La collection de livres de concepts pour l'éveil des tout-petits, mettant en avant le travail d'artistes renommés, est de retour avec de nou
Cette première bibliothèque essentielle de livres cartonnés à lire à ses enfants s'appuie sur des chefs-d'oeuvre de Pablo Picasso, Henri Matisse, Alexander Calder et Josef Albers pour enseigner quatre concepts fondamentaux aux tout-petits : les animaux, les couleurs, les chiffres et les formes. Chaque concept est exploré de manière ludique à travers une sélection d'oeuvres d'art magnifiquement reproduites, tandis que le texte qui les accompagne fait preuve d'esprit et de convivialité. Cette collection de premiers livres familiarisera les jeunes lecteurs avec les notions élémentaires et l'art.
Publié en 1948, avec 125 lithographies de Pablo Picasso, Le chant des morts, qui devait ensuite prendre place dans Main d'oeuvre, est l'un des ensembles poétiques majeurs de Pierre Reverdy et l'un des plus singuliers puisqu'en résonance directe avec les années d'occupation, les déportations et l'ignominie des camps d'extermination. Jamais Reverdy n'avait ainsi retranscrit, dans sa langue unique, sa «magie verbale» disait André Breton, une suite aussi repérable d'événements historiques. C'est comme si la permanence du chant de Reverdy s'alliait d'un même souffle au chant si présent des morts pour une cantate trop humaine à force d'inhumanités encore et encore repérées, répétées, révélées.
En reproduisant l'édition originale, avec les lithographies de Picasso, Poésie/Gallimard poursuit sa redécouverte des grandes oeuvres qui ont vu la rencontre substantielle d'un poète et d'un peintre. Car il s'agit bien ici d'une oeuvre commune tant les traits de Picasso, d'une rare puissance répétitive, portent, propulsent, escortent les poèmes sublimes et infiniment douloureux de Reverdy.
Cet ouvrage permet d'appréhender l'oeuvre de Pablo Picasso à travers une sélection de 30 reproductions représentatives, associées à une citation de l'artiste.
«il est beau comme un astre c'est un rêve repeint en couleurs d'aquarelle sur une perle - ses cheveux ont l'art des arabesques compliquées des salles du palais de l'Alhambra et son teint a le son argentin de la cloche qui sonne le tango du soir à mes oreilles pleines d'amour - tout son corps est rempli de la lumière de mille ampoules électriques allumées - son pantalon est gonflé de tous les parfums d'Arabie - ses mains sont de transparentes glaces aux pêches et aux pistaches - les huîtres de ses yeux renferment les jardins suspendus bouche ouverte aux paroles de ses regards et la couleur d'aïoli qui l'encercle répand une si douce lumière sur sa poitrine que le chant des oiseaux qu'on entend s'y colle comme un poulpe au mât du brigantin qui dans les remous de mon sang navigue à son image»
Comment un artiste, un géant qui a bouleversé l'histoire de la peinture, décide-t-il de pousser un tel cri contre la barbarie ? Que se passe-t-il dans sa tête, dans son coeur d'Espagnol à ce moment-là ? Que dit-il aux humains d'avant et d'après Guernica ? Un récit simple, à l'écriture poétisée, porte le souffle de l'artiste à travers son oeuvre.
IL Y A 70 ANS, UNE VILLE DISPARAISSAIT EN ESPAGNE, ET UN CHEF-D'OEUVRE VENAIT AU MONDE.
Puis, brusquement, c'est la guerre en Espagne.
Le 26 avril 1937, la ville de Guernica est rasée.
C'est jour de marché dans la petite cité, symbole de l'identité basque. L'aviation allemande, appelée à la rescousse par le général Franco, déverse durant 3 heures et demie 50 tonnes de bombes. 1 654 morts. 900 blessés. Ce bombardement annonce ce que sera, deux ans plus tard, la Seconde Guerre mondiale.
