Taschen

  • Basquiat

    Leonhard Emmerling

    Des rues de New York aux murs des galeries les plus en vue, suivez la carrière fulgurante, prolifique et politique de Jean-Michel Basquiat, figure culte de la critique sociale artistique. Cette introduction dévoile comment le jeune pionnier a puisé son inspiration dans des sources aussi variées que l'art grec, romain et africain, ou que la poésie française et le jazz, pour créer des images viscérales mêlant mots et couleurs vives.

  • Bacon

    Luigi Ficacci

    Largement autodidacte en tant qu'artiste, Francis Bacon (1909 1992) développa une capacité unique à transformer l'intériorité et les élans inconscients en formes figuratives dans des compositions intenses et confinées.

    Parvenu à une notoriété certaine après la Seconde Guerre mondiale, Bacon prit le corps humain comme sujet de prédilection, mais un sujet ravagé, déformé et démembré, traversé par des émotions intenses sous lesquelles il se tord et gémit de douleur. Ces membres qui fouettent l'air désespérément, ces vides béants et ces excroissances tumorales forment des portraits poignants, souvent grotesques qui sont autant des réflexions sur les épreuves et les traumatismes de la condition humaine que des études de caractère. Ces formes envoûtantes et terrifiantes furent aussi parmi les premières de l'histoire de l'art à représenter des thèmes ouvertement homosexuels.

    Ce livre est une introduction à l'oeuvre érotique, déstabilisant et inoubliable de Bacon, un corpus transformateur souvent imité, beaucoup analysé, mais surtout ressenti.

  • Kahlo

    Andréa Kettenmann

    Les toiles captivantes de Frida Kahlo (1907-54) étaient à bien des égards l'expression d'un traumatisme. Très grave accident de la route à 18 ans, santé fragile, mariage houleux, fausse couche et absence d'enfant, elle transforma toutes ses souffrances en art révolutionnaire.

    Dans ses autoportraits fidèles ou métaphoriques, Kahlo pose sur le spectateur un regard brûlant d'audace, elle rejette son destin de victime passive et préfère entrelacer les expressions de son expérience pour façonner un lexique vital hybride où se mêlent réel et surréel: cheveux, racines, veines, tendons et trompes utérines. Nombre de ses oeuvres explorent aussi les idéaux politiques communistes qu'elle partage avec Rivera. Elle décrivit ses toiles comme « la chose la plus sincère et la plus réelle que je pouvais faire pour exprimer ce que je ressentais à l'intérieur et à l'extérieur de moi-même ».

    Ce livre présente l'oeuvre foisonnante de Frida Kahlo et explore sa détermination sans faille en tant que peintre, icône féministe et pionnière de la culture latino-américaine.

  • Schiele

    Reinhard Steiner

    Par son style graphique, ses figurations distordues et son mépris pour les canons conventionnels de la beauté, Egon Schiele (1890-1918) a été un pionnier de l'expressionnisme autrichien et un des peintres de portrait les plus surprenants du 20 e siècle.

    Avec Gustav Klimt pour mentor, Schiele s'est d'abord essayé à un style Art Nouveau étincelant avant de développer sa propre esthétique agressive, sans concession, faite de lignes acérées, de nuances intenses et de silhouettes expressives et distordues. Ses très nombreux portraits et autoportraits ont frappé l'establishment viennois par leur intensité psychologique et sexuelle sans précédent, privilégiant les poses érotiques, crues ou troublantes où ses modèles, tantôt squelettiques et maladifs, tantôt forts et sensuels, sont recroquevillés sur le sol, se languissent, les jambes écartées, lancent un regard noir au spectateur ou exhibent leur sexe au premier plan.

    Nombreux sont ses contemporains à avoir trouvé l'oeuvre de Schiele laide et immorale, ce qui a valu à l'artiste un court séjour en prison pour obscénité, en 1912. Aujourd'hui, on célèbre son oeuvre pour son approche révolutionnaire du corps humain et son talent pour le dessin, d'une intensité qui touche presque à la folie. Ce livre met en avant des oeuvres clé de Schiele pour présenter sa carrière aussi fascinante que fulgurante et sa profonde contribution au développement de l'art moderne qui touche encore des talents d'aujourd'hui, comme Tracey Emin ou Jenny Saville.

