Livres en VO

  • La villa Noailles est le lieu emblématique de la modernité qui a marqué profondément les décennies qui ont suivies la première guerre mondiale (Man Ray, Robert Mallet-Stevens, Sonia Delaunay, Djo Bourgeois, Marcel Breueur, Jean Cocteau, Erik Satie, Luis Buñuel, Paul Éluard, Jean-Michel Franck, etc.) Cet ouvrage, inédit, revient sur le travail de mécénat de Charles et Marie-Laure de Noailles, qui de 1923 à 1973, ont acquis des oeuvres d'art issues de toutes disciplines. Ils furent, toutes leurs vies, en éveil face aux enjeux plastiques et intellectuels de leurs temps ; et les ont stimulés par des commandes et des soutiens. Leurs histoires, qui a redéfinies le mécénat, est aussi notre héritage qui continue, plus que jamais, à nous interroger.
    Les textes sont écrits par les commissaires d'expositions permanents du lieu, Alexandre Mare et Stéphane Boudin-Lestienne qui apporte un regard précis et inédit sur ce travail exceptionnel mené par ce couple de mécène.

  • À Cannes, Pierre et Gilles, l'un des duos les plus populaires en France depuis plus de trente ans, invente une exposition et une sce´nographie a` partir de tableaux lie´s au cine´ma, passion commune aux artistes et la ville qui accueille chaque anne´e son ce´le`bre festival. Pierre et Gilles pre´sentent un ensemble d'oeuvres mettant en sce`ne actrices et acteurs ayant pose´ pour eux, des compositions et des proce´de´s visuels qui rappellent ceux du 7e art comme des oeuvres re´alise´es spe´cialement pour l'e´ve´nement.
    Pour Pierre et Gilles, le cine´ma a le gou^t de l'enfance et de l'horizon. Il permet de s'e´vader d'une vie encore trop petite pour des enfants e´pris de voyages inte´rieurs lointains. Cette passion intime des premie`res lueurs ne les abandonnera jamais et accompagne leur oeuvre depuis. Pierre et Gilles ont invente´ une extraordinaire galerie de personnages, un tourbillon de he´ros, de destins et de regards qui ont partie lie´e avec le grand e´cran.

    Le catalogue d'exposition Le Goût du cinéma de Pierre et Gilles au Centre d'art La Malmaison à Cannes du 12 décembre 2019 au 26 avril 2020.

  • Très impressionné par l'architecture de Le Corbusier, Anselm Kiefer a demeuré trois semaines au couvent de la Tourette en 1966 et a ainsi partagé la vie des frères. Il dira qu'il a perçu en ce lieu la « spiritualité du béton » - matériau dont on sait l'importance qu'il aura après dans son oeuvre.
    Depuis, Anselm Kiefer a tracé dans l'art contemporain une voie originale et puissante. Ses expositions à travers le monde dans les plus grandes institutions culturelles font de lui une figure majeure de la scène artistique contemporaine : Grand Palais (Monumenta 2007), Centre Pompidou et Bibliothèque Nationale en 2016, musée Rodin en 2017.
    L'initiative a été prise d'inviter Anselm Kiefer à revenir 52 ans après à La Tourette. Pour l'artiste ce retour est comme un rendez-vous avec un lieu de spiritualité qui fut déterminant pour lui. Pour l'exposition, s'est dessiné un choix d'oeuvres d'une grande diversité : sculptures monumentales, vitrines, peintures, livres...
    Le livre présentera également un portfolio de photographies personnelles et inédites d'Anselm Kiefer prises à La Tourette, livrant son regard sur l'architecture de Le Corbusier .
    Un texte écrit par Anselm Kiefer en 1966, à la suite de son passage à la Tourette, sera publié pour la première fois, livrant un ensemble de réflexions personnelles de l'artiste sur l'architecture, Le Corbusier, et sur son séjour au Couvent de La Tourette.

