or, de la fin du XIXe siècle à la Seconde Guerre mondiale, et éclaire la vie et le travail de l'un des principaux protagonistes du monde des collectionneurs des années 1890-1940, fondateur de l'une des plus prestigieuses galeries de Paris. Son oeil de pionnier a su relever nombre d'oeuvres qui sont aujourd'hui en bonne place dans les musées, en France ou aux Etats-Unis.
Si le rôle joué par le dessin dans l'alchimie de la peinture n'est plus à démontrer, plus secrète est sa place dans le domaine des arts décoratifs. Cette dernière, pourtant, apparaît aussi essentielle dans le processus créatif que le choix de la technique, si important en ce xixe siècle d'une vitalité fantaisiste et d'une curiosité inlassable pour les oeuvres du passé et le spectacle de la nature. Particulièrement prisées pour les ornemanistes des XVIIe et XVIIIe siècles, les " feuilles " d'arts décoratifs sont à redécouvrir pour le XIXe siècle. Si l'on connaît les fonds des grandes manufactures et des grandes maisons, comme Sèvres, Baccarat, Chaumet ou Tiffany, les dessins épars restent plus rares, le destin ne les a sauvés qu'avec parcimonie de la destruction. Depuis sa création, le musée d'Orsay a eu à coeur d'en assembler une collection significative dont une sélection est présentée dans cet ouvrage, afin d'évoquer les créations des artistes les plus
emblématiques : Barye, Viollet-le-Duc, Lassus, Rudolphi, Fannière, Grandhomme, Bracquemond, Carrier-Belleuse, Zoegger, Bugatti, Gallé, Lalique ou Van de Velde.
Sous forme d'abécédaire, cet ouvrage présente vingt années de créations joaillières de V. de Castellane pour la maison Christian Dior. Ces bijoux évoquant des thèmes puisés dans la culture pop sont photographiés sur fond noir afin d'en faire ressortir les couleurs étincelantes et les formes surprenantes.
Comment le luxe a-t-il évolué entre hier et aujourd'hui ? Un parcours de l'histoire du luxe à travers 350 objets d'art et de mode, de joaillerie, de mobilier et de design du monde entier, permettant de découvrir comment les cultures et les civilisations ont façonné le concept de luxe, et le rôle prépondérant des femmes dans cette épopée millénaire.
Ce catalogue documente la première exposition exhaustive sur l'histoire du luxe dans le monde, de l'antiquité à nos jours, permettant d'explorer cette notion à travers la couture, la joaillerie, l'art visuel, le mobilier et le design, avec des chefs-d'oeuvre venus des collections d'institutions et de grandes marques internationales. Parmi les quelques 350 pièces majeures présentées figurent notamment la plus ancienne perle connue au monde ; le célèbre Trésor de Boscoreale, l'une des plus grandes collections de pièces d'argenterie datant de l'antiquité romaine ; des robes et des bijoux conçus par de grandes maisons telles que Cartier, Maison Van Cleef & Arpels, Chanel, Christian Dior, Elie Saab et Yves Saint Laurent, etc., offrant une rare occasion de découvrir et de mieux comprendre la fascination toujours renouvelée exercée par le luxe.
Sculpteurs inclassables, Claude et François-Xavier Lalanne sont connus pour avoir fait de la nature et des animaux le support de leurs créations. Le couple a toujours exposé ensemble, avec l'idée commune que la sculpture peut avoir une fonction. Souvent hybrides, les oeuvres qui peuplent leur univers étonnent, amusent, sont riches d'une poésie empreinte de surréalisme et guidée par le jeu des mots, des formes et des matières.
Claude (née en 1925) et François-Xavier (1927-2008) ont commencé à travailler ensemble en 1956. Dès leur première exposition, en 1964, le ton est donné : lui présente le Rhinocrétaire, rhinocéros bureau en laiton, et elle les Choupattes, mi-choux mi-animaux. Les oeuvres de François-Xavier convoquent un bestiaire hiératique qui s'inscrit dans la lignée des formes de l'Égypte antique, de Pompon ou encore de Brancusi qui fut son voisin d'atelier. Claude travaille quant à elle avec des techniques liées à l'empreinte, au moulage et à la galvanoplastie, dans un répertoire qui va de l'intime au baroque.
La nature, et plus particulièrement le monde animal, offre à tous deux une infinité de formes devenant meubles, objets de table ou bijoux : hippopotames, moutons, singes, ânes, chameaux, crapeaux, chats, mais aussi sardines ou mouches. Des moutons, seuls ou en troupeaux, sont sièges ou banquettes, un hippopotame s'ouvre pour devenir baignoire, un babouin se fait cheminée, des feuillages forment un trône. Des collectionneurs prestigieux comme les Rothschild, les Noailles ou Yves Saint Laurent leur sont fidèles.
Ce livre invite à entrer en images dans l'intimité des Lalanne. Une campagne photographique réalisée spécifiquement montre la mise en scène spectaculaire conçue par l'architecte Peter Marino pour l'exposition présentée aux Arts Décoratifs. Le texte replace leur travail dans l'histoire de la sculpture et des arts décoratifs, dans le droit fil d'une tradition française qui aime à associer ces deux approches, et que les Lalanne ont conduite à son apogée.
