Livres en VO

  • Les Éditions Skira, la Fondation Giacometti et le Grimaldi Forum vous présentent Alberto Giacometti Le Réel Merveilleux, ouvrage réalisé à l'occasion de la rétrospective dédiée à Alberto Giacometti du 3 juillet au 29 août 2021 au Grimaldi Forum de Monaco. Catalogue accompagnant la plus riche rétrospective de l'oeuvre d'Alberto Giacometti de ces dernières années, cet ouvrage permet de remettre en perspective l'évolution esthétique de l'artiste en présentant des oeuvres issues de toutes les périodes de sa carrière - oeuvres de jeunesse, période surréaliste, retour à la figuration, travail d'après modèle, oeuvres emblématiques de l'Après-guerre. Découvrez toutes les facettes de l'un des artistes les plus importants du XXe siècle, grâce à la présentation et l'analyse d'oeuvres souvent méconnues du public. Plâtres, bronzes, peintures, dessins et estampes, plongez dans l'univers de l'artiste désirant capter l'essence des contours du corps de l'être humain, vacillant entre fragilité et grandeur.

  • Ces photographies de la Fondation Louis Vuitton à Paris sont saisies d'une façon à la fois artistique et urbanistique. Édition bilingue (Français / Anglais)

  • Cet ouvrge présente un catalogue du travail de Charlotte Perriand (1903 -1999), architecte et designer française, que l'on découvre objet par objet. Ses chaises, ses tables, ses bibliothèques, etc., dans leurs différentes itérations et formes, sont vues à la fois de près et « à la maison » comme faisant partie de l'espace de vie des collectionneurs.
    Des essais permettent de mieux apréhender l'oeuvre de Perriand et de retracer sa vie et sa collaboration avec d'autres grands artistes, designers et architectes de son temps, tels que Le Corbusier et Jean Prouvé. De plus, des citations de l'artiste et des collectionneurs qui vivent avec ses créations ponctuent le livre.
    Son travail visait à créer des espaces de vie fonctionnels en croyant qu'un meilleur design contribue à créer une société meilleure. Dans son article « L'Art de Vivre » de 1981, elle déclare : « L'extension de l'art d'habiter est l'art de vivre - vivre en harmonie avec les pulsions les plus profondes de l'homme et avec son environnement adopté ou fabriqué ».
    Perriand est bien connue pour la façon ludique dont elle a mélangé et superposé les matériaux et les styles dans la plupart des meubles qu'elle a créés durant sa carrière.
    Néanmoins, l'une des influences les plus essentielles sur l'ensemble de son travail a été l'artisanat japonais qui n'a cessé de l'inspirer.

  • Deux maîtres en dialogue.
    Alexander Calder (1898-1976) et Pablo Picasso (1881-1973) ont renouvelé notre façon de percevoir. En explorant des thèmes figuratifs comme abstraits, le catalogue d'exposition Calder-Picasso étudiera l'expression du « vide-espace » dans les oeuvres de ces deux artistes, dans leurs résonances et leurs différences. L'ouvrage s'appuiera sur les traces tangibles d'une relation entre les deux hommes, leurs points communs, leurs rencontres, leurs collaborations artistiques et les confrontations de leurs oeuvres ; ces éléments seront sous-jacents au fil de l'exposition, qui proposera une lecture synthétique et métaphorique de l'oeuvre des deux créateurs fondée sur le tracé du vide comme matrice.
    S'inscrivant dans la modernité au xxe siècle, Calder et Picasso placent au coeur de leur pratique l'expérience directe et personnelle du spectateur, en lui donnant accès à des perspectives obscures voire illusoires. Le catalogue est conçu comme une somme scientifique rassemblant les connaissances sur les relations entre les deux artistes et la lecture de leurs oeuvres respectives à travers le vide comme prisme à l'analyse des tensions conceptuelles et formelles sur lesquelles repose la création de ces deux artistes majeurs du xxe siècle.

  • Ce catalogue d'exposition atypique est destiné à un public de 6 à 12 ans. Il présente une brève histoire de l'art sous la forme d'enquêtes ludiques et pédagogiques au sein des ateliers des principaux artistes de la fin du xixe siècle et du xxe siècle.
    Le travail de recherche et de reconstitution des ateliers mené par l'artiste Damian Elwes est présenté au jeune public comme une série d'investigations, réalisées par le personnage de Détective Damian que l'on suit tout au long de l'ouvrage.
    En plus des reproductions des oeuvres de Damian Elwes, chaque nouvel atelier sera accompagné d'une anecdote relatant sa découverte, de quelques lignes présentant l'artiste en question et d'un jeu d'observation visant à engager le lecteur dans une expérience active.

  • Anglais The araki effect

    Nobuyoshi Araki

    • Skira
    • 19 Février 2020

    The Araki Effect a été publié à l'occasion de l'exposition éponyme ayant eu lieu à Sienne, en Italie, dans le complexe muséal de Santa Maria della Scala en 2019. Le catalogue offre un large aperçu de la carrière du photographe japonais, de la première série dans les années 1960 aux travaux plus récents tels que Araki's Paradise de 2019.