  • 2015, année du cinquantenaire de la mort de Le Corbusier, met à l'honneur l'architecte français le plus connu dans le monde par de nombreuses expositions (« Chandigarh » à la Cité de l'Architecture et du Patrimoine, « La mesure de l'homme » au Centre Pompidou).
    Pourquoi un livre supplémentaire ?
    L'originalité de cet ouvrage réside dans le fait de solliciter douze architectes contemporains, inspirés par l'oeuvre de Le Corbusier et dont le témoignage met en lumière la contribution de Le Corbusier à leur propre réflexion et au monde des arts et des idées.
    Le style choisi est celui d'une lettre, comme celles que Le Corbusier aimait tant écrire et le ton d'une liberté totale, propre aux artistes. Chacun des contributeurs a réalisé un dessin original en hommage à Le Corbusier.
    Le dessein du livre que nous proposons est de s'approcher de ce personnage si complet, si complexe, au travers de lettres dont les auteurs expriment ce qu'ils retiennent, rejettent, admirent, repoussent des principes et des projets de Le Corbusier. Ses audaces, son avance sur son temps et sur les autres, son penchant à communiquer dans tous les sens méritent d'être commentés, décryptés, encensés ou critiqués.
    En hommage à cet homme qui aimait l'écrit et s'exprimait régulièrement de cette manière, il était une évidence que nos contemporains s'adressent ainsi à lui à leur tour.
    Ces lettres sans réponse constituent un prolongement à la postérité de Le Corbusier.

  • Yann Kersalé

    Collectif

    Publiée à l'occasion de l'exposition URSULUMES à Quimperlé, cette monographie de Yann Kersalé propose une rétrospective complète de l'artiste, un parcours à travers tous les champs que recouvre son oeuvre : Expéditions, Paysages naturels et urbains; Architectures Objets.

  • Pardo é Papel

    Alexandre Maxwell

    Catalogue publié à l'occasion de l'exposition éponyme au macLYON.
    Maxwell Alexandre s'inspire de sa vie dans la favela Rocinha à Rio de Janeiro pour créer une oeuvre narrative, complexe et engagée, dans un Brésil en tension.
    Inspirées de la peinture murale, de la musique rap et de sa pratique du roller qui a profondément influencé sa perception de l'espace urbain, Maxwell Alexandre capte l'énergie de la ville. Ses oeuvres représentent le collectif et soulèvent de nombreuses problématiques sociales, culturelles et politiques.
    Sur différents supports comme du papier brun, des portes et des cadres de fenêtres en fer, se dessinent des situations de la vie quotidienne dans lesquelles des groupes d'individus anonymes aux visages à peine esquissés circulent dans les rues et les ruelles de Rocinha, la plus grande favela de Rio de Janeiro.
    Le titre de l'ouvrage Pardo é Papel fait référence en portugais, à travers l'emploi du mot Pardo, aux teintes des peaux brunes qui furent largement associées à l'esclavage et au colonialisme. Pardo est ici amplifié par le papier kraft « Papel » qu'emploie à dessein Maxwell Alexandre pour incarner l'affirmation des communautés afro-descendantes.

  • Avec Workers, Philippe Chancel vient révéler l'existence de ces milliers d'ouvriers qui travaillent sans relâche à l'édification des métropoles de l'hyper-capitalisme aux Emirats arabes unis.
    Dubaï, Abu-Dhabi sont devenues en peu de temps les cités de la surenchère, du commerce et du luxe : plages, musées somptueux, galeries marchandes... un univers artificiel où l'irréel devient plus réel que le réel.
    Ce rêve possède un envers du décor où une armada de travailleurs indiens, philippins, chinois...triment sans interruption, traversant furtivement cette scène de façon invisible, sans consistance et sans histoires aussi. Un esclavage moderne dont les actualités ne parlent pas.
    Philippe Chancel pointe cette situation et nous offre la vision d'hommes saisis dans leur activité : sous le soleil, enturbannés de pièces de tissus, portant casquettes ou fichus afin de se protéger de la chaleur et de la poussière. Ces travailleurs n'ont aucun autre choix, cherchant les salaires là où ils se trouvent, acceptant, en victimes consentantes, les conditions d'un travail asservissant.
    La magie de Philippe Chancel fait qu'on hésite, on ne sait pas qui sont ces hommes exactement : leurs tenues laissent un instant supposer que ces workers sont tout autant de possibles émeutiers prêts à renverser un ordre finalement précaire que de simples ouvriers...

