Cet ouvrage analyse les bâtiments majeurs réalisés en Europe par Le Corbusier. Il se fonde sur une analyse visuelle qui permet une description narrative des divers espaces. Le discours photographique restitue une visite qui permet une découverte par palier des bâtiments ; cette approche est complétée par des textes, citations et légendes. Les textes s'adaptent aux images, comme une voix off de l'architecte, composant une narration proche du langage cinématographique. L'enchaînement de sensations visuelles permet une compréhension globale d'un espace, fruit du dialogue tendu entre régularité géométrique et pulsion plastique, entre norme et forme, entre raison et sentiment. Les photographies de l'auteur sont là pour répondre au parti pris de «parcours» révélateur.

L'exposition LIBRES ! Collectionneurs d'Arts Modestes présente deux collections privées, montrées pour la première fois au public.

Avec le développement continu des technologies numériques, de nombreux artistes se sont emparés du code informatique et l'ont intégré à leur pratique artistique. Encouragés par les nouvelles possibilités offertes par l'impression 3D et la robotique, ils ont converti le code en matière, n'hésitant pas à détourner des machines. L'accessibilité à ces outils, leur mutualisation et la mise en commun des savoirs et des savoir-faire ont profondément transformé l'usage du numérique. Ce changement de paradigme a encouragé le MIAM à s'engager sur ce territoire qu'il n'avait pas encore exploré. Lieu de rencontres et de découvertes des innombrables démarches artistiques qui traversent la création, le MIAM propose dans « Fait Machine » de reconsidérer les aprioris attachés à un art faisant la part belle à l'immatériel et à la réalité virtuelle. Face aux inquiétants développements d'une intelligence artificielle s'affranchissant à grands pas du contrôle de la main, les artistes de « Fait machine » opposent le ressenti, la collaboration et la mise en commun des savoirs. Lire la suite Fermer

Dans ses sculptures comme dans ses peintures, Alberto Giacometti s'est concentré durant toute sa carrière sur un motif quasi-unique : la représentation de l'être humain, qu'il considérait comme la raison d'être du geste artistique.
L'exposition et l'ouvrage Histoire de corps se concentrent sur les figures du nu féminin, pour lequel dès ses débuts l'artiste cherche à établir une nouveau canon de représentation. Passant du naturalisme à une schématisation néo-cubiste qui le conduit au seuil de l'abstraction, optant durant sa période surréaliste pour une représentation symboliste, Giacometti s'emploiera ensuite inlassablement à ouvrir une perspective moderne à la figuration d'après modèle.
Le rapprochement des diverses sculptures, peintures et dessins inspirés de sa femme Annette, révèlera au public la diversité et l'originalité du traitement de ces figures nues, toutes représentées dans la même position, depuis le plus petit jusqu'au plus grand format.
Dans cet ouvrage richement illustré, plusieurs textes d'auteurs originaux, ainsi que des citations et textes de l'artiste interrogeront le rapport complexe et tourmenté de Giacometti à la représentation de figure humaine.
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Déportée à l'âge de dix ans, Ceija Stojka (1933-2013) survit à trois camps de concentration. Autodidacte, elle commence à peindre et à écrire à l'âge de 50 ans pour témoigner et combattre l'oubli. Qualifiée d'art populaire ou art brut, son oeuvre prolifique et expressive évoque le paradis perdu de son enfance nomade et la réalité douloureuse des camps de concentration.

Elle a reçu plusieurs distinctions, dont le Prix Bruno- Kreisky pour le livre politique en 1993. Jusqu'au jour de sa mort en 2013, à 79 ans, Ceija Stojka a eu peur que l'Europe n'oublie son passé et qu'un jour prochain, les fours crématoires d'Auschwitz puissent reprendre leur activité dans une indifférence à peu près générale.
C'était la peur d'une citoyenne informée, qui suivait attentivement l'évolution des lois et des discours anti- tsiganes à travers notre vieux continent. L'oeuvre de cette écrivaine, peintre et musicienne rom autrichienne fait aujourd'hui référence concernant les persécutions subies par les tsiganes sous le nazisme.
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Peter Lindbergh est l'un des photographes de mode les plus importants de sa génération. Né en Pologne, formé en Allemagne, il s'installe à Paris dans les années 1970 et commence à collaborer avec les plus grands magazines.
Pionnier d'un nouveau réalisme dans la photographie de mode, il a considérablement changé les standards de ce genre, avant d'élargir sa palette à d'autres thématiques.