«Je ne cherche pas je trouve.» Il en est de cette phrase de Picasso comme de beaucoup d'autres («l'art nègre, connais pas», «Cézanne est notre père à tous», «au fond, il n'y a que l'amour»), tout le monde les connaît, les cherche et personne ne les trouve. Si Picasso a peu écrit sur l'art - ses écrits sont essentiellement poétiques -, il a, en revanche, beaucoup parlé, accordant de 1923 à 1975 de nombreux entretiens à des journalistes, des critiques d'art, des amis, des marchands. Il s'exprima également directement dans la presse sur des thèmes politiques, idéologiques ou humanitaires, à l'occasion de la guerre d'Espagne puis du combat contre le fascisme. La plupart de ses biographes, compagnes ou compagnons ont tenté de transcrire le plus fidèlement possible ses réflexions sur l'art ou sur les artistes. Ce livre rassemble donc, pour la première fois en français, l'ensemble des entretiens et des propos rapportés par ses proches. Il permet ainsi de se faire une idée non seulement des conceptions esthétiques de Picasso, de connaître ses goûts en matière de peinture, de sculpture et ses jugements sur le cubisme, l'art abstrait, le surréalisme, etc., mais il révèle aussi sa pensée décapante faite de coqs-à-l'âne, de paradoxes et d'ironie.
La publication de cette fascinante collection de carnets de croquis de Picasso marque le 50e anniversaire de la mort de l'artiste (1881-1973). Rassemblant 14 carnets de croquis datant de 1900 à 1959, cette collection de documents d'archives englobe presque toutes les périodes de la carrière de Picasso. L'ouvrage accompagne une exposition en 2023 à la Pace Gallery inspirée de celle de 1986 « Je Suis le Cahier : Les carnets de croquis de Picasso », qui présentait pour la première fois cet ensemble d'oeuvres.
Gertrude Stein (1874-1946) et Picasso (1881-1975) ont partagé leur amitié la plus longue, quarante années d'échanges, de l'automne 1905 à la mort de Gertrude Stein en 1946. Amitié complexe entre une Américaine et un Espagnol, entre l'écrivain et l'artiste, entre Gertrude qui vit avec Alice, et Pablo et ses femmes. Pendant ces quarante ans, Gertrude Stein est tour à tour un mécène qui aide Picasso, un «homme de lettres» qui tient à partager les préoccupations artistiques et les goûts du peintre, une amie pleine de sollicitude, une chroniqueuse, une critique qui fabrique sa réputation et raconte cette amitié, avec ses hauts et ses bas, cette communauté de création. L'importante collection d'art contemporain rassemblée par Gertrude Stein est maintenant dispersée dans les plus importants musées des États-Unis, comme le portrait de Gertrude Stein par Picasso, l'un des plus grands chefs-d'oeuvre du XX? siècle, conservé au Metropolitan Museum of Art de New York. Preuve parmi d'autres des relations entre le peintre et l'écrivain, plus de deux cents lettres, pour la plupart inédites, témoignent des évolutions des deux protagonistes. On y voit Picasso connaître la gloire alors que Gertrude l'attend ardemment. Ces lettres évoquent un quotidien de travail, de petits plaisirs et les fréquentes rencontres entre deux figures majeures de l'avant-garde artistique et littéraire.
Pittore, disegnatore, scultore, ma anche fotografo, incisore, scenografo teatrale, ceramista, Picasso eccelle in ogni genere, feconda arti «nobili» (pittura e scultura) con tecniche mutuate dalle arti «minori» (artigianato), fa esplodere con gioia gerarchie e tradizioni, creando un'opera nella quale longevità, profusione e virtuosismo sono sconcertanti. Chi di noi sapeva, però, che fu anche l'illustratore di innumerevoli libri di scrittori e poeti come Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Pierre Reverdy e Michel Leiris, oltre che di Honoré de Balzac e Ovidio? Chi sapeva che, per tutta la vita, rimase legato al mondo dei poeti e degli outsider, coloro che lo accolsero a Parigi nel 1900 quando aveva solo diciannove anni? Che trent'anni dopo divenne scrittore, drammaturgo e poeta, scrivendo in francese nonostante non conoscesse una parola della lingua al suo arrivo nel paese? A lungo respinto dalle istituzioni ufficiali francesi e marchiato come «straniero», «presunto anarchico» o artista d'avanguardia, forse non è un caso se Picasso divenne un artista-Mercurio mascherato, e se il suo percorso di artista si svolse negli interstizi della società, ai confini della poesia, della mitologia e della metamorfosi. È nella commedia dell'arte che scoprì la figura di Arlecchino, nella mitologia antica che riprese quella del Minotauro, i suoi alter ego. Con Arlecchino e il Minotauro, attraverso la pratica dell'autoritratto celato, Picasso esprime abilmente i suoi dubbi, le sue ansie e la sua vulnerabilità. Oltre alla leggendaria personalità dell'artista, la mostra Picasso a Palazzo Te. Poesia e salvezza rivela oggi un affascinante dietro le quinte, popolato dai suoi amici, dai suoi doppelgänger, e dalle sue meraviglie.
