En juillet 1965, Bob Dylan débarque sur la scène de Newport avec une guitare électrique et fait scandale. Un moment mythique de l'histoire du rock, raconté et analysé dans tous ses aspects par un des plus grands critiques américains.
"Un gros travail d'érudition, plein de finesse. Un des meilleurs
livres de musique que j'ai lu. » The Gardian ; «Une vieille histoire vue avec des yeux neufs.» The New York
Times ; «Une contribution majeure à l'histoire de la musique moderne.» Booklist
Sortie très attendue le 29 janvier 2025 de "Un parfait inconnu", du réalisateur James Mangold (Copland, Walk The Line ), avec Timothée Chalamet.

Pour son 54? numéro, la revue Schnock consacre son grand dossier à Sheila, cette éternelle «?petite fille de Français moyen?», qui célèbre en 2025 ses 80 ans sur scène avec ses fans qui ont désormais de 17 à 97 ans.

La musique est le dernier phénomène qui nous rassemble, elle ravive le sentiment d'appartenance à un tout, organise le chaos et rend le monde plus harmonieux. Elle exerce son pouvoir partout où elle résonne.

À travers 42 chroniques, André Manoukian nous invite à ses côtés à explorer le monde du son, ses effets sur l'homme évidemment, mais aussi sur la nature.
L'homme a-t-il chanté avant de parler ? Pourquoi la voix du colosse Néandertal était-elle fluette comparée à celle de Sapiens ? Pourquoi, selon Darwin, le langage humain peut-il être comparé au chant des oiseaux ? Comment l'imitation du cri d'une proie pour la traquer est-elle devenue musique ? Saviez-vous que chaque langue émet dans sa fréquence propre ? Connaissez-vous le pouvoir curateur du chant des baleines ? Comment le son affecte-t-il chaque organe de notre corps ?

Autant de phénomènes surprenants qui nous permettent de mieux comprendre notre rapport au son et à ses vibrations, qu'André Manoukian analyse avec autant de science que de jubilation.
Un livre savoureux qui nous révèle toute la puissance salvatrice de la musique. Lire la suite Fermer

Partant de l'extraordinaire carrière offificielle de Pierre Boulez et de ses relations privilégiées avec les chefs d'État français, l'auteur s'interroge sur l'exceptionnalité de ce cas dans l'histoire musicale occidentale, hormis le précédent de Jean-Baptiste Lully, surintendant de la musique de Louis XIV et créateur de l'opéra français. Il montre que le rapport de Lully et Boulez au pouvoir et ses conséquences sur notre paysage musical ne sont pas des singularités, mais le fruit d'une exception française, due à la préférence nationale pour le mécénat d'État et les régimes politiques à exécutif fort, ainsi qu'à l'importance de la musique dans notre société, dont témoignent tant notre littérature qu'une très riche iconographie dessinée, gravée, peinte ou sculptée. Née sous la monarchie absolue, cette exception qui concerne aussi Rameau, Berlioz, Fauré et le groupe des Six perdure sous la Révolution, sous les monarchies du XIX? siècle et au XX? siècle, avec des éclipses pendant les régimes parlementaires, le relais étant alors pris par d'autres lieux de pouvoir, académies et salons parisiens notamment. Cette parenthèse de quatre siècles paraît refermée aujourd'hui, la musique savante ayant cessé d'intéresser les dirigeants politiques alors que disparaissait Pierre Boulez, dont on célèbre le centenaire en 2025. Le livre raconte, en dix moments de notre histoire et vingt et un compositeurs, les péripéties de cette relation particulière entre un art très politique et un pouvoir se voulant apollonien. Lire la suite Fermer

