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El Viso
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Maximilien Luce : L'instinct du paysage
Marina Ferretti-Bocquillon, Jeanne-Marie David, Anne-sophie Aguilar, Adélaïde Lacotte, Aurore Janson, Romane Ottoviano, Fanny De Lepineau
- El Viso
- 27 Mars 2025
- 9788412949407
Pionnier du néo-impressionnisme, pilier des milieux anar chistes et libertaires, Maximilien Luce (1858-1941) a marqué son époque par un engagement artistique et politique pro fond. Peintre des paysages urbains et ruraux et de la condi tion humaine, il a su capturer les transformations sociales et industrielles de son temps avec une sensibilité unique.
Outre le caractère humaniste qui fait battre le coeur de l'homme et singularise son oeuvre toute entière, le paysage est l'autre dominante qui anima sa peinture au long de sa vie. Luce se saisit de la lumière et de la couleur, dévoilant la beauté des paysages urbains et ruraux avec une sensibilité sociale persistante. -
Nouv.
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Géricault - Volume 1 Folies guerrières, démences coloniales
Bruno Chenique
- El Viso
- 5 Décembre 2024
- 9788412674651
Ouvrage rédigé par Bruno Chenique, docteur en histoire de l'art, sur la vie artistique de Théodore Géricault (1791-1824), laquelle s'appuie sur une analyse politique de la société au service de la fraternité des peuples.
Cet ouvrage nous permet de découvrir, à travers les analyses de Bruno Chenique, comment toute la vie artistique de Théodore Géricault (1791-1824) repose sur une analyse politique originale de la vie quotidienne de ses concitoyens comme des grands équilibres européens et mondiaux : les guerres fratricides de Napoléon et ses défaites (Campagne d'Égypte, expédition de Saint-Domingue, Waterloo), la Traite des Noirs, le colonialisme et ses conséquences (illustrées par le Radeau de la Méduse), les révolutions européennes et sud-américaines, les méfaits de la révolution industrielle à Londres. Autrement dit les souffrances du peuple, la folie du monde. En cela Géricault est le parfait représentant du Romantisme politique. Né pendant la Révolution, il est un acteur essentiel de cette nouvelle génération, évoluant dans une famille royaliste et républicaine (son oncle a voté la mort de Louis XVI), qui décida de faire de son art un engagement esthétique et politique au service de la fraternité des peuples. Grâce aux à Bruno Chenique, on découvre la vision prophétique de Géricault sur la société, le racisme et le colonialisme, anticipant de deux siècles les combats actuels. Ces luttes trouvent aujourd'hui tout leur écho au sein des débats qui animent notre société. -
De son vivant déjà, John Singer Sargent a été reconnu comme " le plus grand portraitiste de l'ère contemporaine ". Près d'un siècle après sa mort en 1925, ses portraits restent d'une merveilleuse expressivité et continuent de nous éblouir par leur vivacité d'exécution.
Les portraits de Sargent (1856-1925), jugés si peu conventionnels à leur époque, souvent considérés comme progressistes voire " excentriques ", notamment pour leurs choix de sujet ou leur style d'exécution, nous frappent aujourd'hui par leur modernité et leur expressivité. Ils furent néanmoins extrêmement appréciés, à tel point qu'être représenté dans un de ses portraits était considéré comme le summum de la réussite et de la célébrité.
Il se consacre également à l'études de paysages et aux portraits de ses proches, à l'huile ou à l'aquarelle, comme avec son ami Claude Monet, à Giverny. Ces oeuvres, plus personnelles, connurent également un grand succès.
Tout comme Joaquin Sorolla, dont il fut l'ami, Sargent est aujourd'hui considéré comme l'un des peintres les plus représentatifs des avant-gardes esthétiques du XXe siècle. -
À travers un ensemble particulièrement riche de sculptures, peintures, imprimés, céramiques et objets d'art de la Renaissance, cet ouvrage propose une exploration de cette période insigne qui a ouvert pour l'Europe les portes de la modernité.