Le dialogue entre la poésie et la peinture apparaît comme l'une des voies les plus caractéristiques de l'art moderne. Et ce dialogue des formes s'accompagne souvent d'un dialogue des artistes eux-mêmes qui, pour reprendre le propos de Blaise Cendrars, vivaient «mélangés, avec probablement les mêmes soucis», au moins dans le Paris d'avant la Première Guerre mondiale. La publication de la correspondance entre Picasso et Apollinaire permet désormais de suivre, pour ainsi dire en direct, entre 1905 et 1918, le dialogue d'une amitié toujours exigeante, souvent complice, parfois blessée aussi, nouée entre les deux artistes. Éditée par Pierre Caizergues, spécialiste d'Apollinaire, et Hélène Seckel, conservateur au musée Picasso, cette correspondance inédite permet de nuancer l'image qu'on avait du peintre et du poète; elle informe sur leur cheminement esthétique et surtout elle projette une lumière neuve sur leurs rapports familiers, sur leurs projets communs ou séparés dont certains étaient restés ignorés jusqu'ici.
Cette correspondance croisée entre Pablo Picasso (1881-1973) et Jean Cocteau (1889-1963), en grande partie inédite, rassemble 450 pièces enrichies de documents et d'illustrations rares. Elle couvre la période qui va de 1915 jusqu'à la mort de Cocteau en 1963. La relation qui s'instaure entre les deux artistes est d'emblée dialectique : Picasso consolide chez Cocteau un vocabulaire nouveau, celui de l'avant-garde et de la modernité. Cocteau entraîne Picasso dans l'aventure des Ballets russes, l'initiant ainsi à l'esthétique somptueuse des arts du théâtre. Leur collaboration dans Parade (1917) se trouve à l'origine de l'une des plus belles périodes créatrices de l'oeuvre de Picasso, son «rappel à l'ordre» selon l'heureuse formule de Cocteau qui, lui, médite sur sa propre esthétique et sur sa propre éthique.
Édition de Pierre Caizergues et Ioannis Kontaxopoulos.
l'arlésienne, personnage devenu mythique, a toujours fasciné les artistes.
séduits par son allure, sa grâce, son élégance, la beauté de son costume, elle demeure une source d'inspiration créatrice pour des peintres tels que paul gauguin, adolphe monticelli, vincent van gogh, pablo picasso. dès ses débuts et bien avant d'arriver au faite de la gloire, picasso est marqué par la figure tragique et magistrale de van gogh. il est fasciné par le caractère pathétique des autoportraits dont il s'inspirera.
lors de ses fréquents voyages à arles, à l'occasion des corridas, il ne manquera jamais de se rendre sur les lieux peints par son aîné. il est obsédé par van gogh et va explorer ce thème magique avec l'acharnement qui le caractérise.
dès 1912, il peint ses premières arlésiennes, et poursuit ses recherches jusqu'en en 1937, 1938 puis de 1954 à 1958, avec le portrait de sa femme, jacqueline, achevant ainsi la célèbre série des arlésiennes.
l'artiste nous offre un véritable florilège de son art et récapitule ici toutes les expériences stylistiques qu'il a menées depuis le début du siècle.
