Skira

  • World press photo

    Collectif

    Depuis 1955, le concours annuel World Press Photo est le rendez-vous mondial du journalisme visuel. Ce livre présente les gagnants du World Press Photo 2020, à travers les images les plus marquantes et les reportages les plus convaincants qui ont été retenus parmi les 73 966 photos prises par 4282 photographes de 125 pays. Sélectionnés par un jury indépendant de professionnels, les gagnants des prix sont mis à l'honneur dans ce document empreint d'émotions et représentatif du meilleur journalisme visuel de l'année 2019.

  • Le rire comme critique Des caricatures de Honoré Daumier, aux readymades de Duchamp, les jeux de mots des Dadas, les vidéos de Dalí, jusqu'aux oeuvres de John Baldessari et Marcel Broodthaers, l'humour, a été un outil puissant dans l'art pour émettre sa propre critique.
    Ce catalogue va explorer l'humour de l'art à travers ses différentes déclinations : les jouets et jeux, les canulars, la dérision, les bouffons...
    Un essai humoristique par le commissaire d'exposition Nicolas Liucci-Goutnikov introduit le sujet. Une anthologie des textes philosophiques et historiques remet en contexte l'humour comme outil de critique, de Pascal, Montaigne, à Baudelaire et Nietzche...
    Finalement, des citations humoristiques des artistes et écrivains Dada et surréalistes ponctuent l'ouvrage.

  • Des notices détaillées sur les végétaux présents dans les collections horticoles conçues par Albert Kahn au tournant du XXe siècle pour apprécier la végétation des jardins à chaque saison. Des informations sur l'histoire du parc complètent ce guide de visite.

  • Les Éditions Skira, la Fondation Giacometti et le Grimaldi Forum vous présentent Alberto Giacometti Le Réel Merveilleux, ouvrage réalisé à l'occasion de la rétrospective dédiée à Alberto Giacometti du 3 juillet au 29 août 2021 au Grimaldi Forum de Monaco. Catalogue accompagnant la plus riche rétrospective de l'oeuvre d'Alberto Giacometti de ces dernières années, cet ouvrage permet de remettre en perspective l'évolution esthétique de l'artiste en présentant des oeuvres issues de toutes les périodes de sa carrière - oeuvres de jeunesse, période surréaliste, retour à la figuration, travail d'après modèle, oeuvres emblématiques de l'Après-guerre. Découvrez toutes les facettes de l'un des artistes les plus importants du XXe siècle, grâce à la présentation et l'analyse d'oeuvres souvent méconnues du public. Plâtres, bronzes, peintures, dessins et estampes, plongez dans l'univers de l'artiste désirant capter l'essence des contours du corps de l'être humain, vacillant entre fragilité et grandeur.

  • Ghada Amer

    Susan Thompson

    The gender politics of abstraction: embroidered paintings and more from Ghada Amer New York-based painter and embroiderer Ghada Amer (born 1963) was raised in Cairo, Egypt, and later educated in Nice and Paris, France. Her experiences with sexism in both locations served as the impetus for her to forge new ground in a range of mediums, from painting and sculpture to ceramics and earthworks. With a background in abstract painting, Amer eventually turned to embroidery as a strategy for infiltrating the male space of painting with a material traditionally associated with women. Her work is frequently based on the images of female figures found in magazines, through which she explores the constructions of gender, sexuality and eroticism. Her embroidery is intentionally loose, with threads dangling from the canvas, provoking a pictorial effect not unlike Pollock's splattered paint. More recent works introduce a verbal element, with quotations and aphorisms. This volume reproduces these pieces along with a selection of works from across her career.

  • Ce cosmos industriel fait de poutres en acier Corten, s'inspire du caractère spontané du développement du monde végétal pour s'affranchir de toute influence de la volonté humaine. Une expérience physique et artistique de l'espace, de la poésie, et de l'imprévisible, analysée avec maestria par l'historien de l'art et conservateur du patrimoine Maurice Fréchuret dans un essai inédit.