1913, naissance de la modernité.
En 1913, à deux mois d'intervalle et aux deux extrémités de l'Europe, deux concerts de musique classique déclenchent les pires scènes d'émeute qu'on ait jamais vues dans ce monde d'habitude très guindé. En mars d'abord, à Vienne, des oeuvres de Schoenberg, Berg et Webern déclenchent un véritable pugilat au cours duquel la police doit séparer partisans et opposants de cette musique terriblement dissonante. En mai, ensuite, à Paris, c'est la création du Sacre du printemps de Stravinsky qui dégénère en bataille rangée dans le tout nouveau Théâtre des Champs-Élysées. Aujourd'hui encore, ces deux soirées restent connues comme les plus grands scandales de l'histoire de la musique dite " savante ".
Ces esclandres n'ont pas eu lieu fortuitement. Ils se produisent à un moment où l'Europe artistique et culturelle est en ébullition. Dans tous les domaines - peinture, sculpture, musique, architecture, danse, littérature, philosophie, sciences -, les formes et les certitudes héritées des siècles passés sont malmenées, remises en question, piétinées. Le cubisme de Picasso, l'expressionnisme de Kandinsky, le ready-made de Duchamp, la relativité d'Einstein, la psychanalyse de Freud : partout, la subjectivité et l'abstraction font irruption sur le devant de la scène.
Pour nous faire vivre ces deux soirées historiques, deux personnalités, parmi une profusion de témoins : Stefan Zweig, à Vienne, et Jean Cocteau, à Paris. Jeunes écrivains à l'époque, connectés à tous les artistes de leur temps, fous de musique, ils sont les mieux placés pour nous faire sentir le basculement d'une société héritée du XIXe siècle vers celle que nous connaissons aujourd'hui.
Ce que racontent ces deux concerts-scandale de Paris et Vienne, c'est la naissance de l'art moderne. Un art plus difficile d'accès, qui ne caresse pas l'auditeur ou le spectateur dans le sens du poil. Un art qui ne se pose pas la question du beau dans les mêmes termes qu'avant. Un art qui, en définitive, prend le parti de laisser sur le bord de la route une grande partie du public, rebuté par un langage qui lui devient étranger. C'est ainsi que, pour beaucoup ? et c'est un paradoxe ?, la musique s'est arrêtée en 1913. Lire la suite Fermer

Les plus belles fleurs poussent dans le fumier, dit l'adage. La musique américaine a germé à La Nouvelle Orléans à l'aube du XXe siècle. Dans les bas quartiers où ils sont nés, musiciens et gangsters ont scellé une alliance aux intérêts réciproques. Ils ont cheminé côte-à-côte des bordels de Storyville aux buildings de Los Angeles, profitant du tremplin des clubs d'Al Capone et des théâtres de Broadway. Partout où la pieuvre mafieuse a étendu ses tentacules la musique a explosé. L'âge d'or de la Prohibition a offert à la pègre le contrôle de l'activité musicale. Jazz, blues, rock et pop ont évolué sous la protection des parrains jusqu'aux années 1990. Nourri d'anecdotes et de témoignages, ce livre retrace cette épopée vécue par Louis Armstrong, Fats Waller, Duke Ellington et bien d'autres. Lire la suite Fermer

Pour la première fois retracée par le journaliste Renaud Machart, l'histoire du formidable renouveau de la musique baroque dans la deuxième moitié du XXe siècle, ses principaux jalons, ses principales figures. « Jouer baroque », c'est essayer de restituer le plus authentiquement possible la musique des XVII et XVIIIe siècle. Les musiciens tenant de ce retour, dits « baroqueux », ont fait redécouvrir tout un répertoire oublié. Parmi eux, d'extraordinaires musiciens, Nikolhaus Harnoncourt, Gustav Leonhardt, France William Christie ou Jean-Claude Malgoire, et une foule d'ensembles. Un ouvrage de référence très documenté, qui fait également la part belle aux souvenirs.

Chroniques d'un passionné de la musique Savez-vous que Pythagore a créé la gamme à douze notes en s'inspirant des pyramides d'Égypte ? Que le loup est l'inventeur du chant choral ? Ou que Bach brillait pour ses battles d'impro ?
À travers quarante chroniques, André Manoukian retrace une histoire fascinante et méconnue de la musique, un art qui puise sa source en Orient, dans les raffinements des civilisations indiennes, perses ou égyptiennes. Ces influences ont irrigué la musique occidentale, qui évolue au fil des siècles sous l'impulsion de personnages extraordinaires, musiciens, penseurs, religieux ou scientifiques.
Des instruments préhistoriques au chant des planètes, des philosophes antiques au rap, André Manoukian nous initie à cet art et nous dévoile par touches les petites histoires qui ont fait la grande musique.

