Mothmeister is the nonstop morphing alter ego of two artistic soulmates based in Belgium, home of surrealism. In their eerie Post-Mortem Fairy Tales, they portray a series of masked, grotesque characters - often accompanied by startling stuffed animals and a variety of curiosa from their private collection.

Just like in the Victorian era, when deceased loved ones were photographed as a memento for grieving relatives, Mothmeister immortalizes animals in a weird and wonderful fairy-tale world.

In addition to the numerous eccentric portraits in this book, Mothmeister also reveals a unique look behind the mask: from the duo's intriguing adventures in the world's most abandoned places to their untamed passion for taxidermy, masks and fascinating on-the-road images, exposing their quenchless Wanderlust.

Ce catalogue, dirigé par Patrick Thévenin, explore les multiples facettes du disco, genre musical plongeant ses racines dans les cultures africaines-américaines, devenu un mouvement mondial, sans jamais se départir complètement du contexte social et activiste qui l'a vu naître.

De son émergence dans les clubs noirs et gay de New York à son explosion populaire au milieu des années 1970, jusqu'à l'apparition de l'épidémie de sida et au retour moral incarné par le reaganisme, l'ouvrage célèbre la fulgurance et les bouleversements collectifs et intimes de l'ère disco.

Culture queer, féminisme, notion de genre, safe place , DJ stars, clubbing... L'héritage disco préfigure et imprègne nos sociétés contemporaines, et les questionnements brûlants qui les animent.

Le portrait dit des Époux Arnolfini a été peint par Jan Van Eyck en 1434 : énigmatique, étrangement beau, sans précédent ni équivalent dans l'histoire de la peinture... Cet ouvrage offre un voyage au coeur de ce tableau, qui aimante par sa composition souveraine et suscite l'admiration par sa facture. Touche après touche, l'auteur décrypte les leurres et symboles semés par l'artiste sur sa toile, à l'image d'un roman policier à énigmes. Alors le tableau prend corps, son histoire se tisse de manière évidente et les personnages qui nous regardent dans cette scène immuable prennent vie devant nous...

De Sofonisba Anguissola à Marina Abramovi ? en passant par Élisabeth Vigée-Lebrun, Camille Claudel et Georgia O'Keeffe, cet ouvrage explore à travers 60 chefs-d'oeuvre, les thèmes, les mouvements et les grands tournants qui ont façonné l'histoire des artistes femmes.Susie Hodge raconte les avancées réalisées pour obtenir une parité avec les artistes masculins, les importantes contributions faites aux mouvements artistiques et redécouvre des artistes oubliées ou éclipsées.Accessible, concis et richement illustré, le livre nous explique les quand, comment et pourquoi de la reconnaissance des artistes femmes.

L'art contemporain semble s'être toujours présenté en rupture avec les mouvements artistiques passés. Et si cette rupture n'était qu'un mythe ? Il existe un autre art contemporain, pour lequel les notions de beauté, de figuration ou même d'oeuvre ont persisté. Une tradition délaissée par les institutions, une cohorte d'artistes incompris, connus d'un petit milieu mais ignorés des grands collectionneurs. Dans cette essai vif et brillant, Benjamin Olivennes retrace l'histoire d'un autre XXe siècle artistique, à rebours des normes et des spéculations financières. Et rend hommage à ces artistes maudits, comme jadis, mais amoureux du monde et de sa beauté.

Lancé par le poète André Breton, le surréalisme est un mouvement littéraire et artistique devenu l'un des plus populaires du XXe siècle. Les artistes surréalistes se sont démarqués en laissant parler leur inconscient, leurs rêves, et, guidés par le seul hasard, ils ont créé des juxtapositions étranges d'objets et de mots sans rapport. Ils ont réalisé ces créations sur une multitude de supports et de matériaux, de Meret Oppenheim et sa surprenante tasse recouverte de fourrure au jardin fantastique d'Edward James, Los Pozas, situé au coeur de la forêt tropicale mexicaine.
Dans cet ouvrage, Amy Dempsey présente les figures incontournables du mouvement, leurs oeuvres et les lieux où les découvrir, et explore également les codes du surréalisme et l'héritage qu'il a laissé.
Ce guide essentiel comprend un glossaire indispensable, une chronologie des moments marquants du surréalisme et des suggestions de lectures pour aller plus loin.
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Ouvrage en grand format (29 x 32 cm, 588 pages) présentant les plus belles oeuvres du courant artistique préféré des français en pleine page.
La structure est la suivante: présentation des maîtres français, par ordre chronologique, puis leurs influences dans le reste du monde.
Langues : FR, GB, GER, ESP, NL, ITA

