• Spectacle-performance polymorphe mis en scène et écrit par William Kentridge, The Head & the Load explore le rôle de l'Afrique durant la Première Guerre mondiale.

    Cette histoire, encore peu étudiée, est déroulée au fil de tableaux scéniques mêlant musique, danse, jeu d'acteur, projections et sculptures mécanisées. Sur un livret polyglotte (anglais, allemand, français et langues vernaculaires africaines) se déploient tous les méandres de ce conflit et l'importance cruciale qu'eurent tous les porteurs africains utilisés par les Britanniques, les Français et les Allemands. Allusion au proverbe ghanéen disant « la tête et la charge sont les ennuis du cou », cette performance théâtrale met en exergue une histoire aux lourdes répercussions politiques, humaines et sociologiques et s'inscrit pleinement dans la démarche plastique de l'artiste dont les oeuvres sont des catalyseurs politiques. Accompagné d'une distribution internationale de chanteurs, d'acteurs et de danseurs, ainsi que de son complice, le compositeur Philip Miller, William Kentridge développe avec force couleurs, projections vidéos, dessins et mots une oeuvre protéiforme. Une longue et imposante procession d'acteurs et danseurs déroule le récit de ces porteurs africains qui assurèrent le succès des vainqueurs mais restèrent dans l'ombre. L'histoire coloniale et ses répercussions dans le monde actuel sont ici reconsidérées par Kentridge. Présentée à l'été 2018 à la Tate Modern, à Londres, et à l'automne dernier à New York, The Head & the Load fera l'objet de plusieurs représentations en 2020 au Grand Palais, à Paris.

  • Dernier d'une série de trois volumes d'entretiens retraçant l'histoire de la vidéo à travers artpress, L'art vidéo 3. Redéfinitions contemporaines réunit des interviews réalisées au cours des années 2010. Elles témoignent des transformations en cours.
    Même si la vidéo apparaît comme le meilleur outil pour jeter un regard critique sur le passé et le présent, les modes opératoires, les usages et les finalités sont multiples et rebattent les cartes des hiérarchies entre l'image et le son. À tel point que la vidéo, intégrée au media art ou «nouveaux médias», semble paradoxalement remettre en cause l'hégémonie du visuel.

    Entretiens avec Ed Atkins, David Claerbout, Camille Henrot, Bouchra Khalili, Ariane Loze, Mika Rottenberg, Anri Sala, Wael Shawky, Hito Steyerl.
    Par Safia Belmenouar, Florian Ebner, Étienne Hatt, Eleanor Heartney, Marcella Lista, Anaël Pigeat, Kathryn Rattee, Erik Verhagen.
    Préface d'Étienne Hatt.

  • Depuis la première saison, sortie en 2011, Game of Thrones est devenue la série la plus appréciée et attendue par les fans du monde entier.
    Cet ouvrage imposant présente le travail extraordinaire des artistes et des cinéastes de la série. Ce livre contient des centaines d'oeuvres d'art étonnantes, en partie inédites, des peintures de production, des concept arts et autres croquis, tous sortis directement des archives de HBO.
    Présentées en grand format et réalisées avec le soin apporté aux ouvrages de luxe, les pages de cet ouvrage déroulent une chronique visuelle du travail artistique méticuleux accompli pour donner vie à Westeros.

    Cet ouvrage de collection est sans aucun doute l'héritage visuel de Game of Thrones. Les fans reconnaîtront les moments forts, les scènes les plus incroyables de la série à travers les multiples images et croquis.

    C'est le beau livre collector que chaque fan de la série devrait avoir.

    Ce livre sur l'art de Game of Thrones permettra aux fans de replonger dans cet univers après la diffusion de la huitième et dernière saison de la série.

    Plongez dans un voyage sans précédent au coeur du processus créatif qui a donné vie au monde de Westeros et d'Essos.

  • Notre culture est celle de l'image, et surtout celle de l'image animée. Les vidéos s'affichent avec profusion sur tous nos écrans, nous filmons sans cesse, que ce soit avec nos téléphones, actioncams, appareils photo ou caméras. Et même si certains plans isolés peuvent présenter un intérêt, la plupart n'en auront que s'ils sont assemblés pour raconter une histoire, créer un film. Le montage est donc essentiel.