  • Une intensité créatrice John Andrew Perello, dit JonOne, est un graffeur et artiste peintre américain, né en 1963 à New York de parents dominicains.
    King new yorkais, premier graffeur à débarquer à Paris et désormais artiste international, JonOne est aujourd'hui célébré pour son oeuvre, ainsi que la puissance de ses envolées abstraites.
    Il essaime depuis près de quatre décennies une création hybride, urbaine, teintée de réminiscences dominicaines, de free jazz, de trap music, de Pop Art américain, de boxe. Son travail se nourrit de ses nombreux voyages.
    Pour voir et comprendre JonOne, ses innombrables vies et retournements, les oeuvres les plus intenses de ses dernières séries ont été sélectionnées dans ce livre. Des créations à expérimenter pleine-page, des embardées brutes.
    /> Il est à ce jour le plus important expressionniste abstrait en activité, issu du monde du graffiti où la couleur joue un role primordial.
    L'ouvrage présente aussi un interview de l'artiste sur son parcours.

  • Une grâce intemporelle.
    Pour sa prochaine exposition, le musée Guimet a invité le photographe autodidacte franco-vietnamien Jean-Baptiste Huynh a exposer au sein de l'institution.
    L'esthétique épurée et intemporelle de ce lauréat de la Villa Médicis lui permet de décliner son oeuvre à travers des sujets et thématiques variés : le portrait, le nu, l'univers minéral ou végétal ou les oeuvres d'art emblématiques.
    Le catalogue invite à un parcours personnel à travers l'Asie, les collections du musée et l'image de la femme. Il explore les thèmes du regard, de la lumière, du reflet, de l'image de soi et de la relation à l'infini.

  • This book presents the legendary jewelry and precious objects of Van Cleef & Arpels, and how they relate to time, nature and love. Time is a fundamental element for both creativity and craftsmanship. Time gives objects their shape; defines their style; determines their function, social utility, and the choice of materials and techniques; indicates origin; hones taste; and reveals context. Time is interpreted through ten concepts, some of which are inspired by Italo Calvino's Lezioni Americane, or Six Memos for the Next Millennium, to honor the iconic pieces created by Van Cleef & Arpels over the years, from Art Deco masterpieces to the illustrious Zip necklace, gravity-defying Mystery Set technique or celebrated Minaudières-some of the most important innovations in the history of 20th century jewelry-making.

    Nature plays an equally important role for Van Cleef & Arpels as an ever-present source of inspiration, embodied in unique gems and timeless jewels drawing on flora and fauna. Van Cleef & Arpels is founded on love, the most powerful energy in the world. Each object is handcrafted with love, and Van Cleef & Arpels jewelry has sealed some of the century's most legendary love stories.

    In a brilliant historical and critical essay, illuminated by a stunning iconographic selection of jewelry, precious objects and archive materials, this work describes the Maison's eternal values.

  • Peintre amoureux de la couleur, Paul Signac connut une carrière artistique aussi intense que variée. Composé à partir d'une des plus grandes collections privées d'oeuvres de l'artiste, cet ouvrage illustre son parcours créatif, depuis les premiers tableaux impressionnistes jusqu'aux dernières aquarelles de la série des Ports de France, en passant par les années héroïques du néoimpressionnisme, l'éblouissement tropézien, les images flamboyantes de Venise, Rotterdam ou Constantinople.
    La virtuosité du maître néo-impressionniste se traduit également dans les techniques les plus diverses. La fougue impressionniste des études peintes sur le motif s'oppose aux polychromies sereines des tableaux divisés, le japonisme audacieux des aquarelles contraste avec la liberté des feuilles peintes en plein air.
    Quant aux grands lavis préparatoires dessinés à l'encre de Chine, ils nous livrent les secrets de compositions sereines, longuement méditées à l'atelier.
    A travers une sélection de plus de 140 oeuvres, ce catalogue offre une initiation aux harmonies chromatiques de Signac, doublée d'une invitation au voyage.

  • Daniel Dezeuze, né en 1942, est un artiste français et membre fondateur du groupe Supports-Surfaces. Composé entre autres de Claude Viallat, Louis Cane, André-Pierre Arnal, Vincent Bioulès, Jean-Pierre Pincemin et Bernard Pagès, ce groupe s'est formé en 1966 dans le but de déconstruire la peinture, afin de réexaminer son histoire et de remettre en question sa nature.
    La couleur était une question fondamentale dans nombre de leurs oeuvres, tout comme l'utilisation de matériaux nontraditionnels.
    Le travail de Dezeuze a beaucoup varié au fil des années tant en termes de technique que de ton, depuis les austères échelles en bois souple des années 1970, jusqu'à la légèreté éthérée de ses oeuvres en gaze ou à la gaieté colorée de ses Peintures qui perlent.
    Il existe deux principales directions dans son oeuvre, comme dans ses dessins : la première est la déconstruction de la peinture et de ses commposantes et la seconde est la création de séries d'objets, évoquant des activités récurrentes de l'humanité. À cela s'ajoute, dans ses dessins, la représentation sensible de la nature dans des séries tels que La Vie Amoureuse des Plantes ou les Papillons.