Ce volume richement illustré accompagne une exposition à Toronto puis Washington. Il réexamine la célèbre période bleue de Pablo Picasso (1901-04) en peintures, oeuvres sur papier et sculpture. S'appuyant sur de nouvelles informations glanées à partir d'études techniques réalisées sur Le Tub (1901), La Miséreuse accroupie (1902) et La Soupe (1903), ce volume multidisciplinaire allie histoire de l'art et avancée scientifique de la conservation afin de montrer comment le jeune Picasso a façonné un style distinct et une identité artistique prononcée en adaptant les leçons artistiques du Paris de la fin de siècle au climat social et politique d'une Barcelone en difficulté économique.
Si Picasso n'aimait ni parler ni écrire sur son art de façon théorique - considérant que cette activité revenait aux critiques -, il a laissé des phrases manuscrites et un nombre assez important de propos, sous forme d'entretiens ou de retranscriptions de ses conversations à bâtons rompus avec des amis artistes, journalistes, galeristes.
Spirituel, drôle, percutant, Picasso changeait de registre en fonction de son interlocuteur et des circonstances. Je ne cherche pas, je trouve est un condensé de ses paroles devenues légendaires. Pratiquant volontiers le jeu des contradictions, il passait souvent du coq à l'âne et témoignait d'un esprit ouvert, décloisonné. De façon très incisive, il lançait des boutades qui, dans leur apparente simplicité, exprimaient le fond d'une pensée complexe toujours en mouvement.
N'ayant rien du ton docte du théoricien, les citations et répliques de Picasso, limpides et étonnantes, s'adressent, ici, à tous.
Ce volume co-édité avec le Centro Botin est le catalogue de l'exposition du même nom, et explore les rapports de l'artiste espagnol à l'art ibérique. Paradoxalement, alors qu'il s'est probablement trouvé en contact avec cet univers visuel lorsqu'il a vécu à Madrid et Barcelone, c'est lors de son séjour à Paris et de ses visites au Louvre qu'il a pleinement intégré certains de ces codes dans son univers artistique. L'ouvrage met en regard les oeuvres de Picasso avec des pièces issues des collections du Louvre et du Musée Archéologique National de Madrid.
«En 1865, le terrier d'un lapin permettait à la blonde Alice, petite fille anglaise, de se rendre en un pays où les merveilles succédaient aux merveilles. En 1947-1948, c'est un jardin potager qui est le lieu d'enchantement, choisi par Picasso, où quatre petites filles, moins élégamment peignées que leur soeur de l'époque victorienne, s'ébattent et, à travers leurs jeux empreints de fraîcheur, de sauvagerie et souvent de malice, évoquent la vie, l'amour, la mort : tout ce monde de magie et d'angoisse à quoi s'ouvre l'adolescence.Chansons, dictons, litanies, formulettes, coqs-à-l'âne, calembours s'égrènent tout le long de cette pièce de théâtre où l'auteur semble avoir usé d'un langage en vacances : insoucieuses des règles logiques et des syntaxes, les images y déploient leurs fleurs japonaises et, telle une mère Gigogne, la poésie ne cesse d'y proliférer comme si, en un mouvement qui n'aura pas de fin, elle s'enfantait elle-même.»Michel Leiris.
Version anglaise du catalogue qui accompagne une exposition au Musée Picasso de Barcelone (mai 2018 - septembre 2018). Pour la première fois, il explore les rapports du grand maître espagnol à la nourriture et la cuisine : la présence de fruits et légumes dans ses natures mortes, comme les tomates dans son atelier des Grands-Augustins, le ragoût d'anguille préparé par sa femme Jacqueline, sa réinvention du célèbre Déjeuner sur l'Herbe de Manet, mais aussi l'usage d'ustensiles de cuisine comme matériau dans certaines sculptures. Ce catalogue recense les occurrences du thème culinaire dans les oeuvres, mais revient aussi sur les tables qui ont marqué l'artiste : le restaurant Le Catalan à Paris, pendant l'occupation allemande, les Quatre Gats à Barcelone et le Lapin Agile sur la butte Montmartre.