On oublie souvent à quel point les toiles impressionnistes ont semblé provocantes lors de leur première exposition en 1874, à Paris. Par les coups de pinceau rapides et les couleurs utilisées, les impressionnistes peignant au grand air, ont capturé les effets fugitifs de la lumière et leurs ressentis. De ce fait, ils ont rejeté les principes de l'art établis qui prévalaient à cette époque en France. Ralph Skea montre comment les artistes impressionnistes ont su transformer le quotidien en sujet, et retrace le mouvement depuis ses origines en France jusqu'à son expansion aux États-Unis et en Australie. Le choc initial de l'impressionnisme a progressivement laissé place à une acceptation puis à une popularité mondiale. Son impact a également profondément marqué l'art moderne. Lire la suite Fermer

Le mot « curating » est, depuis une quinzaine d'années, un mot de code particulièrement en vogue dans l'univers des expositions d'art contemporain, mais à quelles pratiques se rapporte-t-il exactement et pour quelle raison cet anglicisme a-t-il fini par supplanter, dans la langue française, le terme « commissariat » ? Répondre à ces questions ne revient pas seulement à mettre en lumière le rôle que les artistes, conservateurs de musée, auteurs et « faiseurs » d'expositions ont joué, dès les années 1960-1970, dans le renouveau apporté au champ de l'exposition. L'idée sur laquelle repose cet ouvrage est que le curating, loin d'être un phénomène récent, se rapporte à des à des (r)évolutions plus anciennes et successives, tant dans le domaine de l'accrochage et de la scénographie que dans la sphère professionnelle et institutionnelle au sein de laquelle évoluent les organisateurs d'exposition. Aussi verra-t-on que, depuis le milieu du XIXe siècle, l'activité curatoriale est passée entre les mains de protagonistes toujours plus nombreux et qu'elle oscille désormais entre une hyper-professionnalisation et une déprofessionnalisation toujours plus tangible. Il semblerait en effet que de nos jours, le métier - reconnu comme tel - soit à la portée de tout un chacun, et en particulier à ceux que l'autrice appelle les « curateurs outsiders ». Lire la suite Fermer

Des tunnels de métro et ruelles sombres aux foires d'art internationales les plus hypes, le street art est devenu un phénomène mondial. Simon Armstrong explore ses fondements et montre l'influence durable de la culture du graffiti des années 1960 à Philadelphie et des années 1970 à New York sur le street art d'aujourd'hui.
Il décrit les relations complexes de la pratique face aux graffitis, aux lois, au marché de l'art et à la gentrification à mesure qu'elle évolue et qu'elle adopte de nouveaux matériaux, styles et techniques. Ce livre regroupe de nombreux artistes parmi les plus importants de la sous-culture, des premiers tagueurs, dont Taki 183, les rois Dondi et SEEN de New York, en passant par Shepard Fairey, Banksy, Invader, Miss Van et Vhils. La créativité exubérante du street art apporte de la couleur et de l'énergie aux espaces publics du monde entier et continue de défier notre façon de penser et de voir.
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Cette introduction vivante raconte l'histoire en constante évolution de l'art abstrait, retraçant son histoire du début des années 1900 jusqu'à nos jours. Émergeant des mouvements occidentaux comme le cubisme et l'expressionnisme, l'art abstrait est rapidement devenu un phénomène mondial qui a changé le visage de l'art moderne et contemporain.
L'abstrait, pour de nombreux artistes, offre de nouvelles façons de comprendre le monde qui nous entoure. Stéphanie Straine démystifie le travail de plus de soixante-dix artistes innovants du monde entier de Vassily Kandinsky à Emma Kunz et Rana Begum, redonnant leur place aux artistes femmes bien souvent oubliées.
Une section de référence comprend une chronologie des principales expositions, des suggestions de lectures complémentaires, un glossaire des termes artistiques ainsi qu'un index.

Depuis des siècles, les lecteurs de tout âge sont fascinés par les livres hors norme, qui brisent les deux dimensions de la page et font entrer le tactile et l'interactivité dans l'univers du livre.

L'auteure nous présente ici l'histoire incroyable du livre animé, de l'astronomie au livre magique, du livre de navigation à celui pour enfants. Elle détaille ensuite les procédés techniques permettant de créer ces animations, et les explique pas à pas. Enfin, elle dresse un panorama riche et détaillé de ce qui se fait de mieux dans la création papier contemporaine, du livre d'artiste à la production jeunesse.

La seconde partie du livre est consacrée à l'animation sur écran, aux liens entre livres animés et cinéma, aux applications numériques et à ce que les créateurs papier peuvent apprendre aux artistes des nouvelles technologies. Là encore, l'histoire, les procédés techniques et les créations contemporaines servent le propos pédagogique et culturel.