  • Evelyne Axell

    Collectif

    Ce livre s'adresse aux enseignants chargés de cours consacrés à l'écriture de recherche. Articulant théorie(s) et pratique(s), combinant aussi les pôles compréhension et production, il propose des pistes de réflexion et d'applications très concrètes organisées autour de questions épistémologiques et linguistiques liées à ce genre de discours. Le propos s'inscrit dans le champ des littéracies universitaires qui prônent la contextualisation et la continuité des apprentissages. L'objectif est de permettre aux utilisateurs de cet ouvrage d'y puiser des concepts mais aussi des idées et des exemples d'exercices à adapter en fonction des spécificités de leurs publics (de la première année de l'enseignement supérieur à la formation doctorale). Deux approches sont privilégiées ici. La première développe une dimension réflexive liée au genre et à de grands thèmes concernant l'écriture de recherche. La seconde approche se centre quant à elle sur des caractéristiques discursives, linguistiques et textuelles. Si chacune des parties peut se suffire à elle-même, l'une peut être articulée à l'autre, de manière à construire des cadres didactiques appropriés à des contextes précis d'apprentissage.

  • Abderrahim Yamou

    Michel Gauthier

    • Skira
    • 12 Novembre 2014

    The flower and plant utopia of Abderrahim Yamou, a Moroccan artist of international renown born in Casablanca in 1959, who divides his time between Paris and Marrakech. This volume, through over 200 works, represents the primary themes and issues addressed by Abderrahim Yamou: his skillful handling of chromatic values, scale, shadow, light, reflections, solid colors, nuances, and transparencies that weave an imaginary floral world that may be related to the Saharan dream of the garden.

  • Anglais Edward weston

    Filippo Maggia

    • Skira
    • 30 Janvier 2013

    Entre ses portraits, paysages, natures mortes et ses célèbres nus, cette rétrospective présente les images iconiques du photographe américain du début du 20e siècle.

  • Ce catalogue, compagnon de l'exposition présentée par l'Ambassade d'Italie à Paris, met en avant l'un des chefs-d'oeuvre du maître, la Tête de femme dite La Scapigliata, fascinant visage de femme à la chevelure libre et en mouvement conservé à la Galerie Nationale de Parme.

    Ce tableau extraordinaire est entouré d'autres oeuvres majeures réalisées par des élèves du maître, en lien avec les chefs-d'oeuvre apportés en France par Léonard (y compris des tableaux de ses plus fidèles collaborateurs qui le suivirent dans son voyage, comme Francesco Melzi, ou qui le rejoignirent en France, comme Gian Giacomo Caprotti, dit le Salaì).

  • Première rétrospective en France.
    Ce catalogue accompagnera la première rétrospective de Subodh Gupta en France, prévue à la Monnaie de Paris en avril 2018. Pour cet événement, plusieurs pièces emblématiques de l'artiste, telles que Doot, Very Hungry God ou Faith Matters, seront rassemblées afin de retracer sa carrière depuis les origines de son travail dans les années 1990, jusqu'à ses dernières expérimentations laissant une large place à la vidéo. Ces oeuvres proviennent de collections publiques et privées, et une version de Specimen No. est spécialement conçue pour la Cour de la Monnaie de Paris.
    Caractérisé par l'utilisation d'objets trouvés et d'ustensiles issus de la vie quotidienne, le travail de Subodh Gupta touche à des thématiques universelles : opposition entre la vie rurale et la vie urbaine, entre le savoir-faire et l'industrialisation, la pièce unique et le produit de masse, la personnel et le monumental.
    Le catalogue proposera des essais de fond rédigés par des critiques d'art reconnus, spécialistes de l'oeuvre de Subodh Gupta, pour aider le lecteur à mieux appréhender le travail de cet artiste contemporain majeur, encore trop peu connu en France.

  • Un critique unique.
    Ce catalogue est constitué comme un hommage à Michel Tapié, considéré comme l'un des plus importants critiques d'art du siècle dernier. Il se compose autour de trois grands essais qui étudient l'influence exercée par Michel Tapié sur le paysage artistique de son époque et qui ont été rédigés par diverses personnalités du monde de l'art, notamment le directeur du Comité Georges Mathieu.
    Ces essais introduisent un corpus d'une douzaine d'oeuvres provenant d'artistes majeurs de cette période, qui ont tous bénéficié du soutien du critique au cours de leur carrière. Pierre Soulages, Henri Michaux, Jean Dubuffet, Hans Hartung, Jean Fautrier, ainsi que d'autres, se retrouvent ici pour témoigner de la justesse de ce "grand oeil" et de l'importance que celui-ci aura eu sur le marché de l'art contemporain.

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