Peter Lindbergh et Azzedine Alaïa, le photographe et le couturier, se sont retrouvés dans l'affection pour le noir, qu'ils cultivent de manière égale en tirages argentiques et en aplats vestimentaires. Lindbergh n'a cessé de faire appel au noir et au blanc pour incarner sa recherche d'authenticité dans les visages qu'il mettait en lumière. Alaïa puise dans le monochrome des vêtements intemporels, véritables sculptures pour le corps.
Ce livre immortalise le dialogue unique entre les deux artistes sur le papier. Ces images, qui illustrent leur communion spirituelle, célèbrent leur partenariat artistique et témoignent de leurs accomplissements hors norme dans l'histoire de la photographie et de la mode.
Bien que d'origines géographiquement opposées, Lindbergh et Alaïa ont touché des horizons proches. Alors que Lindbergh se faisait une réputation en Allemagne notamment grâce au magazine Stern, puis installait son studio à Paris en 1978, Alaïa devenait ce couturier pétri de discrétion dont les techniques sophistiquées s'échangent secrètement entre grandes clientes de haute couture.
Alaïa est l'architecte des corps, celui qui les révèle et les découvre, tandis que Lindbergh les ennoblit, éclaire leur âme et leur personnalité. Pas à pas, ils sont devenus les maîtres dans leurs disciplines créatives respectives. Tous deux rejettent les artifices qui nous distraient des vrais sujets et c'est avec une grande aisance qu'ils se sont retrouvés au gré de collaborations puissantes.
Les sources d'inspiration et les valeurs esthétiques qu'ils partagent transparaissent dans leur travail. Une plage au Touquet, les rues du vieux Paris soulignent leur amour commun pour le cinéma en noir et blanc et les vastes panoramas. Les sous pentes métalliques d'une salle des machines évoquent le souvenir d'un paysage allemand industriel chez l'un et renvoient au goût immodéré de l'autre pour le design fonctionnel et l'architecture. Les vêtements d'Alaïa sont autant de piédestaux pour les sourires et les regards des femmes qui les portent: Nadja Auermann, Mariacarla Boscono, Naomi Campbell, Anna Cleveland, Dilone, Lucy Dixon, Vanessa Duve, Helene Fischer, Pia Frithiof, Jade Jagger, Maria Johnson, Milla Jovovich, Lynne Koester, Ariane Koizumi, Yasmin Le Bon, Madonna, Kristen McMenamy, Tatjana Patitz, Linda Spierings, Tina Turner, Marie-Sophie Wilson, Lindsey Wixson. Pour Lindbergh, qui a bâti sa notoriété sur l'image de ces grands mannequins, seule comptait l'authenticité de leurs traits. L'union de leur talents forme un catalogue noir et blanc dense qui irradie de sincérité et de beauté. Ce livre accompagne l'exposition Azzedine Alaïa, Peter Lindbergh à la Fondation Azzedine Alaïa, 18 rue de la Verrerie, à Paris.
Avec des contributions de Fabrice Hergott, directeur du Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paolo Roversi, photographe, et Olivier Saillard, historien de la mode et directeur de la Fondation Azzedine Alaïa, à Paris.
Toute première exposition dont Peter Lindbergh fut lui-même le commissaire, peu de temps avant sa disparition, Untold Stories inititée par le Kunstpalast de Düsseldorf, sert de toile de fond à la créativité et au regard débridés du photographe. Doté d'une liberté artistique totale, Lindbergh a réuni une collection inédite qui jette un éclairage inattendu sur son oeuvre colossale. Ce livre, catalogue officiel de cette exposition remarquable, offre un regard approfondi et de premier ordre sur cette collection très personnelle. Quand il a fallu imprimer ses photos, Lindbergh a choisi un papier non-couché spécial - une fine feuille, avec une surface douce, ouverte - comme une déclaration esthétique délibérée.
Reconnus dans le monde entier, les clichés de Lindbergh ont laissé une empreinte indélébile sur la culture contemporaine et redéfinissant depuis 40 ans les paramètres de la photographie de mode. Ici, le photographe expérimente avec sa propre oeuvre et raconte de nouvelles histoires tout en restant fidèle à son lexique. En associant des images à la fois emblématiques et jamais exposées, il défie ses propres icônes et présente des moments intimes partagés avec des personnalités qui lui ont été proches pendant des années. Parmi elles, Nicole Kidman, Uma Thurman, Robin Wright, Jessica Chastain, Jeanne Moreau, Naomi Campbell, Charlotte Rampling et bien d'autres.
Ce volume XL présente plus de 150 photographies, dont beaucoup n'ont jamais été publiées ou de manière éphémère, généralement commandées par des mensuels de mode tels que Vogue, Harper's Bazaar, Interview, Rolling Stone, W Magazine ou The Wall Street Journal. Une longue conversation entre Lindbergh et le directeur du Kunstpalast Felix Krämer, ainsi qu'un hommage de son ami proche Wim Wenders, permettent un regard nouveau sur la création de l'exposition. Le résultat est une profession de foi intime de Lindbergh sur son oeuvre.
Un voyage sur la planète rouge.
Découvrez les mystères de Mars avec 60 ans de photos de la NASA.
