Philharmonie De Paris

  • Musiquer : le sens de l'expérience musicale

    Christopher Small

    • Philharmonie de paris
    • 29 Mai 2019

    « La musique n'est pas du tout une chose, mais une activité », nous dit Christopher Small. S'il préfère utiliser le verbe « musiquer » plutôt que jouer ou écouter de la musique, c'est qu'il veut libérer l'analyse de l'expérience musicale de la tyrannie de l'oeuvre. Celle-ci est au service de la performance, non l'inverse. De la composition à l'écoute, à la danse ou au fredonnement solitaire, en passant par l'histoire, les institutions et les espaces de la vie musicale, Small part à la chasse de tout ce qui dote la musique de significations sans cesse renouvelées.
    Dans cet essai influent et polémique, dont les réflexions sont ancrées dans un parcours dédié tout entier à la pratique de la musique comme à sa transmission, l'auteur nous invite à explorer la multiplicité des relations vivantes que nous imaginons, réalisons et célébrons lorsque nous musiquons.

  • L'imagination africaine en musique

    Kofi Agawu

    • Philharmonie de paris
    • 5 Novembre 2020

    En l'explorant au prisme de cette singularité, Kofi Agawu dévoile ses structures participatives et communautaires, qui nourrissent l'imagination créative de ses compositeurs et interprètes. Déployée dans les rythmes, les mélodies, l'organisation formelle des sons, elle se décline jusque dans le corps de ses danseurs.
    Parce que la musique africaine a toujours protégé son essence sans jamais se refuser à l'accommodation, cet ouvrage nous engage à penser son unité, comme ses ramifications hors du continent : elles sont autant de réponses musicales aux évolutions sociales, identitaires et culturelles du monde contemporain.

  • Entretiens

    ,

    • Philharmonie de paris
    • 5 Octobre 2017

    Pierre Henry (1927-2017), pionnier des musiques électroniques, retrace l'ensemble de son oeuvre dans ces entretiens menés par Franck Mallet entre 1995 et 2016 : des objets sonores de son enfance à la naissance de la musique concrète dans le Paris d'après-guerre, des premiers opus au succès de Messe pour le temps présent, sans compter ses innombrables collaborations avec des chorégraphes, cinéastes, écrivains, plasticiens... Explorateur insatiable de nouvelles sensations musicales, oeuvrant nuit et jour sur ses consoles et dans le dédale de ses archives sonores pour faire vivre le son « éternellement », Pierre Henry laisse une marque indélébile dans l'histoire de la musique.

  • Anatomie de la folle lyrique

    Wayne Koestenbaum

    • Philharmonie de paris
    • 24 Janvier 2019

    Suis-je extérieur à l'opéra, un indésirable intrus ? Ma singularité queer déforme-t-elle les significations de ce monde majestueux ? Au centre de l'essai historique de Wayne Koestenbaum se déploie la voix de la folle lyrique, l'opera queen ; cet homosexuel fou d'opéra qui collectionne disques et coffrets, compile ses airs préférés, catalogue ses extases. Chez lui, l'adoration des divas provoque le vertige de l'identification : l'éblouissement, le renversement des rôles, la fuite et la lutte.

    Paru en 1993, ce livre constitue l'un des premiers et principaux jalons de l'association entre opéra et homosexualité. Il est représentatif de ce moment où, au coeur des années sida, un certain nombre d'intellectuels gays décidèrent de sortir du placard. Koestenbaum en recompose l'histoire à la manière d'une dissection anatomique et retrace ce qui se passe à l'intérieur - du corps, de l'écoute, des institutions et de l'imagination. Dans ces fragments se construit un présent politique où les « consciences restent inexorablement séparées » (Roland Barthes).