Qu'est-ce que la Renaissance ? Un courant novateur qui conditionne pendant plus de deux siècles les enjeux de sociétés en mutation ? Une conscience de renouveau portée par une réflexion sur l'Homme et le monde ? Un simple retour aux sources, une régénération ? Telle une créature polymorphe, la Renaissance renvoie à toutes ces tendances.
Née en Toscane avec les artistes dits " primitifs ", au tournant du XIVe siècle, elle rayonne irrésistiblement vers la France dès le XVe siècle, puis en Espagne et en Europe du Nord. Des tendances communes se font jour au sein de ces foyers de création, avec l'émergence de sujets inédits, pour certains empruntés à l'Antiquité alors redécouverte, ou le développement du paysage et du portrait, deux genres promis à un avenir fécond. Cet essor créatif s'accompagne d'un épanouissement de la pensée humaniste et d'une avancée des sciences sans précédent : c'est l'époque des grandes découvertes, des révolutions scientifiques et de l'invention de l'imprimerie.
Réunissant peintures, sculptures, livres imprimés, céramiques et objets d'art, " Renaissance. Portes de la modernité " souligne les profonds bouleversements historiques, intellectuels et artistiques de cette période si féconde. Un voyage entre les Flandres, l'Italie, et la France, en compagnie d'artistes aussi prestigieux que Léonard de Vinci, Sandro Botticelli ou encore Antoine Caron. L'occasion pour le MUDO-Musée de l'Oise de mettre en lumière des oeuvres non exposées depuis de nombreuses années, tout en célébrant sa propre renaissance. -
Le projet "GRAINY AMERICA" est une chronique photographique qui documente les traces du rêve américain au XXIe siècle.De l'Illinois à la Californie, Nicola Vigilanti construit son récit sur le mythe américain, ses effets sur la population et sur ses propres sentiments.
Road trip inspiré par des artistes aussi divers que l'écrivain Jack Kerouac, le chanteur et poète Jim Morrison, le cinéaste Wim Wenders, les photographes Robert Franck, Matt Black ou Alec Soth, le reportage de Nicola Vigilanti est fait d'instants aléatoires et accidentels dont la marque de fabrique est une photographie "imparfaite".
Pour son cinquième voyage aux États-Unis, de l'Illinois à la Californie, le photographe construit son récit sur le mythe américain, ses effets sur la population et sur ses propres sentiments.
C'est à la fois un voyage vers l'Autre, si loin et si proche, et une introspection qui entraîne une réflexion engagée. Le résultat de cette double approche est un document inédit sur l'Amérique d'aujourd'hui vue par un photographe contemporain aussi passionné que critique.
Inspiré par les paysages, les environnements et les personnages qu'il rencontre, tous si différents au fil des milliers de kilomètres qu'il parcourt, Nicola Vigilanti tente d'établir sa propre carte des États-Unis, en traitant les lieux et les personnes de manière minimale : pas de fioritures, ni de décors surchargés, pas d'actions impétueuses. Il reste au plus près de la réalité, écartant les couches qui nous empêcheraient de la percevoir et de la comprendre.
Les images, respectueuses de l'être humain, reflètent la contradiction d'une Amérique toujours prête à donner sa chance à chacun, tout en affirmant que l'échec est l'affaire de l'individu et non de la société dans son ensemble. -
L'Eau-forte, outil du peintre : De Parmesan à Tiepolo
Mael Vandewalle, Milena Glicenstein, Estelle Leutrat, Jean-Gerald Castex
- El Viso
- 27 Mars 2025
- 9788412861563
L'eau-forte, art singulier, technique de gravure si proche du dessin par son immédiateté, offrit, du XVIe au XVIIe siècle, de Parme à Venise, de Bologne à Rome, un espace de liberté incomparable pour les peintres de la Péninsule.
Ces chefs-d'oeuvre de l'eau-forte de la collection Edmond de Rothschild, conservée au musée du Louvre, rencontrent ici pour la première fois les trésors de la collection Mancel du musée des Beaux-Arts de Caen. Se trouvent ainsi réunies des feuilles exceptionnelles de Guido Reni, Carrache, Parmesan, Lorrain, Castiglione, Canaletto, Tiepolo, Piranèse, parmi bien d'autres.