Les astronomes de l'Antiquité, attirés par la lueur rougeoyante de Mars dans le ciel nocturne, lui ont donné le nom de leur dieu de la guerre. Mars captive les humains, source d'infinies spéculations, territoire qu'ils ont l'espoir d'habiter un jour. Six décennies de missions scientifiques pionnières menées par la NASA ont peu à peu dévoilé les mystères de la planète rouge et révélé un monde pas si différent du notre, où il est fort probable qu'il ait existé des formes de vie.
Admirez les premiers plans rapprochés de Mars pris par le vaisseau Mariner 4 en 1965 - les tous premiers clichés d'une autre planète - ainsi que les illustrations historiques d'une époque où la curiosité avait une longueur d'avance sur le progrès scientifique. La science et l'art se télescopent quand les missions orbitales ultérieures de la NASA livrent des images aériennes d'anciens lits de rivières, de calottes glaciaires à ses pôles, de tempêtes de poussière, de vastes canyons, de volcans vertigineux et de paysages aussi variés qu'uniques. À mesure qu'ils sillonnent la surface accidentée de Mars, les astromobiles de l'agence spatiale américaine agissent comme des extensions mécaniques de l'humanité depuis 25 ans; ils creusent des trous, cherchent des traces d'eau, scrutent les chaînes montagneuses et les crépuscules panoramiques.
Grâce à des centaines de photos sophistiquées tirées des riches archives de la NASA, nous accompagnons ses scientifiques dans leur quête d'une meilleure compréhension de Mars. Des essais de l'ancien directeur scientifique de la NASA James L. Green et de l'ingénieur en chef de JPL Rob Manning retracent en détail l'histoire de l'exploration martienne et les défis que les équipes doivent relever pour mener à bien chaque mission. Les légendes rédigées par la planétologue Emily Lakdawalla explicitent le contenu et le contexte technique de chaque image; un avant-propos de la célèbre poétesse Nikki Giovanni et une introduction de la conservatrice Margaret A. Weitekamp proposent une réflexion sur l'importance de Mars dans notre culture et notre imagination.
D'abord énigme distante, Mars est devenue un objectif tangible dont nous pouvons observer le moindre grain de sable et ce livre salue les progrès extraordinaires réalisés par la NASA, qui nous rapprochent chaque jour un peu plus d'une compréhension complète de ce monde voisin.
Depuis plus d'un demi-siècle, Annie Leibovitz est l'auteur de photos qui décrivent la culture de leur époque. Ses portraits de politiciens, d'artistes, d'athlètes, d'entrepreneurs et de têtes couronnées composent une galerie de notre temps, imprimée dans notre conscience collective autant par la singularité de ses sujets que par le style inimitable de Leibovitz.
Catalogue de l'installation présentée par la Fondation LUMA, à Arles, Annie Leibovitz: The Early Years, 1970-1983 revient sur les origines de Leibovitz. Il commence par une révélation artistique: un cliché pris sur le vif, celui qui lui a donné à penser qu'elle pourrait étudier la photographie plutôt que la peinture au San Francisco Art Institute. Ce recueil, composé personnellement et avec le plus grand soin par Leibovitz, présente ensuite des planches contact et des Polaroid qui racontent de façon saisissantune époque charnière et la formation d'une jeune artiste.
Les séries de photos presque documentaires que Leibovitz publie dans Rolling Stone, où elle commence à travailler alors qu'elle est encore étudiante, rendent compte d'événements politiques, culturels et contre-culturels aussi exaltants que les manifestations contre la guerre du Vietnam, le lancement d'Apollo 17, la campagne présidentielle de 1972, la démission de Richard Nixon en 1974 ou la tournée des Rolling Stones en 1975. À cette période, comme encore aujourd'hui, Leibovitz gagne la confiance des célébrités et des puissants, si bien que les pages du livre s'animent de visages connus, parmi lesquels Mohammed Ali, Mick Jagger, Keith Richards, Ken Kesey, Patti Smith, Bruce Springsteen, Joan Didion et Debbie Harry qui côtoient John Lennon et Yoko Ono, immortalisés dans une étreinte devenue iconique, quelques heures à peine avant l'assassinat de Lennon.
D'un bout à l'autre du livre, portraits et reportages sont ponctués d'images de voitures, de ses trajets et même d'une série sur les patrouilleurs d'autoroutes en Californie. À bien des égards, il s'agit d'une célébration de la vie nomade, avec ses cadences effrénées, ses rencontres impromptues, ses fenêtres méditatives. Elles forment aussi des archives précieuses témoignant d'une époque révolue et montrant la maturation d'une jeune photographe au sein d'une culture elle-même en transition.