    Que vous soyez vidéaste amateur, monteur habitué à un autre logiciel ou photographe se mettant à la vidéo, cet ouvrage profondément remanié et actualisé à l'occasion de cette nouvelle édition est là pour vous accompagner dans l'excitante aventure du montage virtuel avec Premiere Pro. Son ambition n'est pas de dresser un inventaire exhaustif de toutes les fonctionnalités du logiciel, mais de vous guider pas à pas dans la création d'un premier film tout en vous donnant les clés pour que vous puissiez ensuite aller plus loin en toute autonomie, et réaliser avec plaisir des vidéos de tous types, au rendu professionnel.

  • Premier d'une série de trois volumes d'entretiens retraçant l'histoire de l'art vidéo à travers artpress, L'art vidéo 1. Les débuts réunit des artistes des deux premières générations de vidéastes.
    Des pionniers Woif Vostell et Nam June Paik au succès, en 1995, de Bill Viola et Gary Hill à la Biennale de Venise, la vidéo s'affirme comme une pratique incontournable de l'art contemporain. Tandis que la vidéosurveillance inspire des travaux en circuit fermé, la télévision reste longtemps la référence, souvent en négatif, de l'art vidéo qui prend la forme de bandes diffusées dans des moniteurs. Mais les artistes commencent aussi à explorer les voies de la vidéosculpture et de l'installation. De cette histoire, artpress donne une vision interdisciplinaire qui l'ouvre à la vidéo-théâtre, à la vidéo-danse ou à la vidéo-performance.

    Entretiens avec Jean-Pierre Bertrand, Jean-Paul Fargier, Gary Hill, Michel Jaffrennou, Joan Jonas, Thierry Kuntzel, Hervé Nisic, Nam June Paik, Bill Viola, Wolf Vostell.
    Par Liliana Albertazzi, Dany Bloch, Louis-José Lestocart, Catherine Millet, Guy Scarpetta, Barry Schwabsky, Raphaël Sorin.
    Préface d'Étienne Hatt.

  • Deuxième d'une série de trois volumes d'entretiens retraçant l'histoire de la vidéo à travers art press, L'art vidéo 2. Entre cinéma et installation revient sur les années 1990-2000. Elles furent marquées par le tournant cinématographique de la vidéo.
    On ne parle alors plus de vidéo mais d'un « autre cinéma » ou de « cinéma d'exposition ».
    Douglas Gordon et Pierre Huyghe commencent par déconstruire les films existants quand d'autres en reprennent librement les caractéristiques.
    La vidéo achève sa spatialisation sous la forme d'installations et Elja-Lilsa Ahtlla ou Doug Aitken tirent parti, à des fins narratives et temporelles, sensorielles et cognitives, de la multiplication des écrans et confèrent au spectateur le rôle de monteur.

    Entretiens avec Eija-Lilsa Ahtila, Doug Aitken, Tacita Dean, Stan Douglas, Douglas Gordon, Pierre Huyghe, Shirin Neshat, Sam Taylor-Wood.
    Par Régis Durand, Térésa Faucon, Greg Hilty, Richard Leydier, Anaël Pigeât, Damien Sausset, Robert Storr, Christine Van Assche, Marine Van Hoof.
    Préface d'Étienne Hatt.

  • Poussez les portes battantes du Garrison Pub, parcourez les rues de Birmingham, et passez devant les usines aux cheminées fumantes et les foires aux chevaux à la périphérie de la ville. Bienvenue dans l'univers des Peaky Blinders !

    Depuis son lancement sur nos écrans en 2013, Peaky Blinders est passé du statut de série culte à celui de phénomène mondial. By Order of the Peaky Blinders est le premier livre officiel de la série, présentant des entrevues exclusives avec le créateur et scénariste Steven Knight, les acteurs et l'équipe de production, ainsi qu'une mine d'informations inédites sur la série et sur l'époque !

  • Découvrez les coulisses et les storyboards des épisodes iconiques de la série la plus primée de tous les temps. Accompagnés d'archives et de commentaires du directeur artistique de la série, William Simpson, plongez-vous dans l'univers flamboyant et foisonnant de Game of Thrones !