Ce dialogue aussi fécond qu'exceptionnel éclaire l'histoire de la gravure et de la peinture en Italie d'une lumière nouvelle et nous permet de découvrir combien la technique de l'eau-forte fut un terrain d'expérimentation majeur. -
Nouv.
Les nouvelles pionnières, dans les ateliers de femmes artistes du XXIe siècle
Yves Michaud, Catherine Panchout
- El Viso
- 7 Mai 2025
- 9788412949421
Les femmes artistes longtemps ont lutté pour se défendre, se justifier, s'affirmer. Désormais, au XXIe siècle, elles font, elles existent, elles " bossent " et, librement, s'emparent de tous les matériaux, peinture, céramique, photo, mais aussi plastiques, métaux, pierres, béton, résines, tissus, objets du quotidien...
La photographe Catherine Panchout s'est glissée dans leur activité, sans mise en scène, et le philosophe et critique d'art Yves Michaud est allé lui aussi à leur rencontre pour " voir comment c'est fait et d'où vient ce qui apparaît ". De ce double regard est né ce livre dédié aux nouvelles Pionnières de l'art contemporain. -
Zurbaran : Réinventer un chef-d'oeuvre
Ludmila Virassamynaïken
- El Viso
- 28 Novembre 2024
- 9788412787733
Génie de la peinture, reconnu comme l'égal de son ami Vela'zquez, Zurbaran, surnommé le " Caravage espagnol " en raison de son utilisation magistrale du clair-obscur, est l'icône du " siècle d'or ", ce sommet de la peinture espagnole qui illumine le XVIIème siècle.
Né à Séville, Francisco De Zurbara'n (1598 - 1664) a trouvé sa muse dans la richesse culturelle de sa ville natale, pulsante de vie, d'histoire et d'une palpable spiritualité. Ses peintures religieuses de nonnes, moines et martyrs, ainsi que ses natures mortes, figurent parmi ses oeuvres les plus célèbres. En effet, qu'il s'agisse de sujets divins ou quotidiens, Zurbara'n capture sur la toile les merveilles du monde, en un profond mysticisme. Chacune de ses oeuvres dégage une force spirituelle unique qui le distingue de tout autre peintre du paysage espagnol.
Contemporain et ami de Diego Vélasquez, influencé par le réalisme de Caravage et ses disciples, il sera surnommé le " Caravage espagnol " en raison de son utilisation magistrale du clair-obscur.
" El Greco excepté, et peut-être Vela'zquez, dont il est l'égal, sinon supérieur, Zurbara'n dépasse tous les autres peintres espagnols. (...) La caractéristique de l'oeuvre de Zurbara'n est d'offrir tout ce que la peinture peut offrir de vérité humaine. (...) En général, Zurbara'n représente ses saints et ses moines dans la vie physique la plus concise, mais sanctifiée par de graves soucis spirituels ou le désir de s'approcher de Dieu. Il n'y a jamais chez lui de sentiment terrible. La mort elle-même n'a rien pour lui d'effroyable. " -; Christian Zervos dans le Catalogue de l'exposition du Grand Palais (1988) -
Nouv.
Antonin Katre, de l'urbex au post-graffiti : Art urbain, perspectives
Antoine Katre
- El Viso
- 15 Mai 2025
- 9788412861525
Katre est un artiste plasticien qui a marqué le champ de l'art urbain par l'originalité de sa démarche. Mêlant architecture et peinture, son travail permet de rendre visible des lieux abandonnés et d'amener une réflexion sur l'occupation des territoires en milieu urbain.