  • Christian Ghion

    Barbara Poirette

    Après sa rencontre avec Andrée Putman - qui deviendra « sa bonne fée -, Christian Ghion devient, quelques années plus tard, l'élève de Philippe Starck. L'aura de ses confrères et, surtout, son talent, sa créativité et son inventivité lui permettent de multiplier les collaborations avec les plus grands noms.
    De prestigieuses maisons de mobilier et d'objets éditent ses créations (Capellini, Sawaya & Moroni, X.O.), tandis que de nombreuses personnalités internationales le choisissent pour réaliser leur décoration intérieure (Chantal Thomass, Jean-Charles de Castelbajac, Nicolas Feuillatte ; ou Pierre Gagnaire pour ses restaurants à Paris, Tokyo et Dubaï).
    Ce livre complète les publications sur le design par un apport spécifique sur le travail et la trajectoire originale de Christian Ghion.
    /> L'ouvrage propose une approche exhaustive et raisonnée du travail du designer dans ses différents domaines d'interventions (design d'objets, de mobilier, architecture et décoration d'intérieur), à partir du fonds documentaire, iconographique et des archives du créateur.

  • Ce catalogue monographique sera consacré aux dernières réalisations de l'artiste Nathalie Talec (photographies, céramiques, installations, sculptures et dessins) à l'occasion de 2 expositions : l'une au musée des beaux-arts d'Amiens, l'autre au FRAC Franche Comté.

    L'artiste Nathalie Talec est née en 1960.

    Son travail montre le portrait d'une artiste / explorateur. L'exploration des régions polaires (découverte, arpentage, cartographie et système de survie en conditions extrêmes) comme métaphore de l'art ou la quête de l'absolu et de l'élémentaire.

    Le froid, ses modes d'apparitions (la glace, la neige, les flocons...) et ses histoires et mythologies, mais aussi la vapeur d'eau, la condensation sont pour Nathalie Talec depuis une trentaine d'année un outil de situation dans le monde, d'analyse et de localisation. De réflexion métaphysique.

    L'auteur du catalogue sera la Conservatrice du Patrimoine, Jeanne Brun.

  • Depuis plus de cinquante ans, la photographie de mode ne cesse de redéfinir les canons de la beauté féminine. Devenue l'une des cultures visuelles parmi les plus partagées au monde, cet art du portrait spécifique à la publicité et aux magazines de mode n'a jamais laissé la création contemporaine indifférente.

    Le catalogue " COVER GIRL " édité à l'occasion de l'exposition éponyme à la Galerie des Galeries (janvier - mars 2011) présente une dizaine d'oeuvres qui jettent toutes un regard décalé sur l'esthétique de la " belle femme " ordinairement véhiculé par l'univers de la mode.

    Les oeuvres présentées appartiennent à trois catégories différentes : celles qui ont été directement inspirées par la photographie de mode (Alex Katz, Juan Francisco Casas) ; celles qui détournent son langage spécifique pour élaborer un discours social ou politique critique (Joséphine Meckseper, Martha Rosler, General Idea, Michel Journiac, Claude Closky) ; et, enfin, celles qui l'utilisent comme s'il s'agissait d'un immense répertoire de formes poétiques (Hans-Peter Feldmann, Marlo Pascual, Rebecca Bournigault).

    L'exposition " COVER GIRL " présentera également une sélection inédite de couvertures de magazines édités par les Galeries Lafayette entre 1906 et 1968.

    Artistes présentés : Alex Katz, Claude Closky, General Idea, Hans-Peter Feldmann, Hsia-Fei Chang, Joséphine Meckseper, Juan Francisco Casas, Marlo Pascual, Martha Rosler, Michel Journiac, Rebecca Bournigault

  • Depuis bientôt quarante ans, l'oeuvre de Christian Bonnefoi occupe une place extrêmement singulière dans le champ de la peinture et, plus généralement, dans l'histoire de l'art contemporain. Il développe, un langage pictural à part, entre peinture, dessin, collage et montage, mêlant les formes et troublant les repères.
    Son travail se caractérise par une pratique singulière du collage dont l'assemblage produit une surface qui devient l'objet même de l'oeuvre sans aucune figuration, suggestion ou narration : une manière d'insister sur l'importance de la démarche, du travail de composition sur le résultat final. L'artiste situe l'origine de sa démarche artistique lors de la découverte des « Dos » de Matisse présentés en 1970 à Paris au Grand Palais lors de l'exposition « Henri Matisse, l'exposition du centenaire » d'où sortiront ses premiers Dos quatre ans plus tard. Ce thème ponctue son oeuvre depuis lors.
    L'édition limitée est accompagnée d'une sérigraphie originale spécialement réalisée pour ce catalogue par Christian Bonnefoi, éditée à 50 exemplaires signés et numérotés.