Couvrant plus d'un demi-siècle, la photographie inégalée du visionnaire Helmut Newton (1920-2004) a touché le public par millions à travers les pages de grands magazines comme Vogue et Elle. Mode, portrait ou glamour: son oeuvre transcende les genres, se distingue par son élégance et son style. Un certain voyeurisme, aussi. Sa griffe reste inimitable. Ayant maîtrisé tôt la photo de mode, Helmut Newton s'est vite affranchi des pratiques standardisées, jouant avec habileté sur le flou entre illusion et réalité. Tous les pans de son oeuvre - la mode, le portrait et le nu en tête - affichent une même esthétique claire, dans laquelle les femmes occupent la première place, à l'instar de Catherine Deneuve, Liz Taylor ou Charlotte Rampling. Dépassant les approches narratives traditionnelles, la photo de mode signée Newton exhale une élégance luxueuse et une séduction subtile, mais est aussi riche de références culturelles et d'un sens de l'humour qui peut surprendre. Dans les années 1990, Newton travailla pour les éditions allemande, américaine, italienne, française et russe de Vogue, principalement depuis Monaco, où il vécut à partir de 1981. Newton transformait des lieux triviaux comme son propre garage en scènes de théâtre radicalement contrastées ou minimalistes; il immortalisa aussi avec un goût évident la vie excentrique des plus beaux et plus riches dans des compositions où se mèlent érotisme et classe, dans des scénarios anticonformistes. Il exploita les clichés visuels tout en les remettant en question, les teintant parfois d'ironie, de moquerie ou d'autocritique, mais toujours avec beaucoup d'empathie. Helmut Newton. Legacy, qui accompagne l'exposition internationale itinérante consacrée à l'oeuvre de Newton, présente les pépites d'un des corpus photographiques les plus publiés de l'histoire, parmi lesquelles de nombreuses images récemment redécouvertes. Ces pages célèbrent Helmut Newton, faiseur d'images prolifique et véritable visionnaire, ainsi que son influence toujours prégnante sur l'art visuel et la photographie moderne.
Harry Benson prit ses premiers clichés de Paul McCartney en 1964, alors que les Beatles prenaient d'assaut l'Amérique, faisaient le tour de monde et réalisaient leur premier film, A Hard Day's Night. Le photo-journaliste de légende est aux premières loges pour garder trace de tout. Lorsque les quatre fantastiques se séparent, Benson jouit d'un accès illimité à Paul et à sa femme Linda, au moment où Paul se trace une nouvelle voie, sur le plan créatif et personnel.
Riche de plus de 100 photos en noir et blanc ou couleur, ce recueil donne à voir la vie d'un des musiciens les plus connus au monde, qui a su garder le mystère malgré une existence passée sous les projecteurs. À travers l'objectif de Benson, Paul retrace l'évolution de son héros éponyme, artiste puis icône, père et mari. Nous observons le jeune musicien au sommet de sa gloire avec les Beatles, en studio d'enregistrement avec Linda et les Wings, en famille, en coulisses et sur scène pendant la tournée "Wings Over America" en 1975-76, faisant la fête avec d'autres stars, et la vie paisible du couple dans leur ferme acquise au début des années 1990.
À l'occasion du 80e anniversaire de Sir Paul, Paul révèle sans fard une vie passée à composer et jouer la musique la plus populaire au monde. Un indispensable pour tous les fans de musique.
TASCHEN est fier d'annoncer la sortie de Lost + Found, Part I et Good News, Part II, la toute dernière publication très attendue de l'artiste David LaChapelle. Ces 2 livres constituent les quatrième et cinquième volumes de l'anthologie de LaChapelle, qui a débuté par LaChapelle Land (1996), puis Hotel LaChapelle (1999) et enfin Heaven to Hell (2006). Good News, Part II retrace la renaissance créative de David LaChapelle alors qu'il s'abandonne à la contemplation de la mortalité et s'aventure au-delà du monde matériel dans une quête du paradis. Présentant une sélection monumentale d'images qui n'avaient jamais été publiées auparavant, c'est un nouveau corpus sublime et saisissant qui tente de photographier ce qui ne peut l'être. Il constitue l'ultime chapitre du récit composé par LaChapelle, une série de livres qui a captivé toute une génération de spectateurs dans le monde. Dans Good News, vous trouverez: Pamela Anderson, Lana Del Rey, Sharon Gault, Janet Jackson, Michael Jackson, Paris Jackson, David LaChapelle, Amanda Lepore, Miriam Makeba, Sergei Polunin, Tupac Shakur, Elizabeth Taylor, et bien d'autres... Lost + Found, Part I et Good News, Part II sont vendus séparément. Également disponible en une Édition d'art de deux volumes, limitée à 500 exemplaires et comprenant trois tirages signés par David LaChapelle.
Il y a une cinquantaine d'années, les gens utilisaient les caméras 35mm et les Instamatics comme nous utilisons nos smartphones à l'ère d'Instagram et de Snapchat. Ils photographiaient ce qu'ils mangeaient et buvaient, leurs lieux de vacances, leurs fêtes. Ils immortalisaient la naissance des bébés, la première bicyclette d'un enfant ou le premier poste de télé couleur de la famille; leurs visites dans les parcs nationaux, leurs parties de pêche, les mariages, les fêtes au bureau, les réunions de familles, les couples qui trinquent, se tiennent la main, s'embrassent, dansent. Des moments qui n'étaient précieux que pour leurs protagonistes et peut-être même pas pour eux. Imaginer la raison pour laquelle un cliché a été pris, les émotions et les motivations enfouies qui ont poussé quelqu'un, il y a plusieurs dizaines d'années, à appuyer sur l'obturateur, telle est la curiosité qui sous-tend The Anonymous Project.