  • Gaudi

    Peter Gössel

    Qu'on admire l'imposante Sagrada Família, la façade scintillante et texturée de la Casa Batlló ou les paysages enchanteurs du Parc Güell, on comprend aisément qu'Antoni Gaudí (1852-1926) soit nommé l'« architecte de Dieu ». Avec ses formes fluides et sa précision mathématique, son oeuvre exalte le miracle de la création naturelle : des colonnes se dressent comme des troncs d'arbre, les cadres des fenêtres ondulent comme des branches chargées de bourgeons et les carreaux de céramique scintillent comme une peau écailleuse, reptilienne.

    Riche de l'attention exceptionnelle apportée aux détails naturels, l'inspiration qu'il puisa à la fois dans le style néo-gothique et dans l'esthétique orientaliste, et son engagement de longue haleine pour l'identité catalane, Gaudí représente un courant unique du mouvement Modernista qui transforma et définit encore le paysage urbain de Barcelone.

    Cet ouvrage explore l'extraordinaire vision et l'héritage unique de Gaudí, dont sept bâtiments sont inscrits au patrimoine mondial de l'humanité établi par l'UNESCO, à travers son influence et les détails qui font que ces édifices sont encore aujourd'hui, un siècle après leur création, sources d'admiration, de respect et d'inspiration.

  • Hopper

    Rolf Gûnter Renner

    La vie d'Edward Hopper (1882-1967) ressemble un peu à une success story à l'américaine, sauf que son succès s'est fait attendre. À l'âge de 40 ans, l'artiste peu connu luttait pour vendre le moindre tableau. À près de 80 ans, il a fait la couverture du magazine Time. Aujourd'hui, un demi-siècle après sa mort, Hopper est considéré comme un géant de l'expression moderne, au sens de l'espace et de l'atmosphère tout à fait singulier, à la fois inoubliable et troublant.

    Une grande partie de l'oeuvre d'Hopper met au jour l'expérience de la ville moderne. Toile après toile, il a représenté diners, cafés, vitrines, stations service, gares, chambres d'hôtel et lumières de la ville. Ses tableaux sont marqués par des juxtapositions de couleurs vives et un éclairage théâtral et cru, ainsi que des silhouettes très marquées qui semblent aussi intégrées qu'étrangères à leur environnement. L'atmosphère qui se dégage de cet univers est un mélange de trouble étrange, d'aliénation, de solitude et de tension psychologique, même si les scènes rurales ou côtières de l'artiste peuvent offrir un contrepoint de tranquillité ou d'optimisme.

    Ce livre présente des oeuvres clés de Hopper pour mettre en valeur un acteur essentiel, non seulement de l'histoire de l'art américain, mais aussi de la psyché américaine.

  • Bosch

    Walter Bosing

    Visions méticuleuses du grotesque, de la débauche et du divin par Jérôme Bosch Aussi cryptiques qu'ils sont fascinants, les chefs-d'oeuvre de Jérôme Bosch (vers 1450-1516) restent parmi les énigmes les plus persistantes du monde de l'art. Leur contenu complexe, allégorique et souvent saisissant captive toujours non seulement les historiens d'art, mais aussi les créateurs de mode, les stars du rock, les écrivains et les punks, ainsi que d'innombrables artistes modernes et contemporains.

    Bien qu'enraciné dans la tradition des vieux Pays-Bas, Bosch développa un style résolument subjectif et richement suggestif pour rendre à la fois la béatitude céleste du paradis et les tortures d'un enfer grotesque, notamment dans son célébrissime Jardin des délices, exécuté avec tant de méticulosité. Ici, comme dans ses autres oeuvres les plus connues, il combine pieuse humilité et esprit acéré pour former un langage artistique unique, où se jouent des interprétations picturales de proverbes ou d'expressions de son époque.

    Ce livre lie ensemble les fils insaisissables de l'oeuvre de Bosch pour établir une introduction concise à un monde aussi envoûtant que captivant.

  • Hiroshige

    Adèle Schlombs

    Utagawa Hiroshige (1797-1858) fut l'un des derniers artistes majeurs de la tradition de l'ukiyo-e. Signifiant littéralement «images du monde flottant», l'ukiyo-e était un genre particulier de gravure sur bois, florissant entre les XVIIe etXIXe siècles. Elles représentaient aussi bien les lumières éclatantes et les attractions d'Edo (l'actuel Tokyo) que des paysages naturels spectaculaires.