  • Ce 18e volume de la collection " Les Cahiers ", a été entièrement créé par le designer anglais Jasper Morrison (textes, photographies et mise en page).
    Dans ce livre le designer nous fait découvrir l'intérieur du musée des arts décoratifs de Bordeaux (situé dans l'ancien hôtel de Lalande) qui abrite des collections d'objets exceptionnels des XVIIe et XVIIIe siècles avec lesquels Jasper Morrison fait " dialoguer " habilement plusieurs de ses créations emblématiques de ces dernières années :
    -la lampe Glo-Ball (1999), suspendue dans l'escalier de l'hôtel de Lalande, telle une lanterne XVIIIe siècle ;
    -un ensemble de Basel Chair (2008), autour de la table de salle à manger Empire ;
    -la Pipe Chair (2008) à côté d'un cabinet précieux hollandais du XVIIe siècle...
    Les textes sont écrits par Jasper Morrison à partir des oeuvres du musée dont il raconte l'histoire, remaniée à la façon d'un épisode romantique...
    Ce livre montrera aussi la très intéressante proximité d'objets anciens des collections du musée des arts décoratifs de Bordeaux avec les créations de Jasper Morrison aux lignes " supernormal[es] " qui dialoguent ensemble, avec trois siècles de distance, dans la plus parfaite harmonie.

  • Jean-Luc Moulène, artiste polymorphe et acteur de la scène artistique contemporaine, considère la photographie comme un objet d'étude des phénomènes naturels et culturels, tels qu'ils ont été redéfinis par notre société contemporaine et post-industrielle.
    « L'idée d'arrêt de travail est une bonne métaphore pour parler de ce que je fais : je suis celui qui arrête les choses, qui concrétise l'image. » Il était une fois est le dernier volume de la trilogie éditée sur l'artiste, à l'occasion de trois grandes expositions, en France, en Allemagne et à Rome en ce printemps 2015, à la Villa Médicis.
    Dans ce lieu prestigieux, l'exposition qui présente le travail de Jean-Luc Moulène entre 1977 et 2015 ancre le contemporain dans une relation approfondie au passé.
    Le texte d'Eric de Chassey, directeur de la Villa Médicis présente l'ensemble des pièces exposées et nous invite à en découvrir le sens et la portée.
    Il était une fois n'ouvre pas un récit qui nous serait extérieur mais une possibilité de changement.

  • Les oeuvres de l'artiste coréen Lee Ufan ont la propriété, exceptionnelle aujourd'hui, d'appeler à une contemplation hors du temps. Ses formes sont épurées à l'extrême.
    Ses peintures, larges ponctuations colorées, leurs proportions par rapport à la toile, leur densité et les nuances suscitent des sensations diverses, mais demandent que l'on prenne le temps de les regarder, de se laisser toucher par elles et découvrir ainsi l'équilibre qui s'établit entre les formes et le vide de la toile. Tout est silence, lumière, immobilité dans ses oeuvres. Ses sculptures offrent les mêmes sensations, mêlant le métal, le verre et la pierre.
    Lee Ufan ne cherche pas à opposer les matériaux mais, à l'inverse, désire créer une entente entre eux. Ces oeuvres portent le terme générique de Relatum, cette relation qu'il veut établir entre les matériaux, au-delà de leurs différences, et avec le monde extérieur.
    L'artiste invite le spectateur à engager un dialogue silencieux et serein avec ses oeuvres. Après un séjour au Couvent de la Tourette, l'artiste s'est imprégné de l'esprit de ce lieu habité et de l'architecture de Le Corbusier. Il propose un ensemble d'oeuvres qu'il met en relation avec l'architecture du couvent, suscitant un nouveau dialogue dans la continuité des ceux créés par les précédents artistes invités à La Tourette, dont François Morellet et Anish Kapoor.

  • Ce nouveau volume de la collection " Les Cahiers " présente l'histoire du siège Anneau, dernière création de Pierre Paulin démarrée avec Ligne Roset peu de temps avant sa disparition en juin 2009.