Cet ouvrage présente les photographies des sculptures de Giacometti prises par Peter Lindbergh dans les réserves de la Fondation Giacometti.

Formé à l'école de la peinture spiritualiste lyonnaise, Bellet du Poisat, fortement influencé à ses débuts par Delacroix, opte à partir de 1870 pour la peinture de paysage et est perçu par la critique comme un représentant de la nouvelle école de la lumière et de la couleur. Cette monographie rend compte de la diversité de son oeuvre, point d'articulation entre le romantisme et l'impressionnisme.

" Nous avons un boeuf sur la langue...
Enlevons le boeuf. " dit Bruno Latour lors de ses colloques lorsque le public se tait. Un boeuf sur la langue, ou l'impossibilité d'exprimer sa pensée, ses sentiments. Par ce titre clin d'oeil, Orlan invite à parler, à débattre. Orlan invitée à intervenir dans la Chapelle de l'Oratoire au musée des Beaux-Arts de Nantes, crée Un boeuf sur la langue, une installation faite de mises en scène, de corps- sculptures présentant des mots, de sièges, de vidéos, de vêtements (réalisés avec un velours de soie représentant l'intérieur des corps) qui transforme l'espace en lieu de libre parole autour de mots choisis par Orlan pour accélérer la pensée de notre temps.
Le tout monde, dérèglement, cellule souche, athée, phagothérapie, surfemme, empêchement, action, trouble, symbiotique, dire, sensualité, collectif, singularité, escronomie, appartenance, consentement, responsabilité, discordance, radioactivité, gouvernementalité Cet ouvrage en retrace la genèse, l'élaboration et la fabrication et restitue cette oeuvre au sein du travail qu'Orlan aborde depuis ses débuts dans les années 1960: l'identité, la problématique autour du corps, l'hybridation, la globalisation...
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Le musée national d'Art moderne - Centre Pompidou présente à la Fondation Vasarely une sélection d'une vingtaine d'oeuvres optiques et cinétiques.
Dans ce lieu, qui peut être considéré comme la Chapelle Sixtine de l'optico-cinétisme, et dont les travaux de restauration viennent de s'achever, il s'agit de présenter au public un ensemble d'oeuvres qui témoigne tout à la fois de l'importance de ce courant esthétique, mais également de sa diversité et de sa persistance contemporaine.
De Jesus Rafael Soto à Philippe Decrauzat, de Carlos Cruz-Diez à Xavier Veilhan, de Nicolas Schöffer à Jeppe Hein, en passant par Wojciech Fangor, Gyulia Kosice, Walter Leblanc, Francisco Sobrino et quelques autres, c'est une « Révolution permanente » que proposent les oeuvres réunies pour donner une image plurielle d'une tendance esthétique centrale du demi-siècle écoulé, à laquelle est attaché le nom de Victor Vasarely.
L'exposition s'inscrit dans la dynamique de l'exposition Vasarely, le partage des formes du Centre Pompidou. Au Centre Pompidou, les oeuvres de Vasarely dans le cadre de la rétrospective consacrée à l'artiste ; à la Fondation Vasarely, des oeuvres optiques et cinétiques du Centre Pompidou.

Événement :
La Révolution permanente. oeuvres optiques et cinétiques de la collection du musée national d'Art moderne / Centre Pompidou à la Fondation Vasarely, Aix-en-Provence, juin- octobre 2019.
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Figure majeure de l'art contemporain, Annette Messager a obtenu le Lion d'or à la Biennale de Venise en 2005 pour son installation au Pavillon français et reçu le Prix Praemium Imperiale en 2016 dans la catégorie sculpture.
Son travail a été exposé dans les plus grands musées du monde. Depuis les années 1970, l'artiste développe des installations abordant les thèmes de l'identité, du corps, de la condition des femmes, de l'érotisme et de la mort.

