• Une année dans le monde de l'art : le catalogue officiel d'Art Basel 2015 offre une vue panoramique du paysage artistique contemporain à partir d'une documentation complète sur la 46e édition de la plus grande foire d'art contemporain du monde (à Bâle, Miami et Hong Kong), cartographiée sous la forme d'un abécédaire rassemblant, sur 700 pages, images, entretiens, essais et dossiers consacrés aux tendances et aux personnalités les plus influentes actuellement, artistes, commissaires, galeristes, collectionneurs, directeurs de musées, etc.

    Entretiens et contributions de Sheikha Hoor Al Qasimi, Stéphane Aquin, Manuela Ammer, Camilla Barella, Monica Bonvicini, Ute Meta Bauer, Harry Bellet, Heman Chong, Suzanne Cotter, Cao Fei, Sylvie Fleury, Alexie Glass-Kantor, Matthew Higgs, Max Hollein, Christian Jankowski, Omar Kholeif, Li Zhenhua, William Lim, Maria Lind, Robin Meier, Heike Munder, Matthias Mühling, Glenn Phillips, Philippe Pirotte, Seth Price, Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, Allan Schwartzman, Mari Spirito, Luisa Strina, Rirkrit Tiravanija, Jochen Volz, Danh Vo, Ken Wong, Samson Young, Marc-Olivier Wahler, etc.

  • Le premier ouvrage entièrement consacré aux sculptures de l'artiste multimédia Doug Aitken. Une vaste sélection de ses oeuvres tridimensionnelles qu'accompagne un texte du célèbre romancier Steve Erickson écrit pour l'occasion.
    Plus proche du récit graphique que du simple inventaire, cette publication conçue dans les studios de l'artiste n'en offre pas moins toutes les informations nécessaires à la compréhension des oeuvres grâce à un index fourni. Jouant avec les mots et les images, faisant appel à la technologie ou la perception humaine afin de faire réagir le public, les sculptures d'Aitken revêtent ici une forme nouvelle, celle de reproductions imprimées qui, assemblées, composent une « Gesamt-exhibition », exposition totale que seul peut produire le médium livre.
    Doug Aitken (né en 1968 in Redondo Beach, Californie, vit et travaille à Los Angeles) est connu à la fois pour ses photographies et ses installations vidéos (dont Electric Earth, qui a reçu le Prix International à la Biennale de Venise en 1999). Ses installations vidéo imposantes et sensuelles combinent avec une grande virtuosité architecture, son et image en mouvement pour explorer les notions de présence, de distance et de mémoire à travers une déconstruction spatiale et temporelle qui s'affranchit de toute narration linéaire.

  • Anglais Sue Williams

    Lionel Bovier

    L'artiste américaine Sue Williams provoque en dessinant et peignant les espoirs féministes et les questions du genre. Chargée politiquement et sexuellement, son oeuvre apparaît à la frontière ambiguë entre deux lieux : figuratif ou abstrait, rassurant ou dangereux, réel ou imaginaire. Cette première monographie exhaustive retrace son parcours depuis les années 1980 jusqu'à nos jours.
    Sue Williams (né en 1954 à Chicago, vit et travaille à New York) s'est fait connaître au début des années 1980 par des oeuvres proches d'une esthétique postmoderne et féministe alors en vogue. Depuis lors, Williams s'est orientée vers une plus grande abstraction plastique et thématique, tout en sauvegardant la cohérence de son propos. Elle a exposé au Palais de la Sécession, Vienne, au Centre d'Art Contemporain de Genève, au Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden, Allemagne, et a participé consécutivement à trois biennales du Whitney Museum, New York.


  • Présente cet artiste suisse qui mêle dans ses oeuvres la sculpture, la peinture, le dessin, l'installation et la performance, et qui s'inspire de différents courants de l'art moderne et contemporain, de la musique et du cinéma. Propose un entretien avec l'artiste et quelques-uns de ses textes théoriques.


  • John armleder

    Lionel Bovier


    Réunit un entretien avec l'artiste, un essai sur son oeuvre et ses recherches sur la perception et la réception de l'oeuvre, un panorama de l'ensemble de sa production depuis ses débuts, ainsi que ses écrits critiques et théoriques.


  • Pierre Charpin

    Lionel Bovier

    Une vue d'ensemble de la production du designer français depuis vingt-cinq ans.
    Abondamment illustrée, cette monographie, qui présente les objets mais aussi les dessins du designer célèbre pour ses productions industrielles aussi bien que pour ses créations expérimentales, contient des essais de Françoise Guichon, l'ancienne chef du service design du Centre Pompidou, de la critique de design Alessandra Fanari, ainsi qu'une longue conversation avec l'historien du design Marco Romanelli, suivie d'un index des créations de Charpin depuis vingt-cinq ans.