Tout a commencé par une enchère innocente sur eBay. Le réalisateur Lee Shulman acquiert un lot de diapositives 35mm Kodachrome - des photos de famille d'anonymes - et il est si captivé par ce qu'il appelle «la valeur émotionnelle de ces instants de vie» qu'il comprend qu'il va lui en falloir davantage. Il lance The Anonymous Project en 2017 et rassemble près de 700.000 images données ou achetées à des brocanteurs.
Publiée ici pour la première fois, cette anthologie choisie de près de 300 images prises entre les années 1950 et 1970 donne à voir l'intimité de ces anonymes dans leur quotidien un aperçu intime de la vie de ces anonymes. Si les lieux, les dates, les photographes et les sujets pris en photo sont inconnus, ces images et les histoires fascinantes qu'elles renferment nous sont universellement familières.
«Elvis qui?» a répondu le photographe Al Wertheimer quand, début 1956, un publicitaire de RCA Victor lui a demandé d'aller tirer le portrait d'un crooner débutant de Memphis. Wertheimer était alors loin de se douter qu'il venait de décrocher le job de sa vie: tout juste âgé de 21 ans, Elvis Presley était, comme nous le savons aujourd'hui, sur le point de devenir une légende.
Wertheimer suit Presley comme son ombre et prend cette année-là près de 3.000 photos du chanteur, composant le portrait pénétrant d'un homme au bord de la gloire. Extraordinaire par son envergure et son aspect intime, le projet Elvis de Wertheimer immortalise un jeune homme alors qu'il entre dans l'histoire.
Elvis and the Birth of Rock and Roll rassemble les clichés d'Elvis les plus impressionnants pris par Wertheimer au cours de cette année magique, ainsi qu'une sélection des photos historiques de la star en 1958, au moment où Elvis part rejoindre une base de l'armée en Allemagne. Chaque chapitre est illustré par une affiche originale créée pour ce livre par Hatch Show Print, un des plus vieux ateliers de typographie et d'imprimerie des États-Unis, qui a créé beaucoup des premiers posters d'Elvis dans les années 1950.
Ren Hang, qui s'est donné la mort le 23 février 2017, était tout sauf un rebelle. De taille modeste, de nature timide et sujet à des crises de dépression, ce photographe de 29 ans, originaire de Pékin, était pourtant au premier rang du combat que livrent les artistes chinois en faveur de leur liberté de création. À l'instar de son défenseur, Ai Weiwei, Ren produisait des oeuvres jugées dangereuses pour la société et l'État communiste. Ren affirmait pourtant: «Les idées politiques exprimées dans mes images n'ont rien à voir avec la Chine. C'est la politique chinoise qui veut s'introduire dans mon art. Une de mes expositions a déjà été annulée par le gouvernement chinois pour suspicion de sexe.» Pourquoi cette accusation? À cause de ses modèles: ses amis et, ces dernières années, ses fans, sont photographiés nus, souvent en extérieur, perchés au sommet des arbres ou au bord des toits vertigineux de Pékin, empilés comme des cubes de béton, la tête enturbannée d'une pieuvre, des fils de téléphone ou des fleurs jaillissant de leurs cavités corporelles, selon ce qui lui venait à l'esprit sur le moment. Il démentait toute arrière-pensée sexuelle, et l'on sent un vrai détachement dans la moindre de ses images les plus extrêmes montrant urine, pénétrations, et même des érections. En 2013, lors d'un entretien, le magazine VICE l'interrogeait ainsi: «Il y a beaucoup de bites... N'aimez-vous donc que ça?» Et Ren répondit: «Ce n'est pas seulement aux bites que je m'intéresse, j'aime représenter chaque organe d'une façon nouvelle, vivante et émotionnelle.» Étrangement réels, les pénis photographiés de façon inédite et vivante par Ren sont aussi extraordinairement gros - on se demande alors où il a rencontré ses amis. Dans la suite de la discussion, Hang affirmait aussi: «Le genre importe peu, quand je prends des photos, la seule chose qui me préoccupe, c'est quand vais-je avoir un rapport sexuel.», ce qui le place à l'avant-garde d'une nouvelle scène où les genres s'effacent. Ses jeunes fans affluent sur son site Internet, ses comptes Facebook, Instagram et Flickr. Ses photographies, toutes produites sur pellicule, firent l'objet de plus de 20 expositions personnelles et 70 collectives durant les 6 années de sa brève carrière, dans des villes aussi diverses que Tokyo, Athènes, Paris, New York, Copenhague, Francfort, Vienne, et même Pékin. Il publia 16 monographies en autoédition et à de faibles tirages, dont le prix atteint désormais jusqu'à 600 . L'ouvrage Ren Hang publié par TASCHEN est donc le seul recueil au monde à parcourir l'ensemble de sa carrière à travers ses photos les plus appréciées et les plus populaires, dont beaucoup d'inédites, montrant hommes, femmes, Pékin, et même des érections. Le souvenir de la joie éprouvée par Ren, lorsqu'il a tenu ce livre dans les mains, joie partagée par son compagnon Jiaqi, nous est d'un grand réconfort.
