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Arteos
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Le choix de la peinture : Une autre histoire de l'abstraction, en France, 1962-1989
Victor Vanoosten
- Arteos
- 16 Février 2024
- 9791096854080
Comment continuer à peindre, alors que la peinture de chevalet est déclarée morte et que la mode est au Pop Art, au non-art, à l'art conceptuel et au minimalisme ? Telle est la question que pose ce livre qui revient sur trois décennies de peinture abstraite en France du début des années 1960 aux années 1980. Ce panorama réunit des artistes dont la démarche picturale fut fondée sur une autre conception du geste, du rôle de la couleur et de la notion du tableau. Leurs oeuvres témoignent du profond renouvellement des pratiques abstraites des années 1960, du projet de déconstruction des éléments de la peinture initié autour de mai 1968 et du retour du tableau amorcé au tournant des années 1980.
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À l'occasion des expositions Cobra présentées à partir de novembre 2017 au musée de Tessé, Le Mans, et au musée de Pont-Aven, les éditions Arteos publient un ouvrage consacré au groupe Cobra.
Cobra fut au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, une explosion poétique et artistiques qui a profondément marqué l'art de la la seconde moitié du XXe siècle. Le livre a pour ambition de réévaluer le rôle essentiel des artistes du groupe Cobra sur la scène artistique internationale depuis 1945.
À la lumière d'articles d'historiens de l'art européens et d'une riche iconographie, cette publication revient sur les fondements de l'art des artistes Cobra durant les années historiques (1948-1951) et met en avant l'importance des années de l'« après-Cobra » qui attestent la continuité des aspirations de Cobra au coeur des enjeux artistiques internationaux des cinquante dernières années.
Le livre présente des oeuvres de l'ensemble des artistes et des poètes danois, néerlandais, belges, français, allemands, anglais, suédois et américains qui prirent part aux actions de Cobra qui se définissait en 1951 comme une Internationale des artistiques expérimentaux. Les oeuvres issues des principales collections publiques et privées européennes sont confrontées à une documentation historique parfois inédite provenant des artistes et de leurs ayants-droit.
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Le musée autrement : Gilbert Delaine et le musée d'art contemporain de Dunkerke, histoire d'une utopie sociale et artistique au coeur de l'industrie, 1974-2013
Victor Vanoosten
- Arteos
- 18 Août 2023
- 9791096854073
Aujourd'hui appelé le LAAC, le musée d'art contemporain de Dunkerque a été créé par Gilbert Delaine (1934-2013) au début des années 1970, au moment où la ville est au faîte de l'expansion économique qui a caractérisé la période des Trente Glorieuses. N'étant ni un collectionneur ni un industriel fortuné, Delaine a fondé son projet sur la logique du don qui a fait du musée une oeuvre sociale et collective résultant du mécénat des industries locales, des donations des artistes et de l'engagement de la Ville de Dunkerque. Ce fonctionnement hybride a constitué un mode inédit de création d'une institution artistique qui a remis en question les fondements du modèle culturel français. Inauguré le 4 décembre 1982, le musée édifié dans un jardin de sculptures conserve une rare collection consacrée à la scène française des années 1950/1970. Les principaux courants qui y sont représentés sont l'abstraction lyrique et géométrique, le groupe Cobra, la nouvelle figuration, le Nouveau Réalisme, la Figuration narrative, Supports/Surfaces et l'Op'Art, auxquels s'ajoute une oeuvre iconique d'Andy Warhol. Initié en 1974 dans le but de rendre l'art du présent accessible notamment aux ouvriers dunkerquois, le projet de Delaine fut une utopie sociale et artistique au service du territoire. La crise économique des années 1980 a cependant modifié la signification du musée qui avait été créé à l'égal des infrastructures industrielles locales. Fermé en 1997, il a rouvert en 2005 sous un nouveau nom, le LAAC, Lieu d'art et action contemporaine. Dans un nouvel environnement, il interroge aujourd'hui la gestion de la mémoire industrielle de Dunkerque. Cette publication en retrace l'histoire et situe dans une perspective historique l'actuelle politique culturelle de la ville qu'incarne la nouvelle Triennale Art & Industrie dont la seconde édition sera présentée à partir de juin 2023.
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Au coeur des abstractions, Marie Raymond et ses amis
Victor Vanoosten
- Arteos
- 16 Avril 2021
- 9791096854066
Marie Raymond fut une des artistes phares de l'abstraction parisienne des années 50.
Dès 1946, elle est une des rares femmes à exposer au côté de Pierre Soulages, Hans Hartung, Gérard Schneider ou Serge Poliakoff. En 1949, elle reçoit le Prix Kandinsky qui récompense un artiste contemporain engagé sur la voie de la peinture abstraite. Les galeristes Denise René et Colette Allendy défendent son oeuvre. En 1957, le Stedelijk Museum d'Amsterdam lui consacre une première grande rétrospective.
Ce livre présente l'évolution de l'oeuvre et le rôle de Marie Raymond sur la scène artistique européenne depuis l'après-guerre jusqu'aux années 70. Il revient sur les débuts de sa peinture durant la guerre, sur le triomphe de l'abstraction à Paris après 1945 et sur la place des femmes dans le monde de l'art. Il décrit également les liens d'amitié de Marie Raymond avec les artistes abstraits contemporains qui, entre 1947 et 1954, participent aux « lundis de Marie Raymond » que celle-ci organise chez elle dans son appartement-atelier de la rue d'Assas à Paris.