    Les estampes d'Hiroshige sont devenues emblématiques de la vague de japonisme qui déferla sur l'Europe, définissant la représentation que l'Occident se faisait du Japon. Parce qu'elles pouvaient être reproduites à grande échelle, les ukiyo-e servaient souvent de motifs pour orner les éventails, les cartes de voeux ou les illustrations de livres. Elles ont influencé les impressionnistes, les post-impressionnistes et les artistes de l'Art nouveau, ainsi que Vincent van Gogh et James McNeill Whistler, tous deux particulièrement inspirés par les paysages d'Hiroshige.

    Cette introduction offre des images clés tirées de la production haute en couleurs d'Hiroshige, avec ses cerisiers en fleurs, ses belles femmes, ses acteurs de kabuki et ses rues commerçantes pleines de vie, pour vous présenter une des grandes figures de l'histoire de l'art asiatique.

  • Léonard

    Frank Zöllner

    Léonard de Vinci (1452-1519), qui remplit d'innombrables cahiers de croquis, d'inventions et de théories, n'est pas seulement un dessinateur des plus exceptionnels dans l'histoire de l'art, mais aussi un génie et un pionnier qui anticipa certaines des plus grandes découvertes de l'histoire humaine du progrès, parfois plusieurs siècles avant leur réalisation concrète.

    Des plus petites artères du coeur humain aux vastes constellations de l'univers, de Vinci voyait la nature et la science comme explicitement connectées. Ses interrogations, ses recherches et ses inventions couvrent la philosophie, l'anatomie, la géologie et les mathématiques, allant des lois de l'optique, de la gravitation, de la chaleur et de la lumière à la construction d'une machine volante.

    Par sa peinture, le maître tira l'art du Moyen Âge avec des oeuvres comme La Cène et la mondialement célèbre Joconde, en ne représentant pas que l'apparence physique, mais aussi une profondeur et une intrigue psychologique puissante qui touchent toujours les foules de visiteurs fascinés qui viennent voir ses chefs-'oeuvre à Paris, Milan, Washington, Londres ou Rome.

    Ce livre réunit certaines des oeuvres les plus remarquables de Léonard de Vinci pour donner à voir un personnage doté d'une curiosité infinie, d'une imagination fébrile et d'un talent artistique sublime, souvent décrit comme n'ayant pas eu « assez de mondes à conquérir et pas assez de vies à vivre » (Alan Woods).

  • Bruegel

    Rose-Marie Hagen

    Le grand maître flamand Pieter Bruegel l'Ancien (v. 1526/31 1569) fut un peintre et un dessinateur extraordinairement inventif, qui fit entrer son oeuvre dans l'histoire avec des paysages magnifiques et évocateurs ainsi que des sujets religieux, toujours remarquables par leur esprit vernaculaire et l'attention prêtée à la vie quotidienne de son époque.

    Il se plongea dans les communautés rurales ou villageoises afin d'en peindre la vie quotidienne des paysans et leurs coutumes, ce qui lui valut le surnom de « Bruegel le Paysan ». Qu'il s'agisse des chasseurs grelottant dans la neige ou d'un turbulent comice, Bruegel éleva les travaux agricoles, les fêtes, les jeux et les rassemblements de la culture paysanne au rang de grand art. Dans le même temps, son traitement de sujets religieux et moraux comme Le Triomphe de la mort ou La Tour de Babel impressionnent autant aujourd'hui qu'au XVIe siècle, et ont inspiré la culture contemporaine, des scènes de batailles spectaculaires du Seigneur des Anneaux au roman de Don DeLillo, Outremonde.

    De la récolte du maïs à la conversion de Saül, des pittoresques cortèges nuptiaux à la montée au Calvaire du Christ, ce livre rassemble la riche palette thématique de Bruegel et met en lumière ses compositions magistrales de thèmes terriens ou bibliques.

  • Van Gogh

    Ingo F. Walther

    Aujourd'hui, les oeuvres de Vincent van Gogh (1853-1890) sont parmi les plus connues et les plus célébrées dans le monde. Les Tournesols, La Nuit étoilée ou l'Autoportrait à l'oreille bandée, parmi tant d'autres de ses peintures et dessins, laissent transparaître la dextérité unique de l'artiste à représenter les ambiances et les lieux par la peinture, le crayon, le fusain ou le pastel.