Sebastião Salgado est l'un des photojournalistes les plus respectés encore en activité. Sa réputation se fonde depuis des décennies sur un dévouement à l'égard des peuples déshérités et affligés dont il témoigne à travers des clichés puissants en noir et blanc, pris dans des endroits du monde où rare sont ceux qui osent s'aventurer. Bien qu'il ait sillonné l'Amérique du Sud et l'ensemble de la planète, son travail s'est largement porté sur l'Afrique qu'il photographie depuis 30 ans au cours de plus de 40 reportages. Des tribus dinkas dans le sud du Soudan et du peuple himba en Namibie aux gorilles et à la région volcanique des Grands Lacs, sans oublier les réfugiés qui hantent le continent, Salgado nous montre toutes les facettes de l'Afrique d'aujourd'hui. Qu'il témoigne des réfugiés ou des immenses paysages, Salgado sait parfaitement comment saisir l'essence d'un moment pour que, face à ses images, le spectateur y soit involontairement inclus. Ses clichés nous enseignent habilement les conséquences de la guerre, de la pauvreté, de la famine et des conditions climatiques hostiles. Les photographies prises par Salgado en Afrique et réunies dans cet ouvrage sont classées en trois parties. La première se concentre sur le sud du continent (Mozambique, Malawi, Angola, Zimbabwe, Afrique du Sud, Namibie), la deuxième sur la région des Grands Lacs (Congo, Rwanda, Burundi, Ouganda, Tanzanie, Kenya) et la troisième sur la région sub-saharienne (Burkina Faso, Mali, Soudan, Tchad, Mauritanie, Sénégal et Éthiopie). Les textes ont été écrits par la célèbre romancière Mia Couto, originaire du Mozambique. Elle décrit comment l'Afrique contemporaine illustre les effets de la colonisation et les conséquences des crises économiques, sociales et environnementales. Ce livre spectaculaire n'est pas seulement un document fondamental sur l'Afrique, il est aussi et surtout un hommage à un continent, à son histoire, ses peuples et ses phénomènes naturels.
«Vous êtes déjà célèbre, maintenant, vous allez me rendre célèbre», tel est l'invite lancée par Lawrence Schiller à Marilyn Monroe au détour d'une discussion en amont d'une séance photo de l'actrice. «Ne soyez pas si insolent, répliqua Marilyn, les photographes, ça se remplace facilement.» C'était en 1962 et Schiller, tout juste âgé de 25 ans, était en mission pour Paris Match. Il connaissait déjà Marilyn - ils avaient tissé des liens deux ans auparavant sur le tournage du Milliardaire -, mais rien ne l'avait préparé à ce jour où elle accepta d'apparaître nue devant son objectif pour le film Something's Got to Give.Marilyn & Me est le récit intime d'une légende vivante au seuil du déclin et d'un jeune photographe en pleine ascension. À travers son récit vibrant et ses clichés extraordinaires Schiller nous transporte dans le passé avec pudeur, humour et compasion. Riche de plus de 100 photos dont les rares images prises sur le tournage du dernier film de Marilyn l'ouvrage forme un portrait vivant et inattendu qui révèle la star à la fin de sa vie.
Dans I Love You, Mario Testino célèbre le mariage. Un début dans la vie qui est aussi une apogée et une promesse aux yeux de tous, immortalisé par le regard unique et bienveillant d'un photographe qui montre la beauté de l'émotion et des traditions, mais aussi des joies partagées dans l'intimité. Enrichi d'essais signés par la fameuse créatrice de mode Carolina Herrera et l'organisateur de grands événements Riccardo Lanza, le livre explore les souvenirs que Testino a gardés de ces moments à part, tantôt mondains, tantôt confidentiels. Accepté dans l'intimité des familles, des amis et des sentiments, le photographe dévoile les secrets, les moments de tendresse, de délire et de fête qui ont marqué la célébration de ces unions, dont certaines sont parmi les plus médiatisées de ces quarante dernières années.
I Love You est un hommage au mariage et à tout ce qu'il représente. Une déclaration d'amour, un regard posé sur l'émotion des futures époux, les préparatifs, les rites entre amis, les réceptions exceptionnelles - chaque image raconte le rêve unique d'une vie nouvelle à inventer.
«LONGUE VIE À L'AMOUR!» - Mario Testino Également disponible dans une édition d'art avec le tirage signé Chiara Slewett, Rio de Janeiro, 2005
Ce recueil de quarante-sept légendes extraites des célèbres récits de Gustav Schwab sur la mythologie grecque raconte les hauts faits de nombreux héros, tels Hercule, Jason et Ulysse. Dans les magistrales illustrations signées par Clifford Harper et par les plus importants artistes de l'âge d'or de l'illustration de livres, dont Walter Crane, Arthur Rackham et Virginia Frances Sterrett, le monde des légendes s'éveille à une nouvelle vie.
Depuis qu'une bande de chercheurs d'or intrépides a placé cette magnifique ville sur la carte de la Californie du Nord, cette ambitieuse histoire immersive en photos de San Francisco nous embarque pour une découverte décoiffante de la ville de la moitié du 19e siècle à nos jours.