    Ce livre vient rendre un hommage au designer à l'immense talent, au précurseur de nouvelles formes, à cet esprit étonnamment jeune à quatre-vingt ans passé. " Paulin a toujours souhaité que ses créations soient mises au service du plus grand nombre, pour le plaisir esthétique et sensuel de tous " rappelle Michel Roset dans sa préface. Le siège Anneau vient de façon éclatante nous le rappeler.

  • Quinze années de créations dans la céramique contemporaine par une soixantaine de créateurs internationaux ayant collaboré avec le Craft (Centre de recherche sur les arts du feu et de la terre, Limoges) : Ron Arad, Frédéric Borel, Pierre Charpin, Matali Crasset, Wim Delvoye, Christelle Familiari, Philippe Favier, Olivier Gagnère, Eric Jourdan, Ross Lovegrove, David Lynch, Ingo Maurer, Mathieu Mercier, Javier Perez, Georges Sowden, Martin Szekely... Préface de Raymond Guidot et Nestor Perkal, textes (français et anglais) de Jeanne Quéheillard et Laurence Salmon.

  • L'origine du projet.
    À l'automne 2016, sera inauguré le premier musée Camille Claudel à Nogent-sur-Seine, ville où Camille vécut avec sa famille une partie de son adolescence et où elle rencontra le sculpteur Alfred Boucher qui la présenta plus tard à Auguste Rodin, son maître et grand amour. Ce musée présentera le fonds le plus conséquent au plan mondial. C'est cet événement qui est à l'origine de notre projet.

    Un livre comme les autres ?
    Beaucoup de travaux ont été consacrés à Camille Claudel par des historiens connaisseurs de l'art de la fin du XIXe siècle, des hommages lui ont été rendus un peu partout, mais elle fait aujourd'hui l'objet d'une réhabilitation passionnée. Et voilà le premier livre qui croise les regards et les points de vue dans l'esprit de la collection « Cher... » : une lettre accompagnée d'une image à destination de cette artiste que l'actualité met dans la lumière.
    Les 18 contributeurs viennent de tous horizons :
    Cinéaste, artiste plasticien, fondeur en chocolat, écrivain, musicien, etc. Tous disent l'écho de l'oeuvre de Camille et de sa personnalité dans leur propre création.Tous évoquent avec quelle pudeur et émotion ils se sont emparés du projet : écrire à Camille.

    Ces lettres sans réponse constituent un prolongement à la postérité de Camille Claudel.

  • Retour sur 10 années d'intuition et d'énergie pure !
    Dans les années 80, FRIGO a été un des groupes emblématiques de la culture alternative en Europe, et ça se passait à Lyon !
    FRIGO est à la fois le nom d'un lieu, d'un concept et d'un collectif d'artistes. Le collectif FRIGO tire son nom de la chambre froide d'une ancienne fromagerie lyonnaise qui hébergeait ses activités dans les années 80. Pendant 10 ans, FRIGO développe une intense production artistique dans tous les champs : radio libre (Bellevue 95.8), musique, scénographie, graphisme, installation, performance, expositions, photo, etc.
    FRIGO installe des m3 d'eau à Beaubourg et parvient à faire fermer le Musée d'Art Moderne à l'issue d'une performance, invente une TV pirate, remodèle les studios de TF1, écrit l'Avis de Décès du Théâtre National Populaire, roule une pierre de cinq tonnes jusqu'en Inde, invite Michael Nyman, filme Hermann Nitsch, Paul McCarthy, fait du Potlatch à Hambourg, est à la Documenta 8, à Ars Electronica à Linz en Autriche... Et s'arrête à peu près en 1989, au moment précis où chute un mur à Berlin et où l'exposition « Magiciens de la terre » atterrit à Paris.

  • Ce catalogue est consacré à la dernière installation PHARES de l'artiste Milène Guermont sur la Place de la Concorde en lien direct avec la COP21.
    L'oeuvre PHARES dialogue avec l'Obélisque de la Concorde, le plus ancien monument de Paris, sur cette place où eut lieu en 1843 le premier essai d'éclairage public au monde. Cette installation monumentale et lumineuse entre en interaction avec le public en clignotant au rythme des battements de coeur de chaque personne.