    Pourtant, alors qu'il déployait les couleurs vibrantes en touches expressives et les formes au contour délimité qui allaient faire sa renommée, van Gogh luttait contre le désintérêt de ses contemporains, mais aussi contre ses crises de folie. Ses épisodes de dépression et d'angoisse ont finalement eu raison de lui, puisqu'il se suicida en 1890, peu après son 37e anniversaire.

    Cette introduction richement illustrée retrace la vie de Vincent van Gogh: ses premières oeuvres figurant paysans et ouvriers agricoles, sa lumineuse période parisienne et son dernier sursaut créatif, plein de frénésie, durant les deux dernières années de sa vie qu'il passa dans le Sud de la France.

  • Warhol

    Klaus Honnef

    Andy Warhol (1928-1987) apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du Pop Art. Observateur critique et créatif de la société américaine, il a exploré des thèmes clés comme le consumérisme, le matérialisme, les médias et la célébrité.

    Puisant dans la publicité de son temps, les comics, les produits de consommation courante et les visages les plus célèbres de Hollywood, Warhol a proposé une réévaluation radicale de ce qui constituait le sujet artistique. Une fois passées entre les mains de Warhol, une boîte de soupe en conserve et une bouteille de Coca sont devenues aussi signes du statut d'oeuvre que n'importe quelle nature morte traditionnelle. Dans le même temps, Warhol a redéfini le rôle de l'artiste. Célèbre pour avoir déclaré: « Je veux être une machine », il effaçait systématiquement sa propre présence en tant qu'auteur de l'oeuvre, notamment en recourant à des procédés de fabrication de masse et à la répétition des images, ainsi qu'à des cohortes d'assistants avec lesquels il travaillait dans un immense atelier baptisé The Factory.

    Ce livre présente l'oeuvre aux multiples facettes du prolifique Warhol qui révolutionna les distinctions entre art « d'en haut » et « d'en bas » en explorant les notions de vie, de production et de consommation, qui demeurent centrales dans notre expérience de la modernité.

  • Pour l'artiste biélorusse Marc Chagall (1887-1985), la peinture formait une trame complexe, tissée de rêves, de contes et de traditions. Son langage visuel, immédiatement reconnaissable, s'est forgé une place unique au début du XXe siècle et est souvent reconnu comme précurseur en matière d'expression de la vie psychique.

    Dans les toiles de Chagall, le pinceau se pose en touches libres, les couleurs, dont le bleu qu'il affectionne particulièrement, sont profondes et l'on remarque tout un répertoire de figures récurrentes tels que musiciens, coqs, toits, fleurs et amoureux en suspension dans le ciel. Ses compositions au charme éthéré sont souvent complexes, riches en références. Elles mêlent non seulement les couleurs et les formes, mais évoquent aussi ses racines juives et ses rencontres faites à Paris, de même que sa foi, révélée à travers des gestes d'amour et des symboles d'espoir, fait écho aux signes de traumatisme.

    Cette introduction de référence à l'artiste explore les multiples formes que prend le vocabulaire perfectionné de Chagall. Entre les scènes de naissance, d'amour, de mariage et de mort, depuis les représentations de la Tour Eiffel jusqu'à celles de Vitebsk, sa ville natale, cet ouvrage rend hommage à un style unique, aussi gracieux à l'oeil qu'enchanteur pour l'imagination.

  • L'univers peint d'un maître flamand.
    Souvent imité, jamais égalé, Jan van Eyck (v. 1390-1441) a laissé son empreinte indélébile sur l'art de la Renaissance et ouvert la voie pour les peintres réalistes à venir. Par son extrême précision et son usage magistral de la couleur, Les Époux Arnolfini, qui représente le mariage d'un jeune couple, témoigne de la maîtrise du peintre néerlandais, figure de proue des primitifs flamands. Van Eyck a peint des scènes religieuses comme profanes en faisant ressortir leur naturalisme et leur réalisme par l'introduction subtile de la vie quotidienne du XVe siècle dans des cadres poétiques ou célestes. Travaillant à l'huile, il renouvela cette technique pour atteindre une grande intensité et parvenir à des nuances plus profondes.
    /> Retrouvez l'oeuvre impressionnant de cet artiste dans ce panorama en édition reliée, qui présente ses retables, ses tableaux de figures religieuses et ses portraits réalisés sur commande. Riche en agrandissements de détail et en analyses minutieuses de ses chefs-d'oeuvre, dont le retable de L'Adoration de l'Agneau mystique, cet ouvrage offre également une chronologie des productions de Van Eyck qui inclut celles de son atelier après sa mort.
    «Tant que Van Eyck est sur l'horizon, il y a des lueurs qui vont jusqu'aux confins du monde moderne, et c'est à ces lueurs que le monde moderne a l'air de s'éveiller, qu'il se reconnait et qu'il s'éclaire.» - Eugène Fromentin, 1876