À propos de l'auteur Auteur-compositeur, arrangeur, pianiste et chroniqueur, ANDRÉ MANOUKIAN nourrit depuis toujours une passion communicative pour la musique. Depuis 2013, il est chroniqueur musical sur France Inter.

« Une petite histoire de la musique subjective et transversale. Bach côtoie Fats Waller, Miles Davis dialogue avec Beethoven. Une rééducation de l'oreille et des neurones par le plaisir. » Classica « Un livre absolument merveilleux. » Élisabeth Quin, 28 minutes, Arte « Une traversée joyeuse et savoureuse sur les rives des notes. » Marianne « Confidences en ré mineur pour notre bonheur... » France Dimanche « Dans [ce livre], André Manoukian nous transmet cette passion pour la musique, passion des sons, des instruments, et nous fait voyager dans le temps et dans l'espace. » Karim Rissouli, C ce soir, France 5 Lire la suite Fermer

Récit consacré aux vixens, les danseuses et actrices qui apparaissent dans les clips de rap. L'autrice raconte les dessous de ce métier, qu'elle a commencé à exercer à l'adolescence, les évolutions du milieu de la scène française, son combat pour obtenir un salaire décent et un cadre de travail approprié, ainsi que les abus dont ont pu être victimes certaines de ces femmes.

Des arbres du Sud portent un fruit étrange Du sang sur les feuilles et du sang aux racines Un corps noir oscillant à la brise du Sud Fruit étrange pendu dans les peupliers» En 1939, Billie Holiday n'a que 24 ans quand elle interprète pour la première fois Strange Fruit. Non sans susciter le scandale, cette chanson évoque l'assassinat des noirs par lynchage. Protest song avant l'heure et symbole de la marche des Noirs vers l'émancipation, elle fut écrite par un Juif blanc new-yorkais, Abel Meeropol, qui recueillit les enfants Rosenberg après que leurs parents furent exécutés. La revue musicale britannique Q, a classé Strange Fruit parmi les dix chansons qui ont changé la face du monde. David Margolick montre son impact, musical et historique.
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New York, 1974. Cela fait déjà quelques années que les communautés gay, noire et latine se côtoient et se mélangent sur les dancefloors du Loft, du Continental Baths ou de la Gallery. Véritables temples de la libération sexuelle et des paradis artificiels, ces nouveaux lieux baptisés « discothèques », sont le terrain de jeu des DJ, qui chaque week-end, font danser sur de la soul, du funk ou des raretés afros et latines, une foule venue oublier les tourments d'une époque en pleine crise économique et existentielle. C'est l'explosion du phénomène disco qui, entre 1974 et 1979, va envahir le monde entier et changer le cours de l'histoire de la musique. Donna Summer, Gloria Gaynor, les Bee Gees ou Chic deviennent les héros de ce mouvement qui, en plus de faire danser, accompagne les revendications de minorités jusqu'ici silencieuses Lire la suite Fermer

Compositrices : l'histoire oubliée de la musique, comme son titre l'indique, se présente comme un manuel d'histoire de la musique, recoupant volontairement les mêmes périodes que la plupart des ouvrages de références, c'est-à-dire huit grandes parties : Antiquité, Moyen-Âge, Renaissance, époque des absolutismes (baroque), siècle des Lumières (classique), période romantique (XIXe siècle), période moderne (1890-1945), période contemporaine. Ce découpage traditionnel permet au lecteur de se référer à ses connaissances préalables, ou inversement d'arpenter par la suite d'autres ouvrages structurés sur les mêmes bases, dans le but à la fois de favoriser la comparaison des approches et de faciliter un travail intellectuel de complément entre les livres.