Savourez des vues à couper le souffler des lieux les plus emblématiques de la ville: le pont du Golden Gate, Chinatown, les tramways si pittoresques qui escaladent et dévalent ses fameuses collines, le trépidant front de mer, sa baie sublime et ses panoramas spectaculaires sur la ville et ses alentours. La contre-culture locale qui a façonné notre conscience collective y occupe une place prépondérante: le beatniks de North Beach, les hippies de Haight-Ashbury, les communautés gays de Castro et les Black Panthers de sa voisine, Oakland. Certains de ses plus plus prestigieux habitants y figurent aussi: Robin Williams, les Grateful Dead, Angela Davis, Janis Joplin, Sylvester et Allen Ginsberg, entre autres.
Ce livre présente des centaines d'images récemment découvertes dans les archives de multiples musées, universités, bibliothèques, galeries, collections privées et sociétés historiques, des daguerréotypes du 19e siècle aux photos numériques du 21e siècle, en passant par les Kodachrome du milieu du siècle dernier. Autant de clichés signés par des maîtres de la photographie, parmi lesquels Stephen Shore, Imogen Cunningham, Fred Lyon, Steve Schapiro, Minor White, Dorothea Lange, Albert Watson, Robert Frank, Garry Winogrand, William Claxton, Fred Herzog, Ansel Adams et Jim Marshall, et par nombre de photographes locaux. Ce contenu iconographique est accompagné d'essais introductifs et de légendes rédigées par l'auteur franciscanais Richie Unterberger, d'une sélection de livres, de musiques et de films sur San Francisco et de biographies des photographes. Tony Bennett chantait: «J'ai laissé mon coeur à San Francisco». Ce portrait composé et conçu avec le plus soin vous inspirera aussi une tendresse éternelle pour Frisco, la ville sur la baie.
Pendant les années 1960, Dennis Hopper ne se séparait jamais de son appareil photo qu'il emportait aussi bien sur les plateaux ou les lieux de tournage que dans les soirées, les bars, les cafés, les galeries, sur la route ou dans les manifestations politiques. Il a photographié des vedettes de cinéma, des pop stars, des artistes, des écrivains, ses petites amies aussi bien que de parfaits inconnus. Au fil du temps, avec beaucoup de perspicacité et d'intuition, il a su saisir quelques-uns des moments les plus fascinants de sa génération. Icône discrète évoluant au coeur du bouleversement culturel de cette décennie, Hopper a immortalisé Tina Turner en studio d'enregistrement, Andy Warhol lors de sa première exposition dans une galerie de la côte ouest, Paul Newman en tournage ou encore Martin Luther King durant la marche pour les droits civiques de Selma à Montgomery, en Alabama.
Grâce à la sélection de clichés rassemblés par Hopper et le galeriste Tony Shafrazi, cet ouvrage imposant enfin réédité distille l'essence de la prodigieuse carrière photographique de Hopper. Les images sont accompagnées des essais introductifs de Tony Shafrazi et de Walter Hopps, pionnier légendaire de l'art de la côte ouest, ainsi qu'une biographie très complète établie par la journaliste Jessica Hundley. Victor Bockris a interviewé les modèles célèbres d'Hopper, sa famille ainsi que ses amis. Des extraits de ces entretiens accompagnent ce livre qui propose une exploration sans précédent de la vie et de l'esprit de l'une des personnalités les plus fascinantes de Hollywood.
Lorsqu'il s'agit de plaisir, la taille importe peu: comme chacun sait, la qualité prime sur la quantité. Mais l'attrait d'un pénis de taille reste, sans conteste, irrésistible. Epaules rembourrées, revers et coiffures démesurés vont et viennent avec la mode, mais un pénis conséquent ne la craint pas. Les outils de plus de 20 cm continuent de fasciner d'autant plus qu'ils ne sont le privilège que d'à peine 2 pour cent de la population mondiale.
Dans ce pendant masculin du Big Book of Breasts sont passés en revue des siècles de fascination exercée autant sur les hommes que sur les femmes par les phallus hors normes. Ce volume, de taille lui aussi, est généreusement illustré de plus de 400 photographies d'attributs masculins spectaculaires, avec notamment de rares photos du légendaire John Holmes. La majorité des clichés datent des années 70, lorsque la révolution sexuelle a pour la première fois permis aux photographes de dénuder entièrement le corps masculin. Parmi les artistes sont ici présents Bob Mizer de l'Athletic Model Guild, David Hurles d'Old Reliable, Colt, Falcon, Sierra Domino et les studios Third World et Champion, chacun d'entre eux interrogé ou présenté en détail, avec en outre des informations sur leurs modèles. Le livre se conclut sur une surprise mémorable, à la mesure de celle de Norma Stitz à la fin du Big Book of Breasts!
L'Afghanistan a longtemps été un territoire meurtri par les rivalités tribales, les guerres de décolonisation et les conflits géopolitiques. Ce «pays de la rébellion», comme le surnomment ses habitants, n'a jamais réellement été occupé depuis l'époque d'Alexandre le Grand. Si ses envahisseurs - perses, arabes, moghols, sikhs, britanniques ou russes - ont échoué à le maîtriser, il suffit de se promener à travers les bazars de Kaboul pour percevoir leur héritage. On trouve en effet, parmi les populations d'Afghanistan, une multitude de gènes ethniques qui se sont mêlés au fil du temps.Dans la société afghane, les division sont profondes, entre le schisme entre sunnites et chiites, la violence endémique qui touche clans et tribus et les haines et vengeances entre familles. C'est pourtant au milieu du chaos, au coeur de combats interminables, que sont nées des images époustouflantes.