Katre est un artiste plasticien qui a marqué le champ de l'art urbain par l'originalité de sa démarche. Mêlant architecture et peinture, son travail permet de rendre visible des lieux abandonnés. Cette fascination pour les lieux en désuétude est une occasion pour Katre d'amener une réflexion sur l'occupation des territoires en milieu urbain. Sa réflexion est aussi marquée par l'absence humaine et la place des anciens lieux de production et de travail sur le territoire local. Avec ses facades extérieures immenses, son travail invite habitants, travailleurs, retraités, enfants et promeneurs à réagir, s'exprimer et faire parler les lieux en phase d'être oubliés (ou qui le sont parfois déjà).
Photographie, sérigraphie, bois, carton, verre, vieux plans, métaux, plexi, papier d'usine... les matériaux utilisés par Katre sont pour partie issus de récupérations in situ. Grâce à l'intervention plastique sur ses photos, Katre modifie les repères géométriques et les architectures, c'est une déstructuration graphique de ces lieux marqués eux-mêmes d'une déstructuration temporelle et climatique. En cela, son travail contribue à interroger le regard que l'on porte sur des lieux désaffectés, et participe à sa manière à documenter ces espaces, à les rendre vivants, à les immortaliser.
Katre s'inspire de ces espaces oubliés pour créer des dynamiques fortes contribuant à donner une impression de vitalité dans ces lieux pourtant partiellement détruits et vides. Ainsi, on peut retrouver sur certaines séries une lettre de couleur vive - souvent la lettre K de son nom - assimilable à des traits explosifs ou de vitesse. L'oeuvre finale, complexe, se caractérise par une composition dynamique et contrastée, les flashs de couleur se confondant avec les gravats et barres métalliques des lieux photographiés, eux bien réels. -
Bien plus vite qu'on ne l'imagine, Picasso a dominé son époque de son génie multiforme et du bruit qu'il en tira. À sa mort, tous les journaux parleront en choeur du " siècle de Picasso ". À défaut de pouvoir tout en dire, il importait de dégager des lignes de force ou de faiblesse. Stéphane Guégan le fait avec brio dans cet ouvrage richement illustré qui se lit comme un roman et s'admire comme un somptueux livre d'art.
Dans cet ouvrage passionnant, Stéphane Guégan renouvelle notre regard sur l'un des artistes les plus reconnus de tous les temps : Pablo Picasso. À travers une biographie artistique, il nous raconte son parcours de l'Espagne à la France, dans un langage accessible, au contenu rigoureusement étudié. Le lecteur pourra également découvrir ou redécouvrir 100 chefs-d'oeuvre de l'artiste provenant des plus grands musées du monde, pour certains déjà extrêmement célèbres, et d'autres pour lesquels ce livre permettra d'en apprécier toute la " nouveauté ". L'occasion de rendre hommage à la polyvalence de Pablo Picasso en présentant ses peintures, mais aussi ses sculptures, céramiques et autres objets artistiques.
Des photographies connues comme inattendues viennent compléter ce panorama dense, qui apporte sans nul doute un nouvel éclairage sur cet artiste de génie décédé il y a tout juste 50 ans. -
Mexica : Des dons et des dieux au templo mayor
Leonardo Lopez Lujan
- El Viso
- 4 Avril 2024
- 9788412674644
Cet ouvrage est le catalogue officiel de l'exposition Mexica, présentée au musée du Quai Branly - Jacques Chirac. Cette civilisation, longtemps confondue avec celle des Aztèques, est pour la première fois mise à l'honneur.