Admirative de l'oeuvre comme de la personnalité de Giacometti, l'artiste a plusieurs fois introduit des clins d'oeil à l'oeuvre du sculpteur dans ses installations. Pour l'Institut Giacometti, elle conçoit un parcours original avec des oeuvres anciennes et nouvelles en regard avec des oeuvres d'Alberto Giacometti.

La production artistique lyonnaise des années 1960 est méconnue. Elle fut pourtant foisonnante, riche et variée. Redécouvrir les nombreuses personnalités singulières, souvent autodidactes, que la période a vu naître, c'est le propos de ce catalogue très documenté dont le titre, Maudits lyonnais, est un clin d'oeil à la réputation de la ville d'avoir longtemps été, dans le domaine des arts plastiques, un « désert culturel », d'avoir retenu et digéré ses meilleurs enfants...
L'« artiste lyonnais » des sixties trouve le plus souvent des chemins très personnels, des veines originales, inexploitées ailleurs, quand il n'est pas carrément précurseur. Telle est en tout cas la figure qui s'en dessine à travers les oeuvres d'une trentaine de peintres que l'auteur a choisi d'exhumer.

La modernité artistique n'aura jamais détourné bien longtemps ses yeux du cosmos. Des avant-gardes historiques jusqu'à aujourd'hui, celui-ci se sera offert comme un cadre référentiel à nombre d'oeuvres, en accompagnant différentes scansions de l'histoire de l'art. Une exposition et un livre pour comprendre comment l'imaginaire cosmique a accompagné les développements de la modernité artistique à travers une sélection d'oeuvres remarquables des années 1920 à nos jours.

Karl-Jean Longuet (1904-1981) fait partie de cette génération d'artistes confrontée aux métamorphoses formelles les plus radicales. Si l'engagement politique tient une place importante dans son oeuvre (portraits de grands hommes - notamment de Schoelcher, inspirateur de l'abolition de l'esclavage -, hommages à la Commune de Paris ou à Allende), son art s'inscrit dans une grande chaîne sensible qui commence avec l'héritage de Rodin, puis celui de Brancusi, qu'il rencontre en 1949 en compagnie de l'écrivain et collectionneur Henri-Pierre Roché et de Simone Boisecq (1922), une jeune journaliste de l'Agence France-Presse arrivée d'Alger trois ans plus tôt. L'après-guerre marque un tournant décisif dans les créations respectives de Longuet et Boisecq, unies dans la vie depuis 1949. Karl-Jean Longuet se libère alors définitivement d'une dépendance au modèle et simplifie plans et volumes. Il engage une réflexion autour de l'espace public, dialogue avec l'architecture et réalise de nombreuses oeuvres monumentales. Nourrie de sa fascination pour les arts premiers et les paysages algérois et bretons qui sont ceux de son enfance, Simone Boisecq développe quant à elle une mythologie propre, dont les Figures totémiques, les Soleils, les Arbres, les Forêts vont peu à peu orienter le travail sculptural vers l'architecture. L'Homme sculpteur et La Femme sculpteur mettront dès lors au coeur même de leur vie partagée et de la sculpture une vision humaniste de la cité rêvée.
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Le faire et l'atelier sont au coeur de l'exposition collective SCULPTER (faire à l'atelier) et du catalogue qui en rend compte.
Si se dessinent à travers les oeuvres d'une soixantaine d'artistes français ou vivant en France les filiations, remises en jeux et extensions qui se sont opérées en sculpture depuis les années 80, une place prépondérante est accordée au travail en atelier, lieu du faire, mais aussi de la pensée, de l'expérimentation et de la recherche.
Que le sculpteur maîtrise seul la réalisation de ses oeuvres, en s'appuyant sur la maîtrise d'une technique traditionnelle ou artisanale - le faire se revendique alors savoir-faire -, ou qu'il préfère s'entourer d'experts issus parfois du hors-champs de l'art, la confrontation avec la matière est au coeur de sa pratique, qu'il assemble, transforme, déforme, compose ou recycle.
Le lecteur cheminera dans le livre comme il a cheminé dans l'exposition, d'oeuvre en oeuvre, sans barrières thématiques, stylistiques ou générationnelles, de la pâte à modeler au granit, du plastique au végétal, du matériau brut aux produits manufacturés, à la merci de l'accident ou de la contiguïté miraculeuse, comme il se produit dans l'espace de l'atelier.
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« À la vérité, les formes, je ne sais pas ce que ça veut dire.
Je ne pense qu'au dessin. » Alberto Giacometti, 1951 En 2019, le musée Toulouse-Lautrec propose de découvrir Alberto Giacometti, d'après modèle en partenariat avec la Fondation Giacometti, Paris.
Une sélection d'oeuvres exceptionnelles d'Alberto Giacometti se répondent et permettent de saisir intimement la démarche de l'artiste.
30 sculptures en bronze, mais aussi en plâtre témoignent d'une quête inlassable de la saisie du réel incarné par le modèle.
44 dessins et 12 estampes, dont plusieurs sont inédits, évoquent ses amis artistes et poètes, parmi lesquels Igor Stravinsky, Michel Leiris, Simone de Beauvoir, Jean-Paul Sartre ou René Char.