  • Entre pommes, poires et perspectives expérimentales novatrices, découvrez l'oeuvre immense de Paul Cézanne, artiste baptisé par Matisse et Picasso 'père de nous tous'. De ses compositions de fruits à sa bien-aimée montagne Sainte-Victoire, l'ouvrage aborde l'approche audacieuse et singulière du peintre dans sa façon de représenter la lumière, l'espace et les formes, et plus largement dans sa manière de regarder le monde et de le restituer en peinture.

  • Gauguin

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    Paul Gauguin (1848-1903) n'était pas fait pour la finance. Ni pour faire carrière dans la marine française, ni pour demeurer vendeur de bâches à Copenhague sans parler un mot de danois. C'est dans son temps libre qu'il débuta la peinture en 1873 et participa en 1876 au Salon de Paris. Trois ans plus tard, il était exposé aux côtés de Pissaro, Degas et Monet.

    Homme bourru, grand buveur, Gauguin se qualifiait lui-même aussi de sauvage. Son étroite mais difficile amitié avec le tout aussi imprévisible Vincent van Gogh connut un violent épilogue en 1888, quand Van Gogh se défend soi-disant de Gauguin avec une lame de rasoir et, l'instant d'après, se tranche l'oreille. Peu après, ayant achevé La vision après le sermon (1888), chef-d'oeuvre marquant le milieu de sa carrière, Gauguin décide de partir pour Tahiti avec l'intention d'échapper à « tout ce qui est artificiel et conventionnel... ».

    Sur place, Gauguin jouit sans entraves de la nature de l'île, des autochtones et de la profusion des images qui lui inspirent une production foisonnante de peintures et de gravures. À travers des oeuvres comme La femme à la fleur (Vahine no te Tiare, 1891) ou Joie de se reposer (Nave Nave Moe, 1894), il développe un style particulier, primitif, rayonnant intensément de lumière et de couleurs. Dans la tradition de la sensualité exotique, ses coups de pinceau denses, débordant de peinture, épousent et s'attardent sur les courbes des tahitiennes.

    Gauguin meurt seul, sur les îles Marquises voisines de Tahiti, la plupart de ses affaires ayant été dispersées dans des ventes aux enchères locales. Il a fallu attendre qu'un habile marchand d'art commence à collectionner et à montrer l'oeuvre de Gauguin à Paris pour que la profonde influence du peintre se fasse réellement sentir, notamment auprès de la nouvelle génération des artistes français d'avant-garde, tels que Picasso et Matisse. Cet ouvrage présente un aperçu essentiel de l'univers de l'artiste, si riche en couleurs, depuis les Salons impressionnistes parisiens des années 1870 jusqu'à la fin de sa vie, productive et passionnée, dans le Pacifique.

  • Yves Klein

    Hannah Weitemeier

    Au milieu des années 1950, Yves Klein (1928-1962) déclarait : « Un nouveau monde réclame un homme nouveau. » Doté d'un style très personnel et d'un immense charisme, cet artiste ambitieux allait connaître une carrière de courte durée, mais prolifique, en créant pendant sept ans plus de mille peintures considérées aujourd'hui comme des chefs-d'oeuvre du modernisme d'après-guerre.

    C'est surtout par ses grands monochromes peints avec le bleu qu'il avait fait breveter que Klein s'est fait connaître. Composé d'un pigment pur et d'un liant, l'International Klein Blue est à la fois riche et lumineux, évocateur et décoratif, et conçu par Klein comme un moyen de suggérer l'immatérialité et la nature infinie du monde. Ses oeuvres issues de cette « révolution bleue » semble nous emmener vers une autre dimension, dans une sorte d'hypnose produite par un ciel d'été à la pureté absolue.