En tant que mère d'Yves Klein, Marie Raymond est aussi un soutien attentif et fidèle envers les jeunes membres du Nouveaux réalisme qui sont des amis de son fils et qui prennent parfois part aux célèbres « lundis. » À la lumière des oeuvres et des écrits inédits de Marie Raymond, ce livre retrace un pan de l'histoire de l'abstraction des années 50 et son dépassement initié par la génération suivante des années 60. Il révèle ainsi le rôle central de Marie Raymond au coeur de l'art de la seconde moitié du XXe siècle.
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La peinture et la réalisation de films sont les deux faces de l'oeuvre de Jean-Michel Meurice. Peintre, à l'avantgarde du mouvement Supports/Surfaces dès le début des années soixante, Jean-Michel Meurice a construit une oeuvre constante et vigoureuse. La rigueur apprise de l'histoire se mêle à l'énergie vitale des couleurs et à la liberté d'espaces ouverts à des formes nouvelles. En parallèle, il prend régulièrement la caméra et quitte la solitude de l'atelier pour vivre son temps et filmer les enjeux culturels, politiques, économiques et sociaux de notre époque.
Auteur de plus d'une centaine de films documentaires, il est convaincu du bon usage de la télévision pour la diffusion de la culture. Jean-Michel Meurice est un des fondateurs de La Sept, devenue aujourd'hui Arte.
Cette oeuvre double, du pinceau et de la caméra, a été distinguée par le Grand Prix de l'Académie des Beaux-Arts pour la Peinture et par le Grand Prix National pour la Création Audiovisuelle.
Pour la première fois, ces deux formes de création sont réunies dans un livre de référence.
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Cet ouvrage consacré à l'art aborigène contemporain d'Australie accompagne une importante exposition qui se tient du 1er décembre 2017 au 20 mai 2018 à la Fondation Pierre Arnaud à Lens en Suisse.
L'art aborigène australien contemporain trouve ses origines dans la culture la plus ancienne au monde, celle du peuple aborigène. Par ailleurs, cet art prend une place de plus en plus importante dans le monde de l'art actuel.
À travers des oeuvres puissantes, issues de la Collection Bérengère Primat, le lecteur découvrira l'éternel présent du Rêve et les voyages créateurs des ancêtres du Rêve, base de la loi des hommes et thème principal des oeuvres aborigènes. Il prendra également conscience de la diversité et de la profondeur de cet art à travers les productions artistiques des différentes régions de l'Australie, telles la Terre d'Arnhem, les déserts du centre et occidental et le Kimberley, ainsi que des sujets se rapportant à l'état actuel de ce monde. Le Rêve et le présent se rencontrent sur le même territoire, celui de l'art.
Cette publication a pour ambition de faire découvrir l'art aborigène contemporain dans toute sa splendeur et son intensité à un large public. Richement illustré, ce catalogue rassemble des textes des plus importants spécialistes de l'art aborigène tels que Wally Caruana, John Kean, Howard Morphy, Georges Petitjean et Sally Butler.
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La terre, l'eau, l'air et le feu sont des sources essentielles de l'oeuvre d'Yves Klein où .
Pour la première fois, ce livre les rassemble dans une nouvelle lecture de son oeuvre où se croisent les Cosmogonies, les Feux, les Feux Couleurs, les Reliefs Planétaires, l'Architecture de l'air et les oeuvres immatérielles.
Cette nouvelle approche se fonde sur l'analyse de Klaus Ottmann, spécialiste de l'oeuvre d'Yves Klein, qui reconsidère la démarche d'Yves Klein à la lumière de sa conception du monde et des philosophies antiques sur la notion de nature et de cosmos.
Pour Yves Klein, la couleur est le révélateur des éléments naturels.
Une riche documentation historique complétée de nombreux textes d'Yves Klein parcourt le livre. Cette publication est l'occasion de redécouvrir, à travers une vision transversale et thématique, l'oeuvre d'Yves Klein qui apparaît aujourd'hui comme un des précurseurs du Land art, de l'Arte povera et de l'Art conceptuel.
Ce livre accompagne l'exposition Yves Klein, les éléments et les couleurs, présentée au Domaine des étangs à Massignac de mai à novembre 2020. -
Roberto Matta, Alain Jouffroy, correspondance 1952-1956
Collectif
- Arteos
- Correspondances
- 9 Novembre 2018
- 9791096854035
En parallèle de l'exposition Roberto Matta présentée en octobre 2018 à la galerie Diane de Polignac à Paris, les éditions Arteos publient un ouvrage consacré à la correspondance entre le peintre Roberto Matta et le critique d'art Alain Jouffroy.
L'ouvrage présente une partie (1952-1956) de la très riche correspondance, inédite, entre le peintre surréaliste d'origine chilienne Roberto Matta (1911-2002) et le critique d'art français, poète, artiste et essayiste Alain Jouffroy (1928-2015).
En puisant dans de nombreuses archives, cet ouvrage met en lumière des échanges d'une rare intensité entre deux artistes majeurs ; deux créateurs au coeur d'une scène artistique européenne en pleine effervescence. Le lecteur découvrira au fil des échanges épistolaires l'implication des deux protagonistes dans les grands mouvement artistiques de l'après-guerre, mais aussi une particularité de ton qui leur donne une place singulière.
Cette correspondance, avec pour fil conducteur une profonde et sincère amitié, met aussi en avant des engagements artistiques, idéologiques et politiques - et au delà de l'histoire de l'art, c'est une formidable aventure humaine qui se dessine en filigrane.