  • Dylan by Schatzberg

    Jerry Schatzberg

    Premier livre présentant la collection de photos célèbres et d'images rares de Bob Dylan du photographe Jerry Schatzberg.
    En 1965, le photographe Jerry Schatzberg, déjà bien affirmé grâce à son travail pour des revues et des magazines, rencontre le jeune Bob Dylan qui est sur le point de devenir célèbre. Dylan a invité le photographe au studio où il enregistre un album qui deviendra Highway 61 Revisited, comprenant le titre « Like a Rolling Stone », qui sera classée au premier rang des 500 meilleures chansons de tous les temps par le magazine Rolling Stone's.
    Les photographies de Dylan prises par Schatzberg nous montrent le futur lauréat du prix Nobel au cours de l'un des moments créatifs les plus importants de l'histoire de la musique. Elles comprennent également la réalisation de ce que l'on pourrait considérer comme le plus grand album de Dylan, Blonde on Blonde.
    En tant que musicien, Dylan a vendu plus de 100 millions de disques, ce qui fait de lui l'un des artistes les plus vendus de tous les temps. Il a également reçu de nombreux prix, dont onze Grammy Awards, un Golden Globe Award et un Academy Award, et il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. En 2016, il a reçu le prix Nobel de littérature « pour avoir créé de nouvelles expressions poétiques dans la grande tradition de la chanson américaine ».
    Ce livre comprend également des rééditions d'interviews historiques fondamentales, y compris « A Night with Bob Dylan » d'Al Aronowitz, publiée dans le New York Herald Tribune en 1965.

  • Sottsass Nouv.

    Sottsass

    Ivan Mietton

    La période de collaboration avec Poltronova marque profondément le travail de Sottsass. Les catalogues qu'il élabore pour la marque deviennent pour lui un terrain d'expérimentations de formes géométriques, de mélange de matières et de couleurs vibrantes. À travers l'ouvrage et les textes d'Ivan Mietton, vous aurez l'occasion de découvrir cette période féconde de création artistique de Sottsass, un moment décisif dans l'établissement de l'esthétisme du designer. L'importante iconographie, comprenant des prises de vues d'époque pour la publicité, des croquis annotés et des photographies personnelles de l'artiste, permet d'appréhender son travail

  • Monographie centrée sur les dernières années de l'oeuvre de l'artiste colombien F. Botero, dont la dilatation des corps, caractéristique de son travail, donne à ses personnages une dimension singulière allant de l'abstraction au grotesque

  • Maillol

    Bertrand Lorquin

    • Skira
    • 14 Mars 2002

    Comptant parmi les plus grands sculpteurs de ce siècle, jouissant d'une gloire internationale, représenté dans les plus grands musées des USA, d'Europe et du Japon, Aristide Maillol n'avait pas, sur le plan bibliographique, la place qui lui revient. Cette monographie est la première qui lui soit consacrée depuis trente ans. Elle est aussi la première à situer sa création dans une perspective chronologique. Cinquante ans après sa mort, de nombreuses expositions ont donné à voir l'oeuvre de Maillol dans le monde entier, mais l'ouverture par Dina Vierny du Musée Maillol, 59 et 61, rue de Grenelle à paris, l'a rendue désormais visible en permanence. Il était temps qu'une monographie réactualise la connaissance d'une création qui est une des sources majeures de la sculpture actuelle.

  • La culture olmèque et les civilisations qui, géographiquement et culturellement, lui étaient proches, sont restées méconnues jusqu'à la deuxième moitié du XIX? siècle et le sont encore souvent aujourd'hui du grand public. Apportant des clefs de compréhension essentielles, les textes et les cartes de l'ouvrage mettent particulièrement en lumière les divers sites archéologiques liés à ces remarquables civilisations dont « La Venta », « El Tajín » et « Tamtoc ». Ils apportent également des analyses sur des cultures d'une profonde sensibilité artistique qui ont joué un rôle éminent dans l'histoire du Mexique et de sa région. Durant trois millénaires, les grandes sociétés mésoaméricaines entretinrent entre elles des relations à l'origine d'oeuvres sculpturales, de systèmes d'écritures, de rituels, etc. En témoigne la mise en place d'une pensée et de canons mésoaméricains (économiques, sociaux, politiques, intellectuels et artistiques) qui perdurèrent jusqu'à la conquête espagnole.

    Ce catalogue d'exposition reproduit plus d'une centaine de pièces, dont beaucoup encore jamais exposées en dehors du Mexique. Tout à la fois un outil de connaissance et un « beau livre », il s'adresse aussi bien aux passionnés qu'au grand public.