  • Du musicien en général... au violoncelliste en particulier

    Xavier Gagnepain

    • Philharmonie de paris
    • 14 Septembre 2017

    Que l'on se place du point de vue de celui qui a la charge d'enseigner comme de celui qui a le désir d'apprendre, il est difficile d'échapper à la question des dons pour la musique. Le sens du rythme, la perception de la justesse, l'aisance instrumentale, le sens du son..., autant de dons a priori nécessaires mais rarement cumulés. Personne ne nie qu'il est plus confortable de bâtir l'édifice sur des qualités existantes ; mais que faire quand certaines semblent manquer ?

    L'univers infini du temps musical s'explore peu à peu. Il serait dommage que l'interprète en reste à une vision primaire du rythme, se limitant à tenter de jouer en mesure. Dans son travail et sur la scène, le musicien est un véritable médiateur du temps. Tel l'égyptologue face à ses hiéroglyphes, il a une responsabilité majeure : il doit tenter de reconstituer, par sa compréhension de la partition, la vie rythmique intérieure du compositeur... qu'il lui faudra ensuite parvenir à transmettre au public.
    Le propos de l'auteur, étayé par l'étude spécifique de quelques exemples musicaux, n'a pas vocation à imposer, pour modèle, sa propre vision de l'interprétation. Tout au plus a-t-il tenté de contribuer à la réflexion de chacun face à un texte musical.
    Dans la pratique de la musique de chambre, le synchronisme et la fluidité reposent sur une vision commune du temps et de l'agogique. La qualité du discours musical en dépend. Certains interprètes s'appuient sur des intuitions rythmiques très pertinentes mais peinent à les expliquer à leurs partenaires, d'autres ressentent confusément un inconfort rythmique sans y trouver réponse. Peut-être auront-ils entrevu, dans la démarche proposée ici, un chemin vers leurs propres solutions ?
    À travers la diversité des langages, on identifie peu à peu des spécificités et des traits communs. L'étude d'une nouvelle oeuvre nous offre ainsi, à coup sûr, l'opportunité de résoudre de nouvelles équations. À terme, les solutions finissent par s'additionner pour constituer un véritable patrimoine.

  • L'enfant, le geste et le son

    Claire Noisette

    • Philharmonie de paris
    • 14 Septembre 2017

    Il s'agit ici de préparer les enfants à évoluer dans un monde culturel et artistique ouvert et créatif, tout en leur apportant les connaissances et les techniques de base qui faciliteront leur apprentissage musical ou chorégraphique. L'enseignant y trouve lui-même motif à enrichir et à approfondir en permanence sa pédagogie, à découvrir les liens profonds entre la musique et la danse.

    Cette édition actualisée présente quelques modifications concernant essentiellement la deuxième année d'initiation, modifications correspondant à une évolution notable du rôle de cette dernière. L'auteur a ainsi complété le chapitre des connaissances acquises en considérant les deux années comme un cursus à part entière, proposant à chaque élève les moyens d'aborder son éducation artistique avec plus d'autonomie et de capacité à effectuer des choix. Cette évolution permet d'envisager désormais le passage aux cursus de formation musicale générale, instrumentaux et chorégraphique, de façon sensiblement différente. La deuxième année d'initiation joue pleinement son rôle de transition : les élèves attendent les contenus de formation musicale et un certain nombre d'entre eux ont débuté une initiation instrumentale, signe de la confirmation de leur choix. Quant à l'entrée dans le cursus danse, le cours de formation musicale pour les danseurs établit le lien avec l'initiation.
    Depuis la première édition de cet ouvrage, plusieurs expériences ont été menées dans différents établissements, faisant souvent intervenir deux enseignants spécialisés - l'un en danse, l'autre en musique -, ce qui fut l'occasion, dans nombre de cas, de poursuivre la réflexion et la recherche sur les liens et complémentarités de ces deux disciplines.
    Le voeu de l'auteur est que cet ouvrage puisse contribuer au développement d'une organisation de l'enseignement artistique et d'une pratique pédagogique, qui ont maintenant fait leurs preuves.