    Un beau livre officiel et unique, rempli d'inédits et d'infos, pour tous les fans de Game of Thrones !

  • Première monographie consacrée à l'oeuvre filmique de l'artiste cubano-américaine Ana Mendieta. L'ouvrage?offre une vue d'ensemble de sa filmographie, composée de 104 films réalisés entre 1971 et 1981, à travers une série d'essais inédits et un ensemble iconographique tiré des vingt films ayant fait l'objet d'une restauration numérique pour l'exposition présentée au Jeu de Paume.

    Née dans une éminente famille de La Havane, mais exilée aux États-Unis lorsqu'elle était adolescente, Ana Mendieta (1948-1985) est l'une des artistes les plus novatrices et prolifiques de l'après-guerre. Durant sa trop courte carrière, elle a produit un corpus d'oeuvres unique qui comprend des dessins, des installations, des performances, des photographies et des sculptures. On sait moins qu'elle est également l'auteure de films remarquables. Seul ouvrage consacré à cet aspect de sa pratique, Le temps et l'histoire me recouvrent renferme la première filmographie complète jamais établie, fruit de trois années de recherches. Son iconographie couvre l'ensemble des cent quatre films de l'artiste, réalisés entre 1971 et 1981. Elle inclut notamment des séquences d'images issues des vingt films ayant fait l'objet d'une restauration numérique pour l'exposition présentée au Jeu de Paume ainsi que des photographies leur étant liées. Avec des textes originaux de Laura Wertheim Joseph, Lynn Lukkas, Raquel Cecilia Mendieta, Howard Oransky, John Perreault, Michael Rush et Rachel Weiss, ce catalogue restitue la place centrale des films d'Ana Mendieta au sein de son oeuvre et parmi les bouleversements disciplinaires qui caractérisèrent les arts plastiques au cours des années 1970 avec l'adoption progressive des nouveaux médias par les artistes.

    Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Jeu de Paume, Paris, du 16 octobre 2018 au 27 janvier 2019.

  • The curator who founded MoMA's video program recounts the artists and events that defined the medium's first 50 years.

    Since the introduction of portable consumer electronics nearly a half century ago, artists throughout the world have adapted their latest technologies to art-making. In this book, curator Barbara London traces the history of video art as it transformed into the broader field of media art - from analog to digital, small TV monitors to wall-scale projections, and clunky hardware to user-friendly software. In doing so, she reveals how video evolved from fringe status to be seen as one of the foremost art forms of today.

  • (Re)découvrez, entre autres, les oeuvres du « père » de l'art vidéo Nam June Paik et de Woody Vasulka dans Mémoires vives.

    Cet ouvrage analyse la relation entre l'art vidéo des années 1960 et l'art digital des années 1990. Ce livre aborde plusieurs oeuvres-clés, regroupées sous trois thèmes : les équipements (ré)inventés, la mémoire et les archives, et la multiplication des écrans pour créer un nouvel univers mental.

  • Souterrain ; subterranean

    Ali Kazma

    Entre 2006 et 2015, Ali Kazma développe une oeuvre vidéo principalement articulée en deux séries, intitulées Obstructions et Resistance. De durées variables (entre 5 et 17 minutes chacune), ses vidéos explorent l'univers de la production industrielle, artisanale et artistique, constituant une immense archive du monde du travail contemporain. Chaque oeuvre est une étude des gestes d'ouvriers, de leur rapport à la machine et aux outils, des rythmes de travail et de la cadence des chaînes de production automatisées. De la Réserve mondiale des semences à la cryogénisation, de la taxidermie à l'art du tatouage, d'une opération chirurgicale du cerveau à une usine d'automobile entièrement automatisée, Ali Kazma interroge les effets de la recherche et du progrès scientifique sur l'activité humaine, mais aussi le contrôle que l'homme exerce sur son environnement et sa volonté constante de transformer la matière. La perfection, l'expertise scientifique et artistique ou encore la résistance des corps sont autant de notions abordées dans ses oeuvres.

    Auteurs : Selen Ansen et Pia Viewing, entretien avec Paul Ardenne et Barbara Polla.