Cet ouvrage met en avant, pour la première fois, la civilisation Mexica, longtemps confondue avec celle des Aztèques. L'exposition du musée du quai Branly - Jacques Chirac, dont ce livre constitue le catalogue officiel, fait suite aux fouilles menées pendant plus de 40 ans au Templo Mayor de Tenochtitlan, en plein coeur de Mexico, ancienne capitale des Mexicas. Ces fouilles ont permis des découvertes archéologiques majeures, que présente cet ouvrage. Plus de 200 offrandes ont été exhumées, témoignage de l'importance de la religion chez les Mexicas, qui cherchaient à s'attirer les bonnes grâces des dieux, y compris par des sacrifices. Elles dévoilent aujourd'hui la richesse de cette civilisation, sa puissance non seulement économique mais également politique. Son étude et sa présentation au musée du quai Branly - Jacques Chirac révèlent une société dynamique, une qualité esthétique stupéfiante tout autant qu'un système de pensée symbolique passionnant et complexe. -
Sorolla est né à Valence, en Espagne ; il est le fils aîné d'un marchand, également nommé Joaquín Sorolla, et de son épouse, Concepción Bastida. Sa soeur Concha naît un an plus tard. En août 1865, leurs deux parents meurent et les enfants sont pris en charge par leur tante maternelle et leur oncle. Sorolla fut d'abord formé dans sa ville natale par Francisco Pradilla y Ortiz, puis en Italie et à Paris. Là, il subit l'influence des impressionnistes. À 18 ans, il s'établit à Madrid, étudiant les chefs d'oeuvre du Musée du Prado. À 22 ans, Sorolla obtint une bourse pour étudier la peinture à Rome. Il y développa son style et sa technique.
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À l'occasion d'une exposition au MAC VAL, à Vitry-sur-Seine, Nicolas Surlapierre interroge avec profondeur l'oeuvre de Najia Mehadji. Les poèmes de Camille Laurens et les notes d'atelier de l'artiste complètent cette approche avec sensibilité.
Ma double culture française et marocaine m'a ouverte au monde. L'art est sans frontières, il est diversité. Ma peinture est présence, rythme, immédiateté. Le pinceau me guide, pas la main ordonnatrice, car la peinture est d'abord un espace de liberté absolue.
La rose, c'est Éros et Thanatos. La fleur de l'amour, de l'éphémère, de l'offrande, du deuil ; mais aussi, de mon point de vue, une " étoile " du cosmos. La représentation d'une simple fleur peut signifier notre rapport au temps, à l'espace, à la vie, à la mort, à la sensation, au don.
Notes d'atelier, NAJIA MEHADJI -
Frida Kahlo. les chefs-d' oeuvre
Hector Tajonar, Roxana Valesquez
- El Viso
- 31 Août 2022
- 9788412346893
Cet ouvrage, au contenu inédit, varié, passionnant, constitue la meilleure introduction à l'oeuvre de l'artiste mexicaine Frida Kahlo. Il comprend une centaine de ses plus belles oeuvres, certaines célèbres et iconiques, d'autres provenant de collections privées rarement présentées au public.
Les textes qui accompagnent cette minutieuse sélection d'oeuvres présentent la trajectoire de Frida Kahlo depuis son enfance et fournissent de précieuses informations sur la personnalité charismatique de l'artiste, sa relation avec des célébrités de tous domaines et sa vision artistique exceptionnelle, influencée par les deux accidents qui conditionnèrent sa vie : la collision avec le tramway qui la rendit invalide et sa rencontre avec Diego Rivera. Le premier lui provoqua de terribles douleurs corporelles, tandis que le second lui causa une profonde souffrance intime. -
Dessins Alan Glass - Paris 1954-1962
Alejandro Jodorowsky, Pierre de Ligny Boudreau, Kristoffer Noheden, Nadine Orenstein, Abigail Susik
- El Viso
- 29 Août 2024
- 9788412787795
Les dessins de l'époque parisienne d'Alan Glass, longtemps crus perdus, ont été retrouvés miraculeusement près de soixante ans plus tard, en 2021. Ils montrent une facette unique de l'oeuvre de Glass, qui complète celle de ses " boîtes " et volumes, plus célèbres et tout aussi extraordinaires et troublants.
Alan Glass, jeune artiste canadien, né en 1932, quitte Montréal pour découvrir Paris en 1952. Avant d'être découvert et coopté par les surréalistes, André Breton et Benjamin Péret en tête, et après avoir survécu grâce à une bourse d'étudiant, il prend pour vivre - et même survivre - un petit travail qu'il a découvert grâce à une annonce : portier de nuit dans l'un des plus célèbre club de jazz de la capitale, le Club Saint-Germain-des-Prés,13 rue Saint-Benoît, où vont danser les célébrités ou futurs vedettes, sur les airs de Lester Young, Miles Davis et autres géants du jazz.