  • Pour ce 26e volume de la collection " Les Cahiers " nous vous invitons à découvrir l'univers poétique, artistique et hautement technique de la manufacture Pleyel qui a ouvert ses portes à l'un des plus grands designers contemporains italien : Michele De Lucchi. Une rencontre entre la manufacture au savoir-faire bicentenaire et ce grand designer italien pour créer des objets d'exception : un piano, bien évidemment, mais, " au-delà du piano ", une ligne inédite et originale de mobilier d'exception.
    Riche de plus de 200 ans d'histoire, la Manufacture Pleyel, établie à Saint-Denis (93), est une entreprise labellisée " Entreprise du patrimoine vivant " depuis 2008. Elle est la plus ancienne manufacture de pianos au monde et l'unique en France, avec des savoir-faire rares aujourd'hui déclinés sur de la fabrication de mobiliers d'exception, réalisés dans le cadre de commandes spéciales ou d'édition.

    Dès le début, bois, cintrage, sculpture, laque ont inspiré Michele de Lucchi tout autant que l'histoire et la culture de la Manufacture Pleyel. Le piano, ce précieux instrument que le designer imagine posé sur " des tréteaux ou des chevalets " pour mieux le mettre en valeur et le scénariser. Les arêtes et les lignes sont arrondies, les courbes s'expriment grâce à l'exceptionnelle maîtrise du bois sculpté et cintré. Pieds, lyre, porte-partition semblent en flottaison, grâce à un style aérien et fluide, renforcé par le parti-pris de les créer en bois massif naturel par contraste avec le corps en laque noire de la partie instrumentale.
    Michele De Lucchi a travaillé à partir des différents métiers de la Manufacture Pleyel - l'ébénisterie de qualité, la laque, le vernis - pour créer une ligne de mobilier d'exception qui démarque Pleyel des autres fabricants-éditeurs. Il a imaginé des cabinets-vitrine pour des collectionneurs, des galeristes, des musées, des amateurs exigeants en recherche d'exception, pour exposer des oeuvres d'art et des objets précieux.

  • Sur une idée originale de la styliste agnès b., l'artiste français de renommée internationale Claude Lévêque présentera du 21 juin au 20 août 2011 dans l'espace de la Galerie des Galeries, aux Galeries Lafayette : « Hymne à la joie », une installation inédite.
    Claude Lévêque prend en compte l'atmosphère sensorielle des lieux qu'il s'apprête à métamorphoser. C'est avec le son et la lumière notamment, éléments que l'artiste considère comme primordiaux pour véhiculer des sensations, qu'il transformera l'espace de la Galerie des Galeries. Avec une économie de moyens, Claude Lévêque créera les conditions d'un nouveau lieu commun. Le titre « Hymne à la joie » fait évidemment référence à la neuvième symphonie de Ludwig van Beethoven.
    Pour en savoir plus, il faudra venir découvrir l'exposition : ce qui importe dans les installations de Claude Lévêque, c'est de vivre avec elle, de les laisser vivre en soi. L'installation immergera le spectateur dans une ambiance forte, elle suscitera la participation libre, physique et réelle des visiteurs qui seront amenés à déambuler dans l'espace et à s'extraire de la réalité. Le spectateur pénétrera dans un nouvel univers où émotions, mémoire(s) collective(s) et vécus seront sollicités

  • Deux grandes manufactures françaises Sèvres - Cité de la Céramique et Baccarat ont de concert mis à la disposition de Michele De Lucchi leur savoir-faire, leur histoire respective et leurs compétences pour produire simultanément, l'une en porcelaine de pâte dure, l'autre en cristal taillé, trois formes de coupes sur pied, nées de l'imagination de l'architecte milanais. Ce nouveau " Cahier " retrace les étapes de production au sein des deux manufactures.

    Fortes de leur collaboration avec de grands designers contemporains, dans une même approche de perfection, les deux célèbres maisons ont décidé de mener ensemble cette réalisation inédite. Elles révèlent une exceptionnelle collection Le Coppe della filosofia, composée de coupes sur pied réalisées dans une variante de matières où la dextérité du geste et du souffle est particulièrement présente.

    La Coppa dell'etica est plate et ample, La Coppa della mistica haute et affinée, La Coppa dell'estetica, matrice originelle du projet en est la synthèse. Chaque coupe est en élévation, comme autant de lévitations ou de méditations spirituelles.

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