  • Diffusé pour la première fois en France dans l'émission Récré A2 en juillet 1978, Goldorak, dessin animé japonais réalisé par le studio Tôei Animation et adapté du manga de Gô Nagai UFO Robo Grendizer (1975-1976), raconte le combat d'Actarus contre les forces de Véga commandées par le Grand Stratéguerre. En France, le dessin animé est un succès immédiat. Il marque toute une génération d'enfants, fait la Une de Paris Match en janvier 1979 et suscite colère et désespoir chez les adultes qui le relèguent au rang de "japoniaiserie" et l'accusent d'influences délétères sur les jeunes téléspectateurs.

    Or, quarante ans après sa première diffusion, Goldorak est toujours là, sans cesse réapproprié et "métamorphosé" pour être transmis à une nouvelle génération de spectateurs. Il est temps de porter un nouveau regard sur cette fiction sérielle. Au-delà des informations factuelles et techniques que l'on peut trouver sur Internet, cet ouvrage se propose de penser avec Goldorak, de mettre en lumière les complexités culturelles du dessin animé et de proposer des analyses et interprétations originales, à travers le prisme de l'histoire, la civilisation japonaise, la littérature, le théâtre, le cinéma, la musique ou l'étude des médias. Il s'agit de prendre Goldorak au sérieux.

  • La Réunion du Conseil national de l'audiovisuel... réunit douze nouvelles oulipiennes. Dans ce recueil jubilatoire, Ragnar Helgi Ólafsson joue avec les mots autant qu'avec les divers modes d'écriture (récit épistolaire, conte fantastique, rapport administratif...). Mais c'est là pour mieux pointer avec humour et tendresse, les limites de la condition humaine et la tendance quasi maniaque de l'homme à vouloir contrôler et organiser chacun des aspects de son existence.

  • Athleticus

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    Qu'est-ce qu'ATHLETICUS ?
    Hippopotames judokas, autruches gymnastes, éléphants basketteurs, otaries arbitres... des animaux sauvages rivalisent lors d'épreuves athlétiques. Du tennis à la barre fixe, en passant par le tir à l'arc et le saut en hauteur, ils réagissent selon leur personnalité et les particularités de leur anatomie, créant des situations comiques ou poétiques, mais toujours décalées.

  • Que faire de ses vieilles bobines qui traînent au grenier ? Qui ne s'est pas interrogé sur le devenir de ses films de famille qui avec l'obsolescence des matériels devenaient difficiles à voir. Partant de ce constat, il y a quelques années, l'Institut Jean Vigo, relayait l'appel à collecte de la Fédération Internationale des Archives de Films (FIAF) sous le leitmotiv « Ne jetez pas vos films ! », véritable plan de sauvegarde des archives privées. Les films amateurs, les films d'entreprises, les films publicitaires ou encore institutionnels ont trouvé une seconde jeunesse au sein de la cinémathèque. L'objet de ce livre/DVD est donc d'offrir au public un ensemble raisonné de films autour d'un objet patrimonial décrit par les films déposés à l'Institut Jean Vigo. Notre choix s'est porté pour ce premier ouvrage, que l'on espère suivi d'autres, sur le patrimoine maritime. Le DVD s'organise en cinq thèmes : De Port-Camargue à Cerbère ; Histoire de pêcheurs ; Bateaux petits et grands ; Bords de mer et canetons ; Le littoral, rêves d'architectes. L'identité littorale du golfe du Lion y est longuement révélée. La musique originale est signée Virgile Goller.
    Le livre quant à lui offre une contextualisation des images. Les auteurs venant d'horizons différents, spécialistes et passionnés, nous donnent à travers leurs contributions des pistes de lecture. Les diverses activités littorales : pêche, navigation, tourisme y sont présentées dans leur évolution depuis leur aspect traditionnel jusqu'au triomphe de la modernité. À propos de la collection «Mémoire filmique du sud» L'Institut Jean Vigo et la Cinémathèque de Toulouse ont lancé le projet « Mémoire filmique du Sud » en 2012. Ce projet consiste en la collecte de films et en leur numérisation afin de les mettre en ligne sur un site internet commun. Les films deviennent ainsi accessibles à un large public, aux chercheurs et aux professionnels de l'histoire et/ou de l'image. Les films collectés sont des documents de patrimoine portant un intérêt régional. Composé de films amateurs, institutionnels et d'entreprises, ce corpus de films est une source précieuse pour l'histoire des deux régions.