    Sous la direction scientifique de Dominique Michelet, archéologue mésoaméricaniste et directeur de recherche au CNRS, les textes de spécialistes aident ainsi à mieux comprendre l'immense diversité du monde précolombien du golfe du Mexique.

  • Architecte, urbaniste et designer, Jean-Michel Wilmotte, est le fondateur de l'agence d'architecture qui porte son nom. Il a marqué de son empreinte de nombreux projets qui n'ont cessé de surprendre et de susciter l'admiration.

    En quarante ans, Wilmotte & Associés s'est imposée comme l'une des agences d'architecture les plus prestigieuses au monde dans les domaines de la muséographie et de la scénographie d'expositions.

    Qu'il intervienne dans un bâtiment neuf ou ancien, Jean-Michel Wilmotte cherche toujours à instaurer une relation profonde entre l'objet d'art, l'espace et le visiteur. Son travail se caractérise par une recherche de transparence et une clarification de l'espace - éviter la surcharge et la superposition - de manière à faire place nette autour des oeuvres et leur permettre d'exister pour et par elle-même. Cette aspiration à l'effacement et à la sobriété engendre une grande sensation de sérénité dans des lieux qui magnifient les oeuvres et guident le regard des visiteurs.

    L'agence Wilmotte & Associés est ainsi intervenue lors de commandes de grande envergure notamment pour le musée du Louvre à Paris (Aile Richelieu et département des Arts premiers au Pavillon des Sessions), le musée des Arts islamiques du Qatar à Doha, le musée d'Orsay à Paris (réaménagement des salles consacrées aux Impressionnistes), le Rijksmuseum à Amsterdam. Elle a également scénographié un grand nombre d'expositions temporaires : pour la Collection Pinault à Venise, le musée du quai Branly - Jacques Chirac et le musée des Arts décoratifs à Paris, entre autres.

  • Artiste protéiforme, Barthélémy Toguo s'exprime aussi bien par la performance, que grâce aux installations, mais il recourt avec virtuosité au dessin, à la sculpture, à la peinture ou à l'aquarelle selon le message de l'oeuvre et le médium qui lui semble le plus adapté.

    Artiste international, il vit et travaille aujourd'hui entre Paris et Bandjoun au Cameroun et ses expositions parcourent le monde. Ses créations sont intimement liées à sa vie, elle s'inspirent de son expérience, de ses voyages et rencontres.

    Son travail possède aussi une forte dimension politique contre toute forme d'inégalité. Il s'intéresse notamment aux flux, de marchandises mais aussi d'êtres humains entre l'Occident et l'Afrique. On retrouve souvent dans ses oeuvres les motifs de la migration, du colonialisme, de la race, ou de l'exil.

    Mais l'engagement personnel de Barthélémy Toguo se situe aujourd'hui surtout autour de la question de la promotion de l'art en Afrique et plus spécifiquement dans son pays natal, le Cameroun. En 2008, il inaugure Bandjoun Station, un lieu dédié à l'art dans toutes ses disciplines, où ont lieu des expositions, des rencontres, des ateliers et résidences d'artistes. L'accent y est également mis sur la formation scolaire et son fonctionnement économique propre est celui d'une exploitation agricole visant à l'autonomie de ce lieu unique.

  • 120 ans après sa première publication.
    Ce livre réunit les couvertures de cent vingt numéros et de certains hors-série de la revue Ver Sacrum, ainsi qu'une sélection des inventions les plus importantes dans le domaine de l'impression, comme la xylographie, la lithographie et la gravure sur cuivre.
    Ce livre raconte et illustre l'originalité du langage de la légendaire revue officielle de la Sécession viennoise, dont les premiers numéros ont vu le jour comme de véritables manifestes programmatiques, avant de devenir des pierres angulaires de la modernité. L'objectif de Ver Sacrum était de donner vie à des oeuvres d'art totales, les Gesamtkunstwerk , et chaque numéro se devait donc d'être une oeuvre d'art, une représentation parfaite des idéaux de la Sécession, incarnés par les couvertures de la revue.
    Ver Sacrum fait allusion au « printemps sacré » des anciens peuples latins et à leurs rituels de renouveau. C'était une revue d'une originalité absolue qui a élaboré de nouvelles formes de design, d'illustration et de composition : l'influence qu'elle a exercée constitue une pierre angulaire de la modernité dans l'art occidental.
    Au cours de ses six années d'activité, 471 dessins originaux, 55 lithographies et gravures sur cuivre et 216 xylographies ont été réalisés spécialement pour elle. Conçue par Gustav Klimt, Max Kurzweil et Ludwig Hevesi, cette revue a paru régulièrement de 1898 à 1903 ; elle présentait d'importantes critiques de littérature, de musique et d'art contemporain, mais aussi une riche sélection de gravures et de décorations des maîtres de la Sécession.