Dès l'âge de sept ans, il s'est produit à travers toute l'Europe :
Vienne, Bruxelles, Paris, Londres, Amsterdam ou Genève... De retour à Salzbourg, l'enfant Mozart s'est mis à composer :
des sonates et des symphonies, un premier opéra. Il faut encore attendre quelques années, quand Leopold Mozart engage son jeune adolescent de fils à le suivre. Direction, cette fois, l'Italie. Trois voyages (entre 1770 et 1773) où Mozart trouvera de quoi sustenter sa curiosité et consolider sa formation musicale. Trois voyages qui sont aussi pour lui l'occasion d'écrire à deux êtres chers : sa mère et sa soeur Narnell. Cette correspondance a été réunie ici. Autant de précieuses lettres grâce auxquelles nous pouvons échapper aux poncifs et clichés poursuivant le musicien prodige ; grâce auxquelles encore nous sont entrouvertes les portes du quotidien et de l'intimité d'un jeune garçon de 14 ans, qui voyage et travaille (beaucoup), s'instruit, découvre, s'amuse, s'interroge et s'enchante à goûter la vie qui s'ouvre et s'offre à lui. Lire la suite Fermer

La free party est la branche clandestine et radicale de la rave. Née en Angleterre, profondément liée à des modes de vie nomades et alternatifs, elle s'est agencée comme une véritable contreculture dans les 90's. C'est en Europe qu'elle a connu son plus fort développement jusqu'à un âge d'or, au terme de la décennie, suivi d'une répression violente dans les années deux mille. Au travers de plus d'une quarantaine de témoignages, l'ouvrage propose de montrer comment elle a changé leurs vies et orienté leurs choix. Réalisés sur un panel varié de représentants du mouvement, ces entretiens entraînent le lecteur dans un monde de voyages, d'utopies, de galères. Sans masque, les témoins se livrent et offrent des récits très denses à l'auteur qui a vécu lui-même ce mouvement de l'intérieur. Lire la suite Fermer

Des premiers work songs au métissage multiethniques, des gospels aux expériences électroniques, du blues aux rapprochements avec le hip-hop, La grande histoire du Jazz aborde, en suivant la chronologie, les grandes phases de l'histoire du jazz : spirituals, gospel, ragtime, jazz hot, swing, bop, cool, hard bop, free, fusion, etc.

Il révèle combien l'évolution du jazz a été conditionnée par la place faite aux Noirs dans la société américaine, infléchie par le poids de l'histoire, par le voisinage d'autres musiques, par l'apparition de nouvelles techniques d'enregistrements et de nouveaux instruments...

Il présente les grandes figures qui ont contribué à son histoire : d'Armstrong à Coleman, Wynton Marsalis et Louis Sclavis, en passant par Duke Ellington, Thelonious Monk, John Coltrane ou Miles Davis. Il explique, dans un langage simple, parfois à l'aide de schémas, le vocabulaire du jazz et son évolution et invite à l'écouter en proposant une importante discographie. Lire la suite Fermer

"Sans la musique, la vie serait une erreur"

« Ce grelot de vache me tient à coeur, il me donne une très violente impression de repos, de calme, d'éloignement et d'immensité. Je me sens fondre dans toute la nature : ma croûte d'orgueil et de froideur voulue éclate ; c'est un moment d'envolée qui fait du bien et rend meilleur. »
C'est en ces mots que le compositeur français Ernest Chausson confie à un ami son amour des Alpes. Pendant des siècles, le massif alpin représente un obstacle difficile à franchir, notamment pour les compositeurs de la Renaissance qui souhaitent rejoindre le sud de l'Europe. Mais dès la fin du xviiie siècle, les montagnes apparaissent comme un lieu d'émerveillement et de créativité qui pousse bon nombre de musiciens à entreprendre un Grand Tour des Alpes à pied, à cheval ou en diligence (Schubert, Weber, Schumann, Mendelssohn, Liszt, Gounod). Plus tard, grâce au développement du tourisme et du chemin de fer de montagne, les artistes vont pouvoir pénétrer au coeur du massif pour s'y ressourcer et trouver l'inspiration. Chez certains musiciens qui pratiquent l'alpinisme ou la randonnée de haute montagne (Wagner, Webern, Bartók, Koechlin), gravir un sommet revient à déchiffrer une partition et à maîtriser ses difficultés. Mais pour la plupart, la pente est douce et l'observation des cimes s'arrête à l'alpage ou au bord d'un lac translucide (Brahms, Mahler, Fauré, Ravel, Rachmaninov). La montagne peut aussi cacher une réalité plus complexe, parfois même douloureuse : elle est alors un remède contre le stress de la vie professionnelle (Mahler, Strauss), un soulagement face à la maladie (Wolf, Ravel, Vierne, Szymanowski), un refuge pour échapper aux contretemps de l'Histoire (Wagner, Stravinsky, Hindemith, Bloch, Korngold) ou aux déboires sentimentaux (Liszt, Tchaïkovsky, Scriabine). C'est dans cet univers grandiose et majestueux, à l'abri des conflits armés et des bouleversements sociétaux, que naîtront quelques-uns des plus beaux chefs-d'oeuvre de l'histoire de la musique. Lire la suite Fermer