  • Tout notre environnement est désormais « cliquable ». La frontière entre le réel et le virtuel se brouille jusqu'à devenir intangible. Cette hybridation en cours est une métamorphose encore plus radicale et stupéfiante que la révolution de notre vie quotidienne par le numérique. Hugues Dufour dévoile comment la technologie est en train de fusionner le monde physique et l'univers digital. Il nous plonge au coeur de la matrice des jeux vidéo et nous fait découvrir le laboratoire et la fabrique d'une nouvelle forme d'interactivité. Il explique ensuite les ressorts et enjeux de notre relation au virtuel et ce que cela change dans notre lien au monde et aux autres. Au carrefour de la technologie, du jeu et de la créativité, cet ouvrage apporte un éclairage inédit sur la manière dont nos processus créatifs et notre nouveau rapport à la réalité nous conduisent inéluctablement à l'aube de la civilisation virtuelle.

  • Téléchat

    ,

    • Tana
    • 5 Octobre 2017

    Téléchat est de ces émissions totalement cultes pour une génération d'adulte ayant regardé Recré A2 pendant les années 1980. L'émission, créée par Roland Topor et Eric Van Beuren, restera dans les annales de l'histoire de la télévision comme étant la plus étrange, drôle et décalée.
    Destinée aux enfants, cette série parodie le journal télévisé des adultes : présentée par des marionnettes (Lola l'autruche, Groucha le chat au bras dans le plâtre, Micmac le micro de Groucha, etc.), elle est aujourd'hui consacrée comme culte.
    Téléchat est l'une des meilleures émissions de télé françaises jamais créées. Diffusée sur Antenne 2 entre 1983 et 1986, rediffusée quelques années plus tard sur la Cinquième puis remis au goût du jour par Arte en 2010, elle a marqué plusieurs millions de téléspectateurs qui n'étaient pas prêts pour ce haut niveau de bizarrerie télévisuelle.
    Interviewé par Philippe Vandel, le cocréateur de la série Eric Van Beuren revient sur les épisodes marquants de la série et livre les coulisses de la création de cet ovni télévisuel. Il nous offre également des centaines de documents inédits : photos rares, lettres d'insultes de parents, timbres, collection d'objets dérivés...
    À l'heure ou nous célébrons le 20e anniversaire de la mort de Roland Topor, cet ouvrage met en lumière la télévision d'une autre époque, avant l'arrivée des dessins animés japonais sur les écrans.
    Maintes fois consacrée dans les festivals, cette émission n'a pas laissé indifférent cette génération d'enfants "Récré A2". Que l'on aime ou que l'on deteste, Téléchat fascine encore aujourd'hui.

  • Peter Campus

    Collectif

    Coffret de trois livres consacré à l'oeuvre de Peter Campus, l'un des plus importants pionniers de l'art vidéo (catalogue de la première exposition monographique de l'artiste en France, au Jeu de Paume, en 2017 ; fac-similé d'un catalogue d'exposition épuisé de 1974 ; livre en réalité augmenté comprenant l'ensemble de son travail depuis 1971).
    La publication se compose de trois volumes :

    Le catalogue de l'exposition au Jeu de Paume « Peter Campus - Video ergo sum ». Il comprend une préface de Marta Gili, des textes d'Anne-Marie Duguet, Chris Meigh-Andrews, Jacinto Lageira et un entretien avec Peter Campus par Mathilde Roman. Avec de nombreuses photographies d'oeuvres et des dessins préparatoires, la biographie de l'artiste, les listes des oeuvres et des expositions personnelles et collectives, ansi qu'une importante bibliographie. 252 pages.

    La reproduction du catalogue de l'exposition « Peter Campus - Closed-circuit video » à l'Everson Museum of Art, Syracuse, dans l'Etat de New York en 1974. Un catalogue aujourd'hui épuisé qui comprend un texte de référence « La vidéo comme fonction de réalité », sept dessins de l'artiste pour les toutes premières installations en circuit fermé, et un essai de David A. Ross, commissaire de l'exposition. 64 pages.