Pour cette rétrospective ultime de son travail en Afghanistan, Steve McCurry a sélectionné plus de 140 photographies saisissantes qui révèlent un peuple fier et tourmenté, rencontré au désert de Kandahar, croisé dans les rues de Kaboul ou au fin fond des rivières du Nouristan. Pendant près de 40 ans, Steve McCurry a sillonné l'Afghanistan à maintes reprises, immortalisant ces habitants avec une humanité rare et touchante. Son célèbre portrait Jeune Afghane fut repris sur la couverture d'innombrables magazines dans le monde depuis 1984, trouble autant qu'il fascine par son extraordinaire grâce et sa dignité. Composé comme un tableau, il est aussi intemporel que les autres clichés de McCurry, qualités intattendues quand on sait qu'il fut pris dans une région en pleine guerre.
Steve McCurry a toujours fait face aux dangers inhérents à la vie «de terrain» des photographes. Il s'est souvent aventuré au-delà des lignes en prenant de gros risques, comme lors de son premier voyage en Afghanistan, en 1979, durant lequel il dut revêtir l'habit afghan pour traverser clandestinement la frontière avec le Pakistan. Cette route périlleuse, au coeur d'un territoire hostile, imprévisible, contrôlé tour à tour par les moudjahidin, les Russes et les talibans, McCurry l'a arpentée bien des fois. Depuis, nombre de photographes ont marché dans ses pas, mais aucun n'en est revenu avec des oeuvres aussi exemplaires.
«On doit se souvenir que, dans la brutalité du conflit, une apocalypse de ce genre n'est jamais loin.»
-Sebastião Salgado
En janvier et février 1991, alors que la coalition menée par les États-Unis entreprend de repousser les forces irakiennes hors du Koweït, les troupes de Saddam Hussein ripostent par une manoeuvre infernale: ils enflamment près de 700 puits de pétrole et un nombre indéterminé de zones où il affleure, provoquant d'immenses incendies déchaînés et créant l'une des pires catastrophes environnementales de mémoire d'homme.
Devant les efforts désespérés pour contenir et éteindre les flammes qui progressent, Sebastião Salgado s'est rendu au Koweït afin de témoigner directement de cette crise. Les conditions sont extrêmes. La chaleur écrasante du désert déforme le plus petit objectif de Salgado. Un journaliste et un autre photographe meurent dans la traversée d'une nappe de pétrole qui s'enflamme sur leur passage. Au plus près des pompiers, sensible aux impacts à la fois humains et environnementaux, Salgado a immortalisé la terrifiante ampleur de cet «immense drame à l'échelle de la planète»: le paysage ravagé, la chaleur accablante, l'air rempli de sable brûlé et de suie, les restes calcinés des chameaux, le terrain toujours infesté de mines, et les flammes et la fumée tourbillonnant dans le ciel, voilant le soleil, submergeant les pompiers couverts de pétrole.
Les clichés épiques de Salgado ont été publiés pour la première fois dans New York Times Magazine en juin 1991 et récompensés par le prix Oskar Barnack, qui salue des images remarquables montrant le lien entre l'homme et l'environnement. Kuwait. Un désert en feu est la première monographie consacrée à cette incroyable série. À l'image de Genesis, Exodes et Enfants, elle est autant un document majeur de l'histoire moderne que l'extraordinaire recueil d'une oeuvre photographique.
Helmut Newton n'édulcorait ni ses compositions ni son style lorsqu'il passait des magazines à la publicité. Il se désignait, non sans ironie, comme «A Gun for Hire», un mercenaire, et c'est ainsi que June Newton intitula le recueil de ses photos commerciales, désormais disponible dans une nouvelle édition révisée par la Fondation Helmut Newton.
«Certains photographes font de l'art. Pas moi. Si mes photos sont exposées dans des galeries ou des musées, tant mieux. Mais ce n'est pas pour cela que je les ai réalisées. Je suis un tireur à gages,» Helmut Newton a déclaré un jour à Newsweek, 2004. Sortant de la bouche de l'un des photographes les plus célèbres du XXe siècle, cette déclaration prosaïque a de quoi surprendre, mais rappelle tout simplement que Newton travaillait sans fioriture. Son oeuvre est si puissante, si frappante qu'elle défie toute classification. Refusant de reconnaître la dimension artistique de son travail, Newton laisse à d'autres le soin de le faire, ce dont peu se sont privés, à en juger par le nombre d'expositions qui lui ont été consacrées dans des galeries comme des musées.
A Gun for Hire regroupe une sélection des photographies de catalogues de mode de Newton, du début des années 1960 jusqu'à 2003, y compris des travaux pour BiBA (le premier catalogue de mode en 1962), Chanel, Yves Saint Laurent, Versace, Thierry Mugler, Blumarine, Villeroy & Boch et Absolut Vodka, ainsi que ses dernières photos éditoriales pour les éditions italiennes et américaines de Vogue, toutes prises en tant que «gun for hire».