    Créateur de techniques picturales novatrices, Klein est aussi connu pour sa série des « pinceaux vivants », femme nues recouvertes d'International Klein Blue laissant l'empreinte de leur corps sur de grandes feuilles de papier. Ces Anthropométries étaient souvent l'occasion de performances savamment élaborées, accompagnées de cocktails bleus, au son de la Symphonie monotone composée par l'artiste.

    Cette introduction de la Petite Collection 2.0 présente les oeuvres principales de Klein pour aborder un artiste qui fut à la fois homme de spectacle, un inventeur et un pionnier de la performance artistique. Au fil des pages de cette plongée dans cet International Klein Blue toujours aussi attirant, l'ouvrage offre un guide essentiel pour découvrir un maître de l'art moderne et méditer sur les effets singuliers d'une couleur unique.

  • Un parcours dans l'oeuvre de Le Corbusier (1887-1965), architecte dont les réalisations à échelle humaine sont reconnaissables entre toutes, inventeur d'un projet d'unités d'habitation qui prit forme avec la Cité radieuse à Marseille.

  • Degas

    Bernd Growe

    Souvent associé à la naissance de l'impressionnisme dans le Paris du milieu du XIXe siècle, Edgar Degas (1834-1917) a en réalité échappé à toute catégorisation trop simpliste pour développer un style unique, profondément influencé par les grands maîtres, les corps en mouvement et la vie quotidienne urbaine.

    Fils aîné d'une riche famille, Degas a participé à fonder la série d'expositions de l'art « impressionniste », mais s'en est rapidement dissocié pour adopter une approche plus réaliste. Ses sujets se sont portés vers les rues bondées et bruyantes de Paris et ses divertissements et plaisirs, tels que les courses de chevaux, les cabarets et surtout les ballets. Par leurs perspectives ambitieuses et décalées, ses représentations de ballerines, qui constituent près de 1500 oeuvres, sont toutes très marquées par l'attention portée au corps et la rigueur de la danse.

    À travers des oeuvres comme Le Foyer de la danse à l'Opéra (1872) ou Musiciens à l'orchestre (1872) parmi d'autres, cet ouvrage offre une présentation incontournable de l'artiste qui a résisté aux catégories en créant la sienne propre, soit un monde mêlant résonance classique, compositions audacieuses et une fascination éternelle pour le mouvement, pour donner parmi les oeuvres les plus saisissantes et influentes de l'époque.

  • Manet

    Gilles Néret

    Vilipendé sa vie durant pour son style comme pour le sujet de ses oeuvres, le peintre français Édouard Manet (1832-1883) est aujourd'hui reconnu comme une figure incontournable de l'histoire de l'art, ayant fait le lien entre réalisme et impressionnisme.

    Dans son oeuvre, Manet utilisa la peinture pour représenter des scènes étonnamment modernes, inspirées du monde qui l'entourait, notamment de la vie urbaine parisienne. Il sut capter les jardins de la ville, ses parcs et ses cabarets, souvent attiré par le frisson des bas-fonds ou se délectant d'un sujet provocant. À Paris, le Salon rejeta son Déjeuner sur l'herbe mettant en scène une femme nue entourée d'hommes habillés, tandis que la pose ouvertement décomplexée et le regard plein de défiance de la prostituée dans Olympia, réinvention éminemment moderne de la Vénus d'Urbin du Titien, fit scandale.

    À travers de magnifiques illustrations, ce livre présente l'oeuvre de Manet et son style unique, associant réalisme, impressionnisme et références aux grands maîtres de la peinture, ce style qui ouvrira un nouveau champ plein d'audace pour les générations modernistes à venir.

  • Renoir

    Peter Heinz Feist

    Chef de file, parmi d'autres, du courant impressionniste, Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) demeure une figure marquante de l'histoire de l'art à la popularité non démentie. Baigné de soleil, plein de charme et de sensualité, son oeuvre vient ajouter une dimension enjouée et lumineuse à la peinture, tout en prolongeant la pratique de plein air et les innovations chromatiques de l'époque.