Voilà comment de faccon totalement surréaliste va débuter une véritable épopée de stylo Bic sur fond de jazz et de calvados. Car le jeune Alan Glass, pour se donner du courage et faire face au célébrités comme aux anonymes qui veulent à tout prix entrer au Club, a pris l'habitude de s'arrêter de bar en bar et d'enchaîner sur le chemin qui le mène au travail un calvados après l'autre, que les employés du club continuent de lui offrir avec sympathie sur la réserve du lieu. Mais cette atmosphère de musique folle, d'alcool et de fête ne l'empêchera pas de dessiner sans arrêt, uniquement au stylo Bic, derrière son guichet. Ce seront des centaines de dessins, exécutés de faccon " automatique ", sans quasiment lever la pointe de la feuille. Comme le dit son ami Alejandro Jodorowski, le stylo à bille est l'instrument qui interpose le moins d'obstacle entre l'impulsion et l'action. Il s'agit d'aller plus vite que la conscience.
Ces dessins sont si riches, si évocateurs d'autres dimensions médiumniques, qu'André Breton et Benjamin Péret vont organiser au jeune peintre une exposition à la galerie Le Terrain vague, en 1958, qui sera un vrai succès.
Ces dessins de l'époque parisienne, longtemps crus perdus, retrouvés miraculeusement près de soixante ans plus tard, en 2021, ont enfin pu être édités. Ils montrent une facette unique de l'oeuvre de Glass, qui complète celle de ses " boîtes " et volumes, plus célèbres et tout aussi extraordinaires et troublants. -
Promenade dans la Galerie du temps
Jean-christophe Piot, Annabelle Ténèze
- El Viso
- 2 Janvier 2025
- 9788412861532
Le Louvre-Lens présente, sur un immense espace de plus de 3 000 m2, un renouvellement complet de ses plus de 200 chefs-d'oeuvres : un panorama unique et totalement nouveau des merveilles de l'art sur trois millénaires, à travers toutes les cultures et civilisations.
La Galerie du temps est le coeur du Louvre-Lens, un espace saisissant, lumineux, qui se dévoile quand on embrasse du regard ce concept unique au monde : une longue galerie qui s'étend
sur 120 mètres de long, en légère pente, peuplée de ses plus de 200 chefs-d'oeuvre. 6 000 ans d'art, d'histoire et d'humanité à
parcourir à sa guise, à son pas, librement. -
Oeuvres reconnues et inédites du peintre Gustave Moreau, qui utilise le Moyen Âge comme source d'inspiration. Il s'en imprègne pour faire revivre animaux fantastiques, tournois chevaleresques ou encore motifs décoratifs de l'époque.
Exposition "Gustave Moreau. Le Moyen Âge retrouvé" du 15 novembre 2023 au 12 février 2024 au musée Gustave Moreau.
On imagine mal à quel point le Moyen Âge fut méprisé par le passé ni comment le XIXe siècle le remit à l'honneur, au point d'en faire une véritable mode. Mais ce qui nous étonne tout autant, c'est combien Gustave Moreau, que l'on a souvent présenté comme un artiste solitaire à l'écart des courants, se passionna pour cette époque et participa à sa résurrection. Il fallait pour découvrir cet aspect de sa personnalité se plonger dans ses archives autant que dans son oeuvre, retrouver les traces de ses recherches méticuleuses dans les musées et les bibliothèques. C'est là en effet qu'il nourrit son inspiration et commença de réinventer et surtout de « rêver »non pas un mais de multiples Moyen Âge, qui allaient traverser et transcender tout son oeuvre.
Cet ouvrage magnifiquement illustré et documenté permet, dans une enquête artistique passionnante, de retracer les origines de la passion de Gustave Moreau pour le Moyen Âge. Il éclaire d'une nouvelle manière ce peintre de génie qui continue, de Huysmans aux surréalistes, de nous fasciner par la puissance de son imagination. -
Vasarely disait d'Auguste Herbin qu'il était " un Dieu ". Ce livre permet de comprendre l'admiration immense qu'Herbin suscita dès ses débuts dans le monde de la peinture depuis son époque fauve, puis cubiste jusqu'à l'abstraction pure. Une découverte magsitrale.