    Plasticien de formation, Pierre Charpin (né en 1962 à Saint-Mandé, vit et travaille à Ivry-sur-Seine) consacre l'essentiel de son activité au design de mobilier et d'objet depuis le début des années 1990. Son travail s'articule autour de projets de recherche et de projets de production.
    Il a notamment mené des projets expérimentaux avec le Centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques (CIRVA) de 1998 à 2001 ou le Centre de recherche sur les arts du feu et de la terre (CRAFT) entre 2003 et 2005, ainsi que dans le cadre de de collaborations avec de grands éditeurs tels Alessi, Cristallerie de Saint-Louis, Ligne Roset, Manufacture nationale de Sèvres, Montina, Pamar, Tectona, Venini, The Wrong Shop et Zanotta Edizioni.
    En 2004, Pierre Charpin est lauréat du concours international pour la conception de la carafe Eau de Paris, produite à 10000 exemplaires. Il est également scénographe pour ses propres expositions (au MUDAC, au Grand-Hornu Images...) et pour des expositions thématiques comme Les Sixties mode d'emploi (Musée de la Mode et du textile, Paris), Mobiboom (Les Arts Décoratifs, Paris) et Quali Cose Siamo, la troisième édition du Triennale Design Museum (Milan), organisée en 2010 par Alessandro Mendini.
    Parallèlement à son activité de designer, il enseigne le design de 1998 à 2008 à l'Ecole Supérieure d'Art et de Design de la ville de Reims et il anime régulièrement des workshops à l'ECAL (Ecole Cantonale d'Art de Lausanne).
    Plusieurs de ses pièces font partie des collections du FNAC (Fond National d'Art Contemporain), du centre George Pompidou, du Musée des Arts Décoratifs de Paris, du Grand-Hornu Images (Belgique) et sont aussi présentes dans différentes collections particulières d'Art Contemporain et de design en France comme à l'étranger.

  • Anglais Djordje Ozbolt

    Lionel Bovier

    Première publication dédiée aux peintures hétéroclites et irrévérencieuses de l'artiste d'origine serbe basée à Londres.
    Djordje Ozbolt (né en 1967 à Belgrade, vit et travaille à Londres depuis le début des annéees 1990) est actuellement l'un des exemples les plus frappants d'une approche décomplexée de la vénérable pratique de la peinture. Son oeuvre foisonnante, qui intègre aussi la sculpture, adopte un large éventail de styles, de genres et de sujets : portrait classique, nature morte, paysage, peinture historique ; modernisme, surréalisme ; religion, relations humaines, exotisme (principalement au travers de nombreuses références à l'Afrique), stéréotypes culturels... Derrière des titres ludiques et au-delà de leur aspect fantaisiste, les peintures-collages d'Ozbolt, qui pillent, pastichent et téléscopent allègrement des éléments culturels et traditionnels hétéroclites, abordent de manière audacieuse et irrévérencieuse de nombreuses problématiques contemporaines, au premier rang desquelles les figures de l'autorité.

  • Une année dans le monde de l'art : une vue panoramique du paysage artistique contemporain à partir d'une documentation complète sur la 44e édition de la plus grande foire d'art contemporain du monde (à Bâle, Miami et Hong Kong), cartographiée sous la forme d'un abécédaire rassemblant, sur 700 pages, images, entretiens, essais et dossiers consacrés aux tendances et aux personnalités les plus influentes actuellement, artistes, commissaires, galeristes, collectionneurs, directeurs de musées, etc.
    JRP|Ringier et Art Basel publient un nouveau type de livre célébrant la 44e année d'existence de la manifestation, ayant désormais une influence mondiale grâce aux satellites de Miami et Hong Kong. Art Basel | Year 44 explore le dynamisme des trois manifestations d'Art Basel en se penchant sur les galeries, événements et lieux liés à la foire, qui est devenue une partie intégrante du monde de l'art. L'ouvrage propose de courtes présentations et des entretiens plus longs avec des galeristes, offrant de nouveaux éclairages sur l'intérieur d'un réseau de galeries internationales. Avec, notamment, John M. Armleder, Nicholas Baume, Harry Bellet, Dara Birnbaum, Florence Derieux, Herzog & de Meuron, Gianni Jetzer, Tadashi Kawamata, Arto Lindsay, Malcolm McLaren, Elaine Ng, Hans Ulrich Obrist, Mickalene Thomas, Adrian Wong...

  • Livre d'artiste : un essai photographique sur la manière dont le rêve est construit au travers de l'architecture.

  • La parution, en 1972, de Learning from Las Vegas, a profondément marqué la discipline architecturale par l'analyse que Robert Venturi, Denise Scott Brown et Steven Izenour ont proposé du passage du modernisme au post-modernisme en architecture, incarné notamment dans les nouveaux contenus symboliques véhiculés par le paysage des banlieues commerciales américaines.
    Valentin Carron s'en inspire et rassemble pour Learning from Martigny une documentation photographique sur son environnement, source de nombre de ses travaux, ainsi que des images de ses sculptures et peintures.
    Imprimé à l'encre métallique, l'ouvrage, dont le graphisme est conçu par Gavillet & Rust/Eigenheer, inclut un texte inédit de l'écrivain Nicolas Pages.