    Un livre augmenté. Ce 7e titre de la collection « Anarchive » associe un livre comprenant les écrits de Peter Campus avec une base de données numérique permettant d'explorer l'ensemble de son travail depuis 1971, ses vidéos, ses installations vidéo en circuit fermé et ses photos via une application de réalité augmentée. 120 pages.
    Configuration minimale requise : systèmes iOS et Android.

    Publié à l'occasion de l'exposition « Peter Campus - Video ergo sum », Jeu de Paume, Paris, du 14 février au 28 mai 2017.

  • Découvrez chaque jour, tout au long de l'année 2018, une vidéo paranormale ou inexpliquée, sélectionnée le jour même parmi les milliards de vidéos disponibles sur le Web ! Pour en profiter, il vous suffit de télécharger gratuitement (une fois pour toutes) une application QR code, puis de scanner le QR code imprimé sur la page du jour. Vous aurez ainsi accès, sans aucun effort, au meilleur de l'Internet du monde entier !

  • Im/possible films

    Mark Lewis

    Mark Lewis est un artiste canadien contemporain internationalement reconnu. Il travaille à la frontière de l'art contemporain et du cinéma. Après avoir « mis en pièce » les conventions du langage filmique et exploré ses composantes pour leur propre compte, Mark Lewis a développé son propre langage cinématographique, combinant les dispositifs les plus anciens du médium (plan unique) aux stratégies de l'art contemporain (minimalisme, conceptualisme).
    Mark Lewis est actuellement au premier plan de la scène artistique française à travers deux évènements importants:
    Depuis octobre dernier, Le Louvre accueille l'exposition « Invention au Louvre » jusqu'en août 2015. L'artiste expose également ses oeuvres, du mois de février au mois de mai, au BAL à Paris sous le titre de « Mark Lewis. Above and Below ».

    - Les essais de Christine Ross, Elie During et Sylvain Portmann réunis dans le volume s'inscrivent respectivement dans les domaines de l'histoire de l'art, de la philosophie et de l'histoire du cinéma. Les trois auteurs s'intéressent au mouvement autonome de la caméra comme stratégie de construction sensorielle, mais ils le font sur la base de références distinctes et dans des buts différents.
    - Un entretien du cinéaste est proposé : il a été demandé à Mark Lewis de décrire sa relation à l'histoire du cinéma et à l'art contemporain, en d'autres termes de se positionner au sein du champ de la création.
    - Ce volume contient également un carnet d'images sélectionnées par l'artiste, conçue comme une illustration de son travail.
    Mark Lewis a choisi un film par année, de 1995, date de son film séminal Two Impossible Films, à 2014 ; il reproduit les plans de début et de fin de chaque film.

  • Bill Viola

    ,

    • Snoeck
    • 30 Septembre 2017

    Dans le cadre de la commémoration de la Réforme en 2017, les Deichtorhallen de Hambourg présentent une exposition de grande envergure de l'artiste média tique américain Bill Viola (*1951) avec 13 des installations vidéo qu'il a créées depuis 1992. Son travail tourne autour des thèmes centraux de l'existence humaine - naissance, émotion, spiritualité, amour et mort. L'artiste s'intéresse surtout aux traditions mystiques en général, du christianisme au bouddhisme zen et à l'islam. Cette ouverture spirituelle, où les corps des spectateurs deviennent toujours aussi le média d'ex périences marginales, se retrouve dans toutes les installations vidéo de Bill Viola qui séduisent par leur aura inoubliable. L'esthétique des images s'y appuie parfois fortement en ultra slow motion à l'iconographie du Moyen-Âge ou de la Renaissance -ces tableaux uniques en leur genre transmettent avec une puissance prodigieuse couplée à une exigence extrême de forme l'expérience du sublime et du spirituel avec les moyens que propose le langage des images du 21e siècle globalisé. Bill Viola compte, avec ses nombreux projets et ses multiples expositions - notamment au Grand Palais de Paris, au Museum of Modern Art de New York, à la 46e Biennale de Venise où il a représenté les USA ou en ce moment au Palazzo Strozzi de Florence -, parmi les plus éminents artistes contemporains au monde et passe pour le chef de file et principal représentant de l'art vidéo.

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