L'ouvrage est par ailleurs parsemé de témoignages, de rencontres et d'études de cas. Libraire spécialisé, ingénieur papier, médiathécaire du numérique, créateur de livre, etc. nous offrent leur point de vue, leur expérience et leur expertise.
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Parce qu'avec le bois, elle incarne sûrement l'un des
plus formidables terrains d'expression des savoir-faire,
Geste/s invite la pierre dans son nouveau numéro
d'automne.
Qu'elle se révèle dans la force minérale ou le génie
précieux, qu'elle soit granit, calcaire, marbre, diamant,
chez les tailleurs telluriques ou les joailliers virtuoses,
au terroir des vignes comme aux secrets d'ateliers,
tantôt support, tantôt trésor, la pierre est une
grammaire aussi bien qu'une poésie artisanale.
Un langage où les métiers, par-delà le signifié des
oeuvres et des pièces, inventent et réinventent le
signifiant des sens et des symboles.

Depuis plus de deux mille ans, l'art grec et romain est au coeur de la civilisation occidentale. Cet ouvrage propose les clés de compréhension de l'engouement des artistes antiques qui l'ont créé. Il retrace les innovations audacieuses de ceux qui, défiant la sagesse traditionnelle, ont exploré de nouvelles idées ; il décrit les luttes des sculpteurs et des peintres pour représenter - pour la première fois - la complexité de la forme humaine et la richesse des émotions humaines.Les ravages du temps ont tellement anéanti l'art grec et romain qu'il ne semble se composer que de ruines impressionnantes et de fragments brisés. Pourtant, les réalisations créatives des Grecs et leur héritage, tels qu'adaptés par les Romains, n'ont jamais perdu leur pouvoir. Lire la suite Fermer

40 % des oeuvres du Metropolitan Museum de New York sont des faux. C'est du moins l'opinion de son ancien directeur, Thomas Hoving. Après enquête, on se demande s'il n'est pas en-deçà de la vérité. Huit scandales mettant en scène de tristement célèbres faussaires sont racontés ici, pour lutter contre deux idées : non, il n'existe pas de "génie" du faux (sauf ceux qu'on n'a pas attrapés) ; oui, il y en a partout, et ils sont très difficilement détectables...

Ce livre s'adresse à tous ceux qui, sans être médiévistes, souhaitent aiguiser leur curiosité sur un art qui s'est développé grâce à l'essor de la Chrétienté, et qui a permis d'asseoir l'autorité et des premiers rois Capétiens.
L'art roman peut être parfois considéré à tort, comme obscur, massif, en comparaison des élégantes cathédrales gothiques des XIIe et XIIIe siècles. Or, il n'en est rien ... Il vous suffit juste de pénétrer dans un cloître pour se sentir pénétrer d'une lumière spirituelle exceptionnelle, propice à la méditation.
L'art roman est considéré comme un art initiatique; il est chargé de transposer en formes simples la structure harmonique du monde. C'est pour cela qu'il procède par symboles: la forme de l'église évoque la croix latine, son orientation vers le Levant est dirigée vers l'illumination du monde. La recherche de la lumière jouant avec les volumes est primordiale. Comme la pierre dressée, elle symbolise l'élévation.
Grâce à la richesse de l'iconographie recueillie dans ce livre, vous découvrirez une profusion de symboles et de couleurs.
Partons ensemble à la découverte des sites iconiques de l'art roman, émaillés d'églises, de cloîtres et d'abbayes. Ensemble, nous lèverons le voile sur les forces spirituelles qui ont permis d'édifier de tels édifices. Lire la suite Fermer

Une synthèse de toutes les formes d'art de ce pays, y compris le cinéma et la photographie. Un ouvrage de référence avec de nombreux renseignements pratiques pour le visiteur.

Ce livre trace un chemin artistique qui mène à une thématique philosophique en prise avec notre réalité. Il parle de la violence, notion au programme des concours des Grandes Écoles de Commerce 2024 et qui s'invite régulièrement dans le fil de notre actualité faite de conflits, d'émeutes, de discriminations, de rapports de force.
L'oeuvre d'art est alors, selon les auteurs, une porte d'entrée dans la réflexion, une fenêtre ouverte sur la discussion. Dans cette argumentation, l'oeuvre est bien davantage qu'un marqueur culturel, elle capte l'attention, fait sensation, donne à sentir, ressentir ce qui est à penser, en un mot elle est exemplaire.
Ce parcours distribue, en quelques chapitres, plus d'une vingtaine d'oeuvres livrées au regard croisé de l'historienne de l'art et du philosophe. Lire la suite Fermer

Par le texte et l'image, ce vaste panorama historique et culturel nous rappelle pourquoi et comment, du XVe siècle à aujourd'hui, le livre imprimé n'a cessé de révolutionner les pratiques d'écriture et de lecture, les langues et l'univers des images, et marquer matériellement et idéologiquement les sociétés, les imaginaires et les mémoires.