Avec une introduction de Matthias Harder et des contributions de June Newton, Pierre Bergé, Tom Ford, Josephine Hart et Anna Wintour.
Il n'y a pas si longtemps, certains considéraient le bois comme un matériau du passé, remplacé depuis bien des décennies par des composants plus modernes comme le béton et l'acier. La vérité est tout autre. Grâce aux nouvelles techniques de fabrication et à ses avantages écologiques, le bois connaît un formidable regain dans la construction contemporaine.
Cet ouvrage se penche sur la façon dont les architectes du monde entier créent et innovent avec ce matériau fondamental. À travers les folies, les bâtiments de grande envergure et les ambitieux schémas de renouvellement urbain présentés, il célèbre la diversité des traitements du bois par les architectes de différents horizons. On voit ainsi combien le bois peut à la fois transformer les espaces urbains, comme dans le cas du Metropol Parasol de Séville conçu par Jürgen Mayer H., et permettre des interventions sensibles dans des environnement naturels, comme le Termas Geométricas Hot Springs Complex de Pucón, au Chili, signé German del Sol.
Fidèle à l'esprit des titres TASCHEN dédiés à l'architecture, ce livre rend hommage à nombre de talents internationaux émergents ainsi qu'à de grands noms comme Tadao Ando et Renzo Piano. Il célèbre la vision novatrice de chaque architecte et s'intéresse aux techniques, aux tendances et aux principes qui guident leur travail avec le bois. Il évoque aussi le fraisage assisté par ordinateur, qui a permis de toutes nouvelles formes, la déforestation responsable, qui rend le bois compatible avec nos préoccupations environnementales, et surtout, l'attrait inaltérable que le bois exerce sur nos sens et notre psyché, en apportant à nos trépidantes vies modernes un peu de simplicité et de chaleur.
Un hommage exceptionnel du photographe officiel et partenaire artistique de David Bowie, Mick Rock, imaginé en 2015 avec la bénédiction de Bowie.C'est en 1972 que David Bowie publie son album révolutionnaire, The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. On y découvre Ziggy Stardust, alter ego de Bowie, vêtu de strass et de paillettes, les yeux cernés de mascara, personnage étrange à la sexualité ambiguë, qui bouscule toutes les frontières entre homme et femme, hétéros et gays, faits et fiction, pour créer l'un des plus étonnants et plus étincelants phénomènes musicaux des années 1970. L'album et la tournée Ziggy propulsent Bowie du statut de gentil musicien londonien à celui d'une des plus grandes stars mondiales.L'un des principaux passagers de ce voyage dans la stratosphère glam est un ami photographe, londonien lui aussi: Mick Rock. Sur le plan artistique comme en amitié, Rock et Bowie sont étroitement liés. Mick s'immerge dans le cercle intime de Bowie et est son photographe et réalisateur officiel de 1972 à 1973.Ce livre réunit autant ses spectaculaires photos de scène et ses clichés emblématiques que ses portraits intimes pris en coulisses. S'ouvrant par une couverture 3D révélant plusieurs portraits, le livre rend hommage à l'esprit d'expérimentation et de réinvention permanente de Bowie et apportent un éclairage inédit sur sa carrière et ses multiples facettes. À la fois distant et proche, ludique et sérieux, sincère et artificiel, cet hommage déborde d'énergie et d'audace à l'instar de l'artiste et célèbre un artiste flamboyant et inspirant, dont on n'oubliera jamais la puissance créative.
De la première photo connue prise à Los Angeles jusqu'aux plus récents panoramas tentaculaires, cet hommage en photographie à la Cité des Anges offre une exploration captivante de l'histoire culturelle, politique, industrielle et sociologique de L.A. L'ouvrage examine les grandes étapes de l'histoire de la ville depuis le boom immobilier des années 1880 jusqu'à l'extension incontrôlée de la ville dans la seconde moitié du XXe siècle. Avec plus de 500 images, L.A. est montrée émergeant d'un no man's land désertique pour devenir un paradis horticole grâce à d'énormes travaux d'irrigation.
Les grands événements qui ont captivé l'attention du public, les deux Jeux olympiques, l'assassinat de Robert Kennedy, les émeutes consécutives à l'affaire Rodney King, révèlent une cité aux multiples facettes. À côté des personnalités, architectes, artistes et événements marquants de Los Angeles, Hollywood, capitale mondiale du show business, et ses stars, ne sont pas oubliées. Nombre des mouvements culturels pop qui ont commencé à Los Angeles, tels le surf, les restaurants diététiques, les hot-rods, sont aussi présentés ici, tout comme les crimes et criminels célèbres de la ville. Ce livre dépeint L.A. dans toute sa splendeur et son énergie à travers les centaines d'images récemment découvertes signées Julius Shulman, Garry Winogrand, William Claxton parmi beaucoup d'autres. Extraites d'archives historiques majeures, de musées, de collections privées et d'universités, elles sont accompagnées de textes éclairants de Kevin Starr, célèbre historien de Los Angeles et de David L. Ulin, expert en histoire littéraire de L.A.