Le peintre Auguste Herbin (1882-1960) est le secret le mieux gardé de l'aventure de l'art moderne. Il prit une part active à toutes les ruptures créatives du XXème siècle. Il fut parmi les premiers à emboiter le pas du fauvisme flamboyant, dès 1905. Au Salon des indépendants de 1908 il est à l'avant-poste de l'ébullition autour du cubisme cézanien. En 1909 il s'installe pour une décennie au Bateau-Lavoir et voisine avec Picasso, Max Jacob, Apollinaire. Après une évolution intérieure singulière ponctuée par une volte-face réaliste parmi les plus captivante dans ce qu'il est convenu d'appeler le retour à l'ordre, il devient dans la France de l'entre-deux guerres le pionnier et le promoteur d'une abstraction pure, chargée d'humanité et d'une exceptionnelle clarté.
L'influence d'Auguste Herbin perdure et s'amplifie dans la seconde moitié du XXème siècle. Son ultime langage pictural consiste en un alphabet plastique, un esperanto radicalement débarrassé de l'objet, qui l'aide à affirmer une liberté souveraine.
Auguste Herbin qui retrouve une nouvelle jeunesse est alors l'aîné de l'écurie de la jeune galeriste Denise René et devient un mentor pour les futurs maîtres de l'abstraction géométrique et de l'Op Art et ce, de l'Europe à l'Amérique du Sud. Victor Vasarely, comme beaucoup, peut alors affirmer qu'Auguste Herbin est „un Dieu".
Le Musée de Montmartre Jardins Renoir est le premier musée parisien à organiser une rétrospective d'Auguste Herbin, dans la ville où il créa toute sa vie. -
Historienne de l'art de réputation internationale, Lydia Harambourg est la plus grande spécialiste actuelle de la seconde École de Paris. Elle a écrit de très nombreux ouvrages sur la peinture des XIXe et XXe siècles, consacrant des monographies à des artistes aussi divers et importants que Bernard Buffet, Olivier Debré, Georges Mathieu ou Geneviève Asse, parmi bien d'autres. Lydia Harambourg est également commissaire d'expositions.
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À travers cent cinquante tableaux et dessins réalisés sur quatre cents ans, une collection franccaise privée remarquable et " mystérieuse " propose un parcours mettant en regard art ancien et art moderne et contemporain.
Face à des artistes anciens (Charles de La Fosse, Charles Le Brun, Hubert Robert) sont montrés des artistes des xixe et xxe siècles, parmi lesquels Boilly, Delacroix, Devéria, Ingres, Chassériau, avec un ensemble de peintres d'histoire de la fin du xixe siècle.
Le xxe siècle comporte des oeuvres d'artistes reconnus (Denis, Villon, Matisse, Balthus, Dufy) et un ensemble d'oeuvres abstraites autour de 1950 (Bazaine, Hartung, Atlan), à côté d'autres soigneusement choisies d'artistes à redécouvrir.
Sont exploitées certaines pistes hors courant : dessins de presse, caricatures. Ces oeuvres en majorité inédites invitent au dialogue entre les époques et entre les artistes et privilégient la curiosité, propre du collectionneur.
Il s'agit d'un ouvrage original autant par l'anonymat que souhaite conserver le collectionneur que par sa conception : une mise en perspective de quatre siècles d'art, un texte que les oeuvres viennent illustrer, entièrement écrit par ce collectionneur, auteur " unique " de l'ouvrage, aussi bien par les oeuvres de sa collection que par ce qu'il en dit et en écrit. -
La meilleure introduction au système de pensées et de connaissances des populations aborigènes d'Australie. Une immersion poétique et anthropologique.
Le mot "Songline" renvoie à un système de connaissances propre aux populations autochtones d'Australie. Des histoires inscrites au coeur des territoires y consignent les savoirs écologiques, cosmologiques, topographiques et sociaux nécessaires au développement durable des sociétés.