La musique classique est partout, dans les films, dans les séries, dans les publicités et sur scène, plus moderne que jamais. Mais qu'en connaissons-nous vraiment ? Qui pourrait soupçonner que Carmen fut d'abord un échec pour Bizet avant de devenir l'opéra le plus joué ? Qui a composé le premier opéra ? Comment une fistule de Louis XIV a-t-elle été à l'origine de l'hymne national britannique?
Révisons nos classiques nous propose une plongée dans l'histoire à travers 49 événements, morceaux et compositeurs célèbres ou oubliés, mais incontournables pour comprendre la musique qui nous berce aujourd'hui.

Rip It Up and Start Again s'attache à des groupes comme PIL, Devo, Joy Division, Talking Heads ou Cabaret Voltaire, soit le post-punk qui émerge après la séparation des Sex Pistols jusqu'à l'explosion de MTV. Des deux côtés de l'Atlantique, ces groupes délaissent le rétro-rock pour les musiques noires et électroniques, expérimentent sur les plans sonore, graphique, vestimentaire, théorique, voire économique - le problème du "compromis" commercial est alors crucial. La New Pop dans la seconde partie du livre, avec Madness, Human League, Siouxsie & The Banshees ou New Order s'avère quant à elle moins radicale, plus dansante ou spectaculaire.
Rip It Up and Start Again constitue le premier document exhaustif sur une des périodes les plus passionnantes de l'histoire du rock.
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À l'heure où le mot «minimalisme» est devenu galvaudé, le présent livre revient, pour la première fois en langue française, sur l'acception originelle du terme et sur les diverses composantes de cette tendance artistique née aux États-Unis, à l'orée des années 1960, qui a durablement marqué les arts plastiques et la musique au point de constituer une indéniable révolution esthétique.
En plongeant le lecteur dans la New York downtown des années 1960 et 1970, l'auteur décrit l'extraordinaire inventivité d'une scène artistique où se mêlaient les plasticiens d'art minimal et les compositeurs minimalistes (dont ses représentants principaux La Monte Young, Terry Riley, Philip Glass et Steve Reich), dans les lofts, les salles de cinéma ou de théâtre et les galeries d'art du quartier.
Cet essai, avant tout dévolu à la musique, s'arrête sur des oeuvres essentielles - dont les fameux In C (1964), de Terry Riley, et Einstein on the Beach, de Philip Glass et Bob Wilson, créé au Festival d'Avignon en 1976 - et des tendances emblématiques de cette esthétique, mais parcourt également ses nombreuses ramifications en Europe, ses liens avec la musique populaire et son utilisation dans la musique pour les écrans de cinéma et de télévision. Lire la suite Fermer

Certaines villes ont vu naître des genres musicaux et des artistes extraordinaires, elles ont abrité des révolutions explosives, ont été le théâtre d'expériences fulgurantes qui résonnent aujourd'hui encore. C'est autour de chacune d'elle que s'articule la géographie musicale du XXe et XXIe siècles.
Ce livre n'est ni une encyclopédie, ni un guide de voyage, une sorte d'atlas, peut-être, mais pas exactement non plus. Il s'agit d'une mosaïque de lieux qui ont abrité des courants, des artistes, des sons, des notes qui ont fait l'histoire de la musique. Du Manchester, né entre les murs de l'Haçienda, au Sub pop indissociable de Seattle, en passant par le sound system des fêtes de quartier tonitruantes de Kingstone, aux bars underground de Berlin... Les pages de ce livre illustrent la carte des plus grandes villes musicales à travers le récit des expériences les plus significatives de la musique contemporaine. A vos casques : montez le son ! Lire la suite Fermer

