• Jean-François Jaussaud a rencontré Louise Bourgeois en 1994 dans son atelier de Brooklyn. Passé au crible de ses questions, le photographe est finalement adoubé par l'artiste. Un premier rendez-vous a lieu au printemps 1995, mais à une seule condition : détruire les images si celles-ci ne lui plaisent pas... Jaussaud accepte et passe le "test". Il obtient alors carte blanche pour photographier librement l'atelier et la maison de Chelsea.
    Il reviendra pendant onze ans. Ces images rares montrent l'une des plus grandes artistes contemporaines dans son intimité, au coeur de son oeuvre.

  • Alberto Giacometti traverse de nombreuses phases de doute, au cours de sa carrière, qui le poussent à remettre inlassablement son travail en question. Souvent insatisfait du résultat, en recherche constante, il oscille entre des périodes de destruction et de riches phases de créations. Giacometti n'hésite pas à retravailler ses oeuvres même après les avoir exposées, voire à les abandonner lorsqu'il les juge ratées.
    L'exposition L'Ouvre disparue enquête sur ces pièces disparues ou oubliées, dont ne subsiste souvent que des croquis ou des photographies prises dans l'atelier de l'artiste.

  • Rodin

    Collectif

    Présentation d'Auguste Rodin et de ses sculptures de bronze, de marbre et de glaise.

  • Louise Bourgeois est par excellence la femme-couteau, la femme sculpteur, celle qui découpe, tranche, cisaille, mais aussi celle qui incarne l'ambivalence féminin-masculin : la protection et la menace, la fragilité et la force, la tendresse et la violence.
    Née en 1911 à Paris, et ayant vécu à New York de 1938 jusqu'à sa mort en 2010, elle est devenue, après une reconnaissance tardive, l'une des artistes les plus emblématiques du XXe siècle. Son oeuvre polymorphe, composée de peintures, gravures, dessins, sculptures, installations, est profondément autobiographique et échappe à toute classification esthétique. En réactivant les souvenirs et les traumatismes de son enfance, Louise Bourgeois donne forme et corps à ses émotions, créant une oeuvre organique, sensuelle et érotique, dont le thème essentiel est la femme-maison. « La sculpture est le corps et mon corps est une sculpture. » Cette biographie ne retrace pas seulement le parcours d'une grande artiste, sa formation, ses influences ; c'est aussi le récit d'une vie de femme exceptionnelle, ayant connu les deux guerres, l'exil, épouse d'un célèbre historien de l'art, et mère de trois enfants. Elle s'appuie sur les archives personnelles inédites de l'artiste, ses journaux intimes, sa correspondance, ses écrits psychanalytiques, ainsi que sur ses interviews et des entretiens avec ses proches.

  • Hans Hartung

    Collectif

    « Le plaisir de vivre se confond pour moi avec le plaisir de peindre. Quand on a consacré toute sa vie à la peinture, quand on a essayé d'aller toujours plus loin, il est impossible de s'arrêter. » Hans Hartung.

  • Quand on voyage dans l'ABCdaire, le plaisir d'apprendre fait ricochet

  • Comment se faire une place dans le monde très masculin de la sculpture au 19e siècle ? Camille Claudel n'hésite pas, et impose rapidement son art si expressif. Voici un dossier complet et deux activités à réaliser autour de l'univers de l'artiste.

    - Citez-moi un sculpteur français... ? Camille Claudel (1864-1943) ! Elle est l'une des plus célèbres, et c'est une femme.
    - Comment devient-on sculpteur à la fin du 19 e siècle ? Découvrez son parcours original, sa carrière courte mais intense, qui finit dans la folie et l'oubli.
    - Expressivité et douceur ! Ce sont les deux grandes caractéristiques des oeuvres de Claudel, et notamment de ses portraits. Focus sur son style si particulier.
    - Le grand Rodin en fera une de ses plus proches collaboratrices... et son amante. Le maître est fasciné par le talent de la jeune Camille, ils s'inpirent mutuellement, mais la passion finit par tout emporter... sauf leurs oeuvres. Retour sur une passion artistique unique.
    - Ouverture du Musée Camille Claudel à Nogent-sur-Seine, ville de son enfance (début avril 2017). DADA partenaire du musée et seul ouvrage d'initiation sur l'artiste.