  • Les mémoires d'un éditeur d'art : le manifeste de Lionel Bovier, sous la forme d'un abécédaire (de Art Publisher à Zombie Book en passant par E-Book, Graphic Design ou Money), à l'occasion des 10 ans de JRP|Ringier.
    10 years 16 hardworking people 632 books published 1,800 authors published 3,500 submissions read 4,000 tons transported 15,000 PDFs generated 20,000 printing hours 300,000 working hours 600,000 emails exchanged 1,000,000 books sold Lionel Bovier est le fondateur et directeur des éditions JRP|Ringier.

  • Anglais Karen Kilimnik

    Lionel Bovier

    Monographie de référence de l'artiste américaine : un panorama complet de la production de Kilimnik, par-delà la distinction entre peinture, dessin et installation.
    Nouvelle édition augmentée de la monographie parue en 2006 (ISBN 978-3-905701-23-4).
    Ayant contribué à la fin des années 1980 à la définition du genre de l'installation, Karen Kilimnik (née en 1955, travaillant à Philadelphie) se révèle aujourd'hui particulièrement virtuose dans celui de la peinture classique. Fascinée par l'univers féerique des contes et légendes autant que par les icônes de la culture pop contemporaine, empruntant ses sujets à l'actualité, à la presse « people », autant qu'à la littérature et aux maîtres de la peinture ancienne (Constable, Reynolds, Goya), l'artiste recrée des « intérieurs » semblables à des décors de théâtre, où la réalité côtoie l'illusion.

  • Anglais Paulina Olowska

    Lionel Bovier

    Monographie de référence : une vue d'ensemble du travail de l'artiste polonaise de renommée internationale, avec un entretien et un essai de Jan Verwoert.
    Paulina Olowska (née en 1976 à Gdan'sk, vit et travaille à Raba Niz.na, Pologne) s'intéresse à la fascination exercée par la société de consommation occidentale au temps de la Pologne communiste et célèbre l'esprit et l'élégance de la « fantaisie appliquée » - expression inventée par l'écrivain polonais Leopold Tyrmand en 1954 pour décrire les re-créations vernaculaires des stéréotypes occidentaux.
    Dans ses peintures, collages ou oeuvres textiles, Olowska mêle textes, images trouvées à l'esthétique résolument marquée par les codes de l'époque en Europe de l'Est, et matériaux habituellement rejetés hors du champ artistique (tissus, carrelage...), rendant ainsi hommage au mouvement américain des années 1970 Pattern and Decoration.
    Le travail de Paulina Olowska, qui vit dans la campagne polonaise, a fait l'objet d'expositions monographiques dans de nombreuses institutions internationales : MoMA, New York (2011), Tramway, Glasgow (2010), Pinakothek der Moderne, Munich (2009), DAAD Galerie, Berlin (2008), Portikus, Frankfurt (2007)...

  • Cette publication retrace pour la première fois l'histoire du Mamco, suivant l'évolution du musée genevois depuis sa fondation en 1994 jusqu'à 2016. Compilant 22 ans d'existence, l'ouvrage revient en textes et en images sur une centaine d'expositions et sur le développement des collections de cette institution à part.

    Conçu en trois parties, le livre s'ouvre sur des textes concernant la construction du Mamco, son projet muséal et le développement de ses collections depuis sa création. Une deuxième partie revient en images, accompagnées de brefs éclairages textuels, sur une centaine d'expositions couvrant les deux premières décennies de l'activité du musée (la rétrospective Martin Kippenberger de 1997, « Amor vacui, horror vacui » de John M. Armleder, les expositions de Marcia Hafif, Franz Erhard Walther, Tatiana Trouvé, Steven Parrino...). Enfin, une vingtaine d'oeuvres importantes des collections du musée, en particulier des ensembles qui se présentent sous la forme d'espaces spécifiques : l'appartement du collectionneur Ghislain Mollet-Viéville, l'atelier de l'artiste Sarkis, le « container » de Gordon Matta-Clark, la crypte de Claudio Parmiggiani, la grotte de Sylvie Fleury...

  • Anglais écart (1969-1980)

    Lionel Bovier

    Ce livre est consacré aux premiers travaux de la période Fluxus de John Armleder et au groupe Ecart, qu'il a fondé en 1969 avec Patrick Lucchini and Claude Rychner. De 1972 à 1980, le groupe, basé dans une librairie et une galerie à Genève, a organisé les expositions de Giuseppe Chiari, Braco Dimitrijevic, Dick Higgins, Manon, Annette Messager, Ben, Olivier Mosset, Daniel Spoerri, etc., tout en publiant les livres et les éditions de Robert Filliou, Peter Downsbrough, Sarkis, Genesis P-Orridge, Endre Tót, Dan Graham, Maurizio Nannucci, Lawrence Weiner... Une activité foisonnante, incluant aussi des festivals de performance, qui vaut aujourd'hui à Ecart d'être considéré comme l'un des groupes et des espaces alternatifs les plus importants d'Europe.

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