  • Them or us

    Frank Zappa

    • Philharmonie de paris
    • 20 Septembre 2018

    Ce petit livre assez kitsch que j'ai confectionné moi-même a été pensé pour le divertissement de tous ceux qui aiment déjà la musique de Frank Zappa. Il ne s'adresse donc pas aux intellectuels et autres cerveaux morts.
    Il a pour objet d'apporter une réponse à une des questions les plus déconcertantes que soulève la continuité conceptuelle : « Comment toutes ces choses qui n'ont absolument rien en commun peuvent-elles s'articuler les unes avec les autres jusqu'à former une vaste absurdité ? » Ceci est un livre d'histoires, pas une biographie de rock'n roll. Il s'agit du seul livre véritable et officiel de Frank Zappa. Tous les autres ouvrages qui tentent d'exploiter mon nom à des fins commerciales ne sont pas autorisés et regorgent de fausses informations.
    Ce livre contient des propos dont une société véritablement libre n'aurait absolument rien à craindre et qu'elle n'aurait aucune raison de vouloir interdire.

  • La symphonie fantastique ; enquête autour d'une idée fixe

    Claude Abromont

    • Philharmonie de paris
    • 14 Avril 2016

    A la manière d'une enquête policière, Claude Abromont multiplie et combine les angles d'approche autour de l'oeuvre musicale sans doute la plus singulière du romantisme : la Symphonie fantastique d'Hector Berlioz. Quel fil conducteur dissimule-t-elle ? Qui est cette bien-aimée que le compositeur représente à travers le thème musical qu'il nomme l'" idée fixe " ? Quel était au fond le secret de Berlioz ? Cette monographie y répond sous tous les aspects de l'oeuvre (contexte biographique, références littéraires, originalités stylistiques, trouvailles orchestrales, etc.), ainsi qu'en abordant des rivages inexplorés, tels la simulation de l'absorption du son par des tapisseries ou la tentative improbable d'une forme sonate féministe.
    Enfin, avec cet ouvrage de référence sur le projet berliozien, Claude Abromont propose une vision renouvelée de la " musique à programme ", qui, en l'absence de paroles, communique un sens à l'auditeur par les seuls moyens expressifs de la musique instrumentale.

  • écouter en découvreur

    Karlheinz Stockhausen

    • Philharmonie de paris
    • 28 Janvier 2016

    Le compositeur Karlheinz Stockhausen (1928-2007) a fait preuve d'une créativité sans égale au XXe siècle et d'une incroyable productivité : 375 oeuvres au total, dont le cycle Licht et ses 29 heures de musique est l'aboutissement monumental. Stockhausen a tracé des sillons dans lesquels les générations ultérieures se sont inscrites, par-delà les frontières esthétiques, de la musique contemporaine aux musiques populaires et électroniques, comme en témoignait dès 1967 sa présence sur la couverture de l'album Sergent Pepper's Lonely Hearts Club Band des Beatles.
    Ce que l'on sait moins, c'est que cet artiste caméléon, inventeur de langages musicaux inouïs, dramaturge et metteur en scène d'une oeuvre proprement sidérale fut également un " auteur " d'une éloquence comparable à celle des grands compositeurs du XIXe siècle, Berlioz et Wagner en tête. Ses écrits, dont les textes phares sont ici regroupés et traduits pour la première fois en français, sélectionnés à partir d'un corpus de plusieurs milliers de pages, permettent de mettre en perspective une trajectoire artistique hors-norme.
    Essais théoriques, textes manifestes, entretiens, analyses et correspondance inédite composent cet ouvrage fondamental pour l'histoire de la musique et des arts du XXe siècle.