L'exposition Courbet/Cézanne, la vérité en peinture se tient au musée Gustave Courbet d'Ornans du 27 juin au 14 octobre 2013.
Courbet/Cézanne, la vérité en peinture croise les parcours de deux peintres fondateurs de modernité qui se sont construits dans un fort enracinement territorial, le pays d'Ornans pour Courbet, le pays d'Aix pour Cézanne mais aussi dans une constante volonté de s'imposer à Paris comme référents d'une vision artistique nouvelle. Ils nous offrent une compréhension du monde de l'art qui fut le leur et, au-delà, de celui qui est le nôtre et qu'ils ont tant influencé. L'exposition privilégie le paysage (thème de l'eau, de la neige, des arbres, des rochers...) ainsi que des domaines communs aux deux artistes : portraits, nus, natures mortes et références à Rembrandt.
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G. Chaissac et J. Dubuffet se sont rencontrés durant les années 1940 par l'intermédiaire de J. Paulhan. Leur relation commence sous le signe de l'écriture avec 448 lettres échangées jusqu'à la mort de G. Chaissac. Présentation de 80 oeuvres (tableaux, sculptures, objets), documents et lettres témoignant de la complicité artistique et littéraire de ces deux peintres et épistoliers.

Fasciné par l'art sous toutes ses formes, Antoine de Galbert, fondateur de La maison rouge à Paris, se passionne pour l'art contemporain, l'art brut, comme pour les arts primitifs et populaires. Sa sensibilité autodidacte - revendiquée - laisse libre cours à une grande indépendance dans ses choix, lui permettant de réunir une collection rarement présentée, affranchie des normes traditionnelles de l'histoire de l'art. La sélection des oeuvres réunies pour l'exposition Ainsi soit-il invite le lecteur loin des sentiers battus à un cheminement intérieur sur le thème des croyances et de la magie, de la folie et de la déraison, de la vie et de la mort, du corps et de l'âme, et se livre comme une tentative d'autoportrait du collectionneur.

« Tour à tour galeriste, critique d'art, photographe, designer graphique, performer, sculpteur, vidéaste, essayiste, iconographe, metteur en scène, commissaire d'exposition, Dan Graham est un artiste pluridisciplinaire dont le parcours est, depuis 1964, une suite de rebondissements et de superpositions d'expériences, avec cependant toujours en tête la volonté d'interférer avec le réel. Entre biographie et lucidité sur le contexte de l'art, la démarche de Dan Graham est un itinéraire sinueux entre analyse et expérience, à la fois mise en perspective, parfois contradictoire, et oeuvre de synthèse. Que ce soit par les écrits, souvent illustrés, parfois filmés, par le travail de performance, puis de sculpture/architecture dans l'espace public, et par l'influence considérable qu'exerce sa pensée depuis quarante ans, l'oeuvre de Dan Graham s'impose comme l'une des plus influentes aujourd'hui.

Yannick Miloux Cette monographie de poche est publiée à l'occasion de l'exposition Dan Graham : anamorphoses et jeux de miroir et fait écho à l'oeuvre Kaleidoscope/doubled, commande publique réalisée pour la place François Mitterrand dans le cadre du réaménagement du parvis de lamédiathèque Michel-Crépeau à La Rochelle.
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