    L'oeuvre prolifique de Renoir comprend près de mille tableaux réalisés tout au long de sa vie. Largement influencé par ses prédécesseurs comme Courbet, Degas, Manet ou Delacroix, le peintre travailla aux côtés de ses pairs, dont Monet, pour découvrir de nouveaux usages de la couleur et une nouvelle façon de poser le pinceau, afin de rendre les textures et la profondeur par des taches aux nuances variées. Attiré par les scènes intimes et tendres, il prend pour sujet des amoureux, des mères et de nombreux nus.

    Au fil de sa carrière, Renoir a exploré différents styles et techniques, délaissant la touche légère impressionniste pour une représentation du corps plus vigoureuse et classique, parfois connue sous le nom de sa « période ingresque », et plus tard des pièces monumentales telles que Les Grandes Baigneuses. Puisant dans la riche et longue carrière de l'artiste, cette introduction essentielle a sélectionné les oeuvres principales de Pierre-Auguste Renoir et aborde les innovations qu'il a apportées à la peinture ainsi que sa pratique tournée vers la recherche de la beauté, de l'harmonie et de la figure féminine.

  • Rubens

    Gilles Néret

    Peintre des batailles spectaculaires et des mythes érotiques, Pierre Paul Rubens fut une figure majeure du monde de l'art au XVIe siècle et un chantre des couleurs, du mouvement et de la sensualité baroques. Son oeuvre prolifique se décline en retables, portraits, paysages, toiles historiques, sans oublier ses célèbres nus bien en chair.

  • Parmi ceux à qui l'on doit notre représentation fantasmée de Paris le peintre et graphiste Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) n'est pas des moindres. À travers ses gravures, affiches, peintures et dessins, l'artiste a immortalisé la vie nocturne parisienne à la Belle Époque et a fait figurer le quartier de Montmartre, au nord de la ville, parmi les premières destinations de plaisir et de création du monde.
    Descendant d'une vieille famille de la noblesse française, Toulouse-Lautrec semble avoir été attiré très tôt par le monde des plaisirs, s'intéressant aux salles de danse, aux cabarets et aux maisons closes de Montmartre, et choisissant comme sujets de célèbres danseuses et chanteuses, telles que Jane Avril. Ses oeuvres représentent à la fois des scènes animées de spectacles et des portraits posés et sensibles saisis hors scène, notamment dans Le Sofa ou Le Lit. D'un point de vue stylistique, il maîtrisait autant l'art graphique, comme en témoigne ses affiches publicitaires de Jane Avril, que celui de l'esquisse, dessin libre et pourtant puissamment évocateur.

    Malgré sa mort précoce à 36 ans, en raison de complications dues à l'alcoolisme et à la syphilis, l'influence culturelle de Toulouse-Lautrec fut immense. Cet ouvrage introductif nous emmène dans un univers de chanteuses, danseuses, musiciens et prostituées, et révèle ainsi un artiste profondément humain, doué d'un talent de figuration étonnant et d'un sens évident pour saisir l'énergie et les légendes de la ville.

  • Matisse

    Volkmar Essers

    L'oeuvre d'Henri Matisse (1869-1954) révèle sa croyance éternelle dans le pouvoir des couleurs pures et des formes simples. Bien qu'il soit surtout reconnu pour sa peinture, Matisse s'est aussi illustré en dessin, en sculpture, en lithographie, dans l'art du vitrail ainsi que du collage, dont il a développé sa propre technique de découpage quand son grand âge l'empêchait de rester debout et de peindre.

    Matisse a la plupart du temps peint des sujets classiques: nus, portraits, paysage animés de silhouettes, scène orientales et vues intérieures. Pourtant, son traitement des couleurs intenses et son dessin fluide lui confèrent une place de maître du XXe siècle. La palette de Matisse a particulièrement enchanté l'imagination moderne. Par son usage du bleu intense, du violet améthyste et du jaune d'oeuf dans toutes leurs nuances, il a libéré son oeuvre des carcans d'une représentation rigoureuse de la réalité et a plutôt cherché une «harmonie vitale», en prenant la musique comme source d'inspiration et figure de comparaison dans son travail.

    Des grands tableaux remplis de motifs aux portraits simples et tendres, ce livre présente l'immense richesse et l'intense créativité qui a caractérisé la carrière de Matisse, en parcourant ses premières oeuvres rattachées au mouvement fauviste jusqu'à ses derniers projets tels que Jazz et la chapelle du Rosaire, à Vence.

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