Raconter l'histoire du blues peut sembler aussi facile que d'en jouer : il suffirait d'en répéter les accords, les thèmes et les lieux communs, comme chaque génération peut le faire depuis au moins 80 ans. Mais dans chaque génération, il y a aussi des musiciens qui cherchent a? innover, a? dévier, a? creuser, a? croiser et plus généralement a? exprimer leur personnalité? et leur propre voie plutôt qu'a? imiter.
Ils sont les forces vives du blues, Blues Power ! C'est en suivant leur contre-exemple que Stéphane Deschamps s'attache a? raconter le blues autrement, avec humour et gourmandise. Des ancêtres africains du blues à leurs héritiers délurés, de Charley Patton à Jack White, l'auteur creuse et élargit l'histoire de cette musique, mère de toutes les musiques modernes. A? travers des histoires, des anecdotes, des légendes, des analyses, des digressions, une discographie/bibliographie/filmographie commentée, de nombreuses interviews inédites et des souvenirs de reportages qu'il a réalisé, il donne corps a? cette histoire toujours vivante, live, du blues.
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Dans les années 1970, la rumba, le soukous et le makossa forment une « sono mondiale » dont la circulation entre les continents est lourde d'enjeux politiques. Dans un contexte postcolonial fortement marqué par l'impérialisme culturel français, la renommée de ces musiques centre-africaines dépasse les frontières du Cameroun et des deux Congo pour s'exporter en Europe et en Amérique, grâce à la popularité d'artistes comme Manu Dibango.
Cet ouvrage raconte l'histoire de ces musiques urbaines et de leur circulation. De l'effervescence culturelle post-Mai 68 à la diffusion du jazz afro-américain, en passant par la promotion intéressée par l'État français d'une world music francophone, Arielle Nganso met en lumière les facteurs qui ont concouru à la large diffusion de ces musiques. Elle souligne aussi les grandes difficultés rencontrées par ces musiciens pour produire et diffuser leur art en France : se heurtant notamment à une conception exotisante de leur musique, ils ont été contraints de la formater aux attentes des oreilles occidentales. Enfin, elle réinvestit la question de la restitution des oeuvres d'art africaines en y intégrant le champ musical.
Au fil de ces réflexions se dessine une analyse post-coloniale du rapport entretenu par la France aux musiques issues de ces espaces qui, un jour, ont fait partie de son empire Lire la suite Fermer

« Les compositions de Nico semblent des ritournelles, de ces airs éternels qui nous hantent, reconnus avant d'être connus. Leurs infinies répétitions et variations hantent notre esprit, leurs nuances brouillent les lignes entre rêves et souvenirs. "J'ai le sentiment que ma musique sonne préhistorique", avance Nico : en effet, n'entend-on pas, en celle-ci, la pulsation matricielle des vagues, la lente danse de la lune, le chant auroral des oiseaux, le soupir des glaciers qui se fendent, le labeur souterrain de l'écorce de la terre, l'essor tranquille des arbres, le souffle inlassable du vent, le règne absolu de la nuit ? » Le quatrième album de Nico, ex-superstar chez Warhol et brièvement associée au Velvet Underground, précède une longue pause, c'est la fin d'un cycle pour la chanteuse d'origine allemande, un hommage réitéré à son ami Jim Morrison des Doors. C'est à John Cale, multi-instrumentiste et virtuose, possesseur d'une solide formation classique, que revient la responsabilité de fixer sur la bande le cours ondoyant des chansons de Nico et c'est avec celles-ci que le gallois éprouve véritablement le travail d'arrangeur.
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La grande diversité culturelle qui a jalonné le XXe a esquissé la musique du XXIe siècle. La musique dite «?néo-classique?» rassemble sous son étiquette des compositrices et des compositeurs d'esthétiques et d'horizons différents. Qu'ils viennent de l'académie, de la pop ou qu'ils aient étudié l'électroacoustique, les artistes actuels décloisonnent les musiques, mêlent instruments acoustiques et électroniques, imaginent de nouvelles partitions, phénomène miroir d'une époque et d'un monde en mutation. Derrière un piano, des percussions, des instruments de chambre, des synthés, des machines et des logiciels, les musiciennes et musiciens s'affranchissent des conventions pour faire le portrait sonore de ce début de siècle. Quelle musique naît de ces nouvelles approches??