Explorant les songlines de trois régions du centre et de l'ouest de l'Australie, toutes liées à l'histoire fondatrice des Sept Soeurs, cet ouvrage retrace des pans de ce récit d'envergure universelle, tel que souhaitent le transmettre aux jeunes générations les aînés de ces communautés aborigènes.
Les Soeurs et leur implacable poursuivant, un sorcier aux multiples visages, se révèlent ainsi dans une narration sensorielle. Elles apparaissent et disparaissent continuellement dans les paysages, à l'intérieur des sources, dans les collines, les rochers, les arbres - et jusque dans les étoiles qui nous surplombent. -
Un témoignage hors du commun sur l'amitié de deux peintres qui nous montre la manière dont ils s'enrichissent mutuellement.
Vincent Bebert, né en 1980, fait partie des rares peintres qui, sans tapage, " font leur chemin ". Le monde du dehors et la nature lui apparaissent comme des défis à relever et il n'hésite pas à emporter ses " outils de travail ", châssis, toiles, peinture et pinceaux au cours de ses voyages. Plusieurs galeries et centres d'art lui ont consacré des expositions personnelles, notamment la galerie L'Oeil Écoute à Lyon. Les échanges entretenus avec ses aînés l'ont également nourri, et notamment sa rencontre avec Alexandre Hollan il y a bientôt 20 ans. Né en 1933, Alexandre Hollan est un peintre d'origine hongroise, né à Budapest. Il explore principalement deux sujets artistiques : celui de l'arbre et celui des natures mortes, préférant les désigner comme des " vies silencieuses ". Ce témoignage hors du commun sur l'amitié de deux peintres, que presque un demi-siècle sépare, nous montre la manière dont ils s'enrichissent mutuellement. -
Najah Albukaï, 51 ans, est un dessinateur, graveur et peintre syrien. En 2012, il est professeur à l'Ecole des beaux-arts de Damas lorsqu'en juillet il est arrêté par les autorités, et transféré au redouté Centre 227 de renseignements militaires. Son crime ? Avoir exprimé, pacifiquement, au sein de l'université puis dans la rue, son aspiration à la liberté et à la démocratie. Un mois plus tard, après trente jours de torture dans des conditions de détention inexprimables et treize kilos en moins, il est libéré. Sa femme a pu soudoyer un fonctionnaire du régime.
Mais dans le système de Bachar Al-Assad, être libéré de prison ne signifie pas être libre. Pendant trois ans, il reste sous le feu et dans la peur permanente des bombardements, des tirs de roquette, des attaques aériennes. Il se sait toujours recherché, le danger se rapproche, il décide alors de fuir par la frontière libanaise. Il est arrêté le 3 septembre 2014, retourne au centre 227, est ensuite transféré dans une autre prison, celle-ci de droit commun. Pendant plus de 10 mois de nouveau la torture, de nouveau des conditions de réclusion qu'on n'imagine même pas pour des animaux.
Une fois sorti de geôle, toujours sous le coup permanent d'une nouvelle arrestation, Najah entreprend grâce à son épouse et le soutien de proches, notamment ses frères installés en France et au Koweït, de réunir 18 000 euros grâce auxquels un juge corrompu accepte d'effacer son nom des listes. Et c'est ainsi que le 3 octobre 2015 il franchit la frontière avec le Liban, et deux mois plus tard atterit en France, en Vendée. Aujourd'hui, il vit dans une HLM de l'Essonne.
Lorsqu'en prison il partage 15 m2 avec 70 co-détenus, subit le supplice de la chaise allemande, vit au milieu des corps démembrés et charrie les cadavres, lorsqu'il découvre la liberté au moment de fouler le sol libanais, jamais il ne renonce à dessiner. Najah a noirci des milliers de feuilles, même au stylo bille, pour raconter, pour exorciser. Pour témoigner.
?
Ce livre douloureux mais essentiel est le témoignage graphique le plus vrai sur les prisons du régime syrien.
