Cette exposition rassemble des artistes contemporains originaires de Manille : P. Anading, A. Bandoy, B. Camacho, V. Cavestany, L. Cobangbang, L. Cordero, M. Cruz, G. Damag, K. De Guia, D. Fernandez, A. Flores, D. Gadia, D. Griggs, R. Langenegger, etc. Elle reflète la diversité de leurs approches artistiques et de leurs réactions aux changements matériels et culturels en cours dans la capitale.

À la veille de son 90 e anniversaire, Jacques Villeglé investit la salle centrale du Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole pour une exposition exceptionnelle intitulée Mémoires. Les liens de Villeglé avec la littérature, mais aussi avec l'histoire, ne sont plus à démontrer chez ce « cueilleur » pétri d'humanité. Mémoires fait bien évidemment référence, entre autres, aux célèbres affiches déchirées, décrites comme « mémoire lacérée ». Au-delà de ce « lacéré anonyme » dont Villeglé s'est souvent présenté comme le metteur en scène, l'exposition déploie les multiples facettes de la pratique de détournement dont il est friand. Sous son pinceau, un alphabet socio-politique, composé de lettres métamorphosées par l'ajout de symboles qui nous viennent des passés les plus lointains, des civilisations les plus diverses, accompagne l'évocation de figures emblématiques auxquelles il est attaché, comme Victor Segalen. Avec L'or du temps, superbement calligraphié, il souligne l'emprunt de Breton à Rimbaud.
Dans l'exposition, les textes illustrent la fascination pour la typographie que Villeglé partage avec les artistes des avant-gardes des années 30. Comme eux, il sait que « la simplicité des caractères alphabétiques » permet « de construire une oeuvre plastique ».
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Au cours de l'été 2016, la maison rouge donne carte blanche au jeune artiste français Nicolas Darrot (né en 1972 au Havre).
L'artiste et la fondation Antoine de Galbert entretiennent des liens de longue date : Nicolas Darrot a déjà été invité en 2006 à investir le patio de la maison rouge et Antoine de Galbert le collectionne depuis plus de 10 ans.
Passionné par les relations du vivant et de la machine, Nicolas Darrot s'apparente à un artiste sorcier. Il transforme les insectes en chimères, donne le pouvoir de parole aux trophées de chasse, conçoit des automates qui s'animent à l'approche du visiteur.
L'univers de Nicolas Darrot convoque notre imaginaire, tant celui que travaillent les contes ou les mythes, que celui tout aussi vaste que provoquent les avancées technologiques et scientifiques.
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Considérée comme l'une des artistes espagnoles les plus marquantes de ces vingt-cinq dernières années dans le domaine de la sculpture, reconnue au plan international, Cristina Iglesias reste peu connue du public français.
L'exposition du musée de Grenoble et le catalogue qui l'accompagne permettent de découvrir une oeuvre à la fois pleinement contemporaine et profondément ancrée dans la culture ibérique.
Née en 1956 à San Sebastian, Cristina Iglesias s'est fait connaître sur la scène artistique européenne au milieu des années 1980. Son travail s'appuie sur des formes fortement architecturées qui se présentent comme autant d'invitations à des expériences sensorielles particulières. La vue, mais aussi le toucher, l'odorat ou encore l'ouïe sont convoqués pour vivre littéralement ces sculptures ambiguës et sensuelles qui évoquent tant la nature que l'architecture, des constructions hybrides réalisées avec les matériaux les plus divers (bronze, albâtre, béton, verre).
Pour le musée de Grenoble, Cristina Iglesias a conçu un parcours à partir d'un ensemble de travaux réalisés ces quinze dernières années : passage suspendu constitué de nattes en paille tressée sous lequel on déambule et qui découpe la lumière en mille éclats (visuel de couverture), labyrinthe végétal dont les parois sont animées par un lacis de branches et de feuilles, etc.
Le catalogue, bilingue français/anglais, consacre de nombreuses pages à ces oeuvres monumentales mais il comporte aussi une partie rétrospective très documentée, avec des textes de l'artiste traduits pour la première fois.
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Valérie Jouve peaufine depuis bientôt trente années une oeuvre photographique singulière et empreinte de délicatesse qui s'attache à la présence de l'humain dans la ville, toujours envisagée comme un lieu de partage.
Jamais artificielles (elles ne racontent pas une histoire précise) mais pas complètement réalistes non plus (bien qu'elles s'inscrivent dans une approche documentaire), ses images interrogent le rapport des hommes avec leur cadre de vie, qu'il s'agisse de la banlieue marseillaise ou d'un paysage industriel au Guatemala. Le plus souvent aucune légende n'identifie les lieux ou sujets photographiés, pour la raison que « sous prétexte de reconnaître ce que l'on voit, on prête peu d'attention à une image. Aujourd'hui, on est handicapé, on a perdu le sens du visuel et de la sensation ». Il s'agit d'inciter le spectateur « à entrer dans un espace, une scénographie ».

L'exposition au MAMC de Saint-Étienne se présentera comme une conversation intime de Valérie Jouve avec sa région natale (elle est née à Firminy, à quelques kilomètres), qui continue à nourrir son travail. Comme au Jeu de Paume en 2015, sur l'idée d'accrochage prévaudra celle de composition, de montage au sens musical, les cimaises articulant travail passé (des photographies réalisées à Saint-Étienne, pour certaines jamais montrées encore) et récentes orientations.