  • Speedy graphito - mondes imaginaires Nouv.

  • Capri en mer

    Patrick Howlett-Martin

    • Skira
    • 15 Juin 2009

    L'auteur, passionné de cette île où il va chaque année depuis 1994, raconte l'histoire de Capri, et la présente à travers des photographies, des reproductions d'oeuvres d'art et des curiosités.

  • Genèse d'une commande exceptionnelle.
    À partir de 1982, en prévision de l'ouverture du musée national Picasso-Paris, Diego Giacometti réalise un ensemble de 50 pièces de mobilier pour l'Hôtel Salé, comprenant chaises, bancs, tables et luminaires. Celles-ci marquent l'apogée de son oeuvre et représentent ses dernières créations, puisqu'il décède en juillet 1985, deux mois avant l'ouverture du musée.
    Ce mobilier reprend les différentes thématiques que l'on peut retrouver dans son oeuvre, telles que : le goût pour la nature et le végétal, la relecture des sources antiques, grecques et étrusques, ou encore l'aspiration à créer une véritable « géométrie dans l'air ».
    Pour mieux comprendre son processus créatif, les pièces finales sont mises en regard avec différents plâtres réalisés en cours de commande, ainsi que de nombreux documents d'archives illustrant le travail de Diego Giacometti.
    Ce catalogue sera également complété par deux entretiens qui viendront éclairer la commande du musée : un scultpeur analysera le processus créatif de Diego Giacometti dans ses réalisations pour l'Hôtel Salé, et une designer industrielle présentera la commande passées par le musée à l'ECAL (École cantonale d'art de Lausanne) pour de nouveaux bancs.

    Auteurs:
    Daniel Marchesseau - Conservateur général honoraire du patrimoine et historien de l'art..
    Alexis Georgacopoulos - Designer, directeur de l'ECAL (École cantonale d'art de Lausanne).
    Philippe Anthonioz - Artiste, sculpteur.
    Isabelle Baudraz - Designer industrielle.

  • Composé d'au moins 133 dessins du maître, le Cuaderno C (1808- c.1814) est le seul album qui nous soit parvenu pratiquement intact, sans démembrement ni vente ultérieure. Au delà de sa valeur artistique exceptionnelle, le Cuardeno C est aussi un témoignage historique saisissant et un trésor patrimonial unique en son genre. Fruit de l'acuité du regard de Goya, élaboré au cours de la guerre d'indépendance et des années de répression qui suivirent (1808-1820), il offre une vision parfois bouleversante de la société espagnole d'alors : scènes de vie quotidienne souvent marquée par la pauvreté, prisonniers de l'Inquisition, scènes de cruauté dans les prisons, visions rêveuses du monde nocturne. Un autre groupe de dessins concerne la vie monastique, sécularisée par décrets des autorités françaises, et la critique de celle-ci.
    Un essai de José Manuel Matilla Rodríguez, historien de l'art et directeur du département des dessins et estampes du Museo Nacional del Prado, vient accompagner cet exceptionnel ouvrage.

  • Grâce à un alphabet intéractif tout en couleurs, fait de découpages et d'expériences psychomagnétiques, les enfants s'initient de manière ludique aux arts et réalisent leurs propres créations avec l'aide de leurs parents. De plus, l'ouvrage est enrichie de QR codes qui redirigent le lecteur vers des vidéos des oeuvres en mouvement. Une expérience sensorielle, stimulante pour un public d'enfants, toujours avide d'amusement et de découverte.

    L'ouvrage reprend et réadapte parfaitement la démarche artistique de Colmenárez. En effet, ses oeuvres participatives suivent toujours les règles du jeu et « paramètres » qu'il fixe en amont, mais c'est le public, qui décide finalement de l'aspect final qu'il donnera à l'oeuvre.
    Si vous désirez vous aussi participer à ce travail de transformation, rendez-vous à l'exposition dédiée à l'artiste qui se tiendra prochainement au Musée en herbe.

    Maintenant à vos crayons et vos ciseaux

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