  • Mp3 ; économie politique de la compression

    Jonathan Sterne

    • Philharmonie de paris
    • 14 Juin 2018

    Après le succès de son Histoire de la modernité sonore, Jonathan Sterne nous propose une histoire culturelle du MP3, ce format numérique à la fois banal et omniprésent depuis le début des années 2000. Pour analyser son fonctionnement, mais aussi son efficacité et sa popularité aujourd'hui, le théoricien des sound studies débute son enquête en remontant le temps : à la généalogie des formats qui l'ont précédé, depuis le début du XXe siècle, succède une approche critique du « codage de la perception » que mettent en oeuvre les algorithmes qui accompagnent désormais quotidiennement notre écoute musicale. Il montre ainsi que notre propre écoute est encodée dans les principes mêmes du format, et que, pour ainsi dire, le MP3 lui-même nous « écoute » ! S'agit-il d'un bon format ? Sa qualité est-elle acceptable ? Le CD n'était-il pas meilleur, voire le disque vinyle ? Ces questions récurrentes sont contournées par Jonathan Sterne, qui, dans la lignée de ses travaux sur les limites de la « haute fidélité », nous montre que c'est à mi-chemin entre les usages et les idéologies de l'écoute que se trame notre culture sonore.

  • Le chant de la dissolution

    Laurent Feneyrou

    • Philharmonie de paris
    • 6 Septembre 2018

    La tragédie, dans son sens étymologique, représente un conflit : celui de la mythologie et de l'histoire, du divin et de l'humain, de la transcendance et de l'immanence, dont elle exprime la division, la séparation, l'essentiel discord. Dans un monde sans dieux tutélaires, les hommes portent leurs ombres comme ils portent leur feu - jusqu'à la catastrophe, la mort, la blessure ouverte ou l'enfermement.
    Cinq oeuvres majeures (Maderna, Nono, Barraqué, Feldman et Zimmermann) de la seconde moitié du xxe siècle abritent cette tonalité affective, tragique, dans leurs espaces sonores spécifiques. Ce sont des chemins, dont l'expérience seule est dépositaire d'une beauté et d'une fragilité troublantes. Abandonnés à l'écoute, ils livrent leurs strates, poétiques, musicales, littéraires, philosophiques ou existentielles, mais aussi leurs inachèvements, leurs accumulations ou leurs patientes mutations. Composées après la guerre, les camps, les bombes, les désagrégations politique et identitaire, ces oeuvres chantent l'abîme de la dissolution.

  • Paroles sans musique

    Philip Glass

    • Philharmonie de paris
    • 23 Février 2017

    Philip Glass est doté d'une oreille extraordinairement réceptive aux nuances des mondes qu'il a traversés, comme aux évolutions musicales de son temps. Dans ce récit de vie à la première personne, les lieux marquent les souvenirs et font émerger des sonorités : le magasin de disques de son père à Baltimore, les clubs de be-bop à Chicago, la scène expérimentale à New York, les exercices d'« écoute » de Nadia Boulanger à Paris, l'intensité rythmique des concerts de Ravi Shankar... Sa formation musicale, la fréquentation d'artistes majeurs, mais aussi ses voyages, qui sont autant d'incursions dans les musiques indienne, himalayenne, africaine, sud-américaine, lui permettent d'inventer les outils nécessaires à la composition et font de lui un praticien hors du commun.

  • L'impression que l'instrument chante ; entretiens

    Christophe Rousset

    • Philharmonie de paris
    • 30 Mars 2017

    Ce livre d'entretiens avec le musicien Christophe Rousset, réalisés par Camille De Rijck, propose d'aborder les grands thèmes qui préoccupent un chef d'orchestre, témoin (depuis plus de vingt-cinq ans) des tribulations du monde de la musique ancienne. Sa pratique, son enseignement, les turpitudes du métier, le voisinage des metteurs en scène, la transmission, la facture instrumentale, l'économie subtile d'un ensemble baroque, la direction des Talens Lyriques et - plus essentiellement - la fréquentation de Mozart, de Couperin, de Monteverdi et de Bach.

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