Événement.
- Valérie Jouve, exposition présentée au musée d'Art contemporain de Saint-Étienne Métropole, du 19 mai au 16 septembre 2018.
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« Quand on entre dans l'atelier de Pierre Seinturier, et qu'on le découvre, lui, devant ses toiles, on se demande tout de suite si c'est sa peinture qui lui ressemble ou si c'est lui, avec ses cheveux, son regard délavé et son tabac blond qui ressemble à sa peinture. Une peinture toute en soleils bistres, en taches de sang sépia, et la peau des femmes jamais plus claire que le beurre frais.
En continuant de se poser la question, on peine à croire qu'il n'ait pas conscience de la confusion qu'il a créée.
En jouerait-il ? Serait-ce un calcul, un look bien étudié, ou une façon naturelle de vivre sa vie de peintre et de peindre sa vie.
Étrangement, si Pierre Seinturier a l'air de sortir d'une de ses huiles sur papier, il ne pratique pas l'autoportrait, il n'oeuvre à aucune autobiographie, ni même à une autofiction. Ses toiles et ses papiers fixés aux murs de l'atelier semblent composer une sorte d'autographie dont les leurres, les bornes et les accroches sont des Buicks à ailerons, des coups de revolver, des soucoupes volantes jaillies de films pas vraiment anciens, de polars aux énigmes impossibles, comme le story-board retrouvé dans l'armoire d'un producteur d'Hollywood, ruiné. » Christophe Donner Pierre Seinturier est né en 1988 à Paris, où il vit et travaille. Il est diplômé de l'École nationale des arts décoratifs en 2011 et a reçu le prix Spécial du Jury du Salon de Montrouge en 2013.
Il est représenté par la galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois.
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Dans les années 1960-1970, à l'apogée de sa notoriété, Victor Vasarely incarne la modernité. Acteur majeur de l'art cinétique et père de l'art optique ou Op'art, il bouscule les repères de l'art traditionnel. Il rejette la figure romantique de l'artiste et s'affirme plasticien. Il implique le spectateur en créant l'illusion de l'espace et du mouvement dans l'oeuvre. Il invente un langage universel, basé sur des phénomènes optiques qui animent l'oeuvre. Il a la volonté de démocratiser l'art en le déclinant à l'échelle urbaine et en le rendant accessible dans la vie quotidienne.

L'exposition triptyque Victor Vasarely (1906-1997), MultipliCité, révèle le parcours de Vasarely à travers le XXe siècle, de la Hongrie de son enfance et de sa formation à la Provence, sa terre d'élection pour ses grands projets de diffusion sociale de l'art.

Elle propose un cheminement inédit à travers ses recherches de plasticien et de théoricien visionnaire dans l'Europe politique et artistique du XXe siècle.

Aujourd'hui, l'oeuvre de Vasarely, plasticien utopiste et visionnaire, rayonne mondialement. Elle préfigure l'art numérique et l'art urbain en plein essor, qui font échos à ses programmations complexes, à sa volonté d'intégrer l'art à tous les domaines de la vie et à son rêve de cité polychrome du bonheur.
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Au printemps 2016, le Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole présente Intrigantes Incertitudes, une exposition collective consacrée au dessin contemporain et placée sous le commissariat du directeur général du musée, Lóránd Hegyi.
Suivant le chemin tracé au XVIIIe siècle par Edmund Burke, qui, dans ses recherches sur le sublime, soulignait le pouvoir de l'« obscurité judicieuse » et de l'« incertitude expressive », cette exposition à la fois intime et universelle, invite le visiteur à explorer à travers une ample sélection d'oeuvres sur papier, l'indicible, l'angoissant et l'incertain qui peuplent le « royaume intérieur » de l'artiste, un monde de fantômes et de rêves auquel le dessin, le plus intime et le plus spontané des moyens d'expression artistique, offre un accès privilégié.
42 artistes du monde entier sont représentés dans l'exposition, grandes figures de l'art contemporain (Günter Brus, Dennis Oppenheim, Jan Fabre, Jim Dine, Kiki Smith.) ou plus jeunes artistes d'horizons divers comme Pierre Seinturier, Lee Bul, Sandra Vasquez de la Horra, Jana Gunstheimer.
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Inspirée autant par la littérature - les Métamorphoses d'Ovide, Mary Shelley, Virginia Woolf -, que le cinéma (Éric von Stroheim, le Judex de Georges Franju...), les bases de données sur Internet ou encore la radio et la presse, Hélène Delprat fait entendre une voix singulière sur la scène artistique contemporaine.
Les images-énergie qu'elle invente - sous des formes variées : peintures, vidéo, dessins, journal/blog, photographies - dessinent des constellations figuratives et conceptuelles à la fois grinçantes et sensibles dans lesquelles elle apparaît souvent elle-même en tant que personnage.
L'exposition I Dit It My Way (J'ai fait ce que j'avais à faire) qu'elle a conçu spécialement pour les espaces de La maison rouge plonge le spectateur dans un bric-à-brac grave et drôle, où se côtoient des miroirs et des films sombres, d'immenses peintures aux titres hilarants, des voix de cinéma, des « dessins radiophoniques », des têtes d'oiseaux, les rituels du tatouage et de la tonsure...
Pour citer le titre d'une précédente exposition : Le Beau est Horrible et Affreux est le Beau.
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