Alors que le Grand Paris se concrétise à grande vitesse, l'éditeur pantinois Magasins Généraux réédite et met à jour son guide pour profiter de toutes les opportunités offertes par cette métropole en 2021. Le pari du Guide des Grands Parisiens, imaginé par les Magasins Généraux et Enlarge your Paris, est de redécouper la région en huit Grands Quartiers. Mêlant des cartes, des reportages, des interviews, des portfolios, la sélection de 320 adresses nous emmène à la découverte de la culture, de l´économie sociale et solidaire, de lieux en plein air ou encore des restaurants de part et d´autre du périphérique qui font le Paris de demain.

La céramique occupe une place de plus en plus visible sur la scène artistique internationale. Entièrement dédié à ce médium, cet ouvrage en montre les aspects les plus inattendus, fidèle à la mouvance artistique présentée par HEY! modern art & pop culture depuis 2010. Les oeuvres présentées, souvent surréalistes ou narratives, influencées par la culture populaire, expriment une volonté de s'émanciper de toutes les normes et conventions dominantes pour faire évoluer la céramique hors de ses frontières traditionnelles. Sont présentés ici des artistes rares, dont une grande partie n'a pas encore été exposéé dans l'Hexagone, ou dont c'est la première publication en France. Se consacrant depuis 2010 aux formes insolites et hors-normes de la création contemporaine, la structure pluridisciplinaire HEY! modern art & pop culture a été fondée en 2009 par Anne Richard. Elle associe trois actions : la création et l'édition d'une revue d'art bilingue, des expositions en musée et la circulation d'oeuvres dans le monde. Lire la suite Fermer

Cette anthologie présente des planches illustrées d'anatomie, révélant comment les secrets du corps ont fasciné les savants, les artistes, mais aussi les profanes. De la Renaissance jusqu'au XXe siècle, les croyances et les savoirs sur le sujet ont évolué de manière spectaculaire. Ce livre retrace l'incroyable diversité des représentations anatomiques, et leurs implications sociales, scientifiques, philosophiques et artistiques. Tous les artistes ont étudié l'anatomie afin de toucher de plus près la vraisemblance de leurs personnages. Elles sont présentées non pas par ordre chronologique, mais organisées en fonction des parties du corps ou de ses systèmes, pour mieux souligner la richesse des approches métaphoriques ou artistiques, et les différents styles utilisés pour comprendre et représenter le corps humain.

Premier mouvement d'avant-garde du XXe siècle, le futurisme est fondé en janvier 1909, Milan, par l'écrivain Filippo Tommaso Marinetti. Ce mouvement révolutionnaire veut instaurer une nouvelle approche du monde en général et de l'art en particulier en repensant l'homme dans sa confrontation avec la machine, la vitesse et la technologie. Etre futuriste signifie poursuivre la régénération continue de toute chose, c'est-à-dire rechercher la plus totale adéquation de la vie humaine à la logique du devenir. Aussi les futuristes inventent-ils mots en liberté, musique des bruits, sculptures cinétiques, assemblages plastiques mobiles, sonores et abstraits, architecture du verre, du fer et du béton, art du mouvement, danses plastiques, théâtre abstrait, tactilisme, jeux simultans, pour réinventer, par l'art, la vie au quotidien : mode, design, jouets, communication postale, création graphique, typographie, meubles, sport, cuisine, comportement, sexualité, etc... Le futurisme, avant de se compromettre en grande partie avec le régime fasciste, deviendra un modèle de référence pour les avant-gardes des années dix et vingt : le cubo-futurisme français et le constructivisme russe, le modernisme brésilien, l'ultrasme espagnol, le vorticisme anglais, l'électricisme suédois, l'ardentisme mexicain, l'activisme hongrois, le formisme polonais, etc., sans parler du dadaïsme et du surréalisme. On retrouvera dans la plupart de ces mouvements, la manière futuriste, la stratégie du manifeste et des "soirées", l'organisation de spectacles, la projection de l'action culturelle au sein même du corps social. Le rôle historique du futurisme fut immense, car son exemplarité en fit le paradigme de ce qu'on a appelé "le siècle des avant-gardes".
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Présente les courants et les figures majeurs de l'art de 1945 à aujourd'hui.