  • Oskar Schlemmer

    Olaf Mextorf

    Oskar Schlemmer est l'une des figure les plus célèbres du Bauhaus, où il enseigna de 1920 à 1929.
    Il fût d'abord chargé des ateliers de sculpture et de peinture murale, puis de l'atelier de théâtre en 1923.
    Malgré une formation classique de peintre à Stuttgart chez Adolf Hoelzel, au côté de Meyer-Amden, Schlemmer a su élargir son champ de réflexion d'étude du corps humain et de ses rapports avec l'espace.
    Il préconise la réduction du corps à des éléments simples : cercle, cylindre, sphère, cône, et à des lignes géométriques.
    Ses oeuvres peintes ou sculptées témoignent de son désir d'allier l'immobilité de la rigueur géométrique et de la pureté des contours à la vivacité des formes et la mobilité de l'espace. Ses peintures se caractérisent à la fois par le futurisme et le caractérisme ainsi que le surréalisme.

  • Cette monographie sur la vie et l'oeuvre d'Alberto Giacometti (1901-1966) s'appuie sur l'analyse de plus de 500 de ses sculptures, peintures, dessins, gravures et lithographies, ainsi que sur ses écrits théoriques et sur ses déclarations. Elle présente également le contexte historique, artistique et culturel de sa vie. Format compact.

  • Se détachant de l'académisme, Auguste Rodin (1840-1917) a su faire vibrer le marbre et le bronze pour donner à ses figures une expressivité nouvelle. L'ensemble des passions humaines sont traduites avec force dans des sculptures intenses, parfois sensuelles. Novateur également dans sa manière de travailler, Rodin « construit » ses oeuvres en assemblant différents éléments de plâtre les uns avec les autres, essayant sans cesse d'inventer de nouvelles formes. Véritable génie, expérimentateur insatiable, Auguste Rodin a ouvert la voie à la sculpture moderne.

  • Artiste, designer et architecte, Patrick Naggar depuis plus de trente ans nous fait voyager entre passé et présent. Voyages tant historiques que philosophiques au cours desquels, il révèle la signification à la fois intrinsèque et poétique des objets. Car, chacune de ses créations doit être nourrie de sens. Son oeuvre crée ainsi un dialogue des plus allusifs entre art et science, références historiques, artistiques et mythologiques. La curiosité de Patrick Naggar pour les civilisations antiques s'explique par sa volonté d'enrichir la (sa) mémoire, tout en révélant les richesses du passé, modérant le passage du temps, et in finedans le but d'y inscrire sa trace propre. Volonté qui irrigue les différentes formes d'art du créateur : peinture, design, architecture d'intérieur etc...
    /> Cette première monographie consacrée à Patrick Naggar découvre ses créations : mobilier, lampes, miroirs, fauteuils, chaises ou encore cabinets, peintures et autres intérieurs, qui toutes nous révèlent en un parfait syncrétisme artistique et culturel, la fascination de l'artiste pour la mémoire, de même que ses inspirations les plus intimes.
    La beauté, l'originalité, l'innovation de ses créations résident aussi dans la qualité des matériaux employés, ainsi que dans les pratiques d'un savoir-faire ancestral. Auxquelles s'ajoute l'harmonie des formes et des lignes, définissant ainsi un art de la complétude.
    Artiste cultivé s'il en est, Patrick Naggar séduit par la simplicité de son propos, la clarté de sa démarche artistique, de son approche très personnelle des divers champs d'investigation qui traversent son oeuvre, telles la cosmogonie, la nature ou les sciences, faisant surgir des univers inattendus oscillant entre fiction et réalité.

  • Voyage à quai

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    Les quais de n'importe quel port du Monde sont le début du voyage. Cet univers d'eau, de métal, de béton et de machines infernales est peuplé d'hommes et de femmes qui au quotidien voyagent par procuration.
    C'est cet univers à la fois inquiétant et fascinant que nous dépeignent de manière délicate et réaliste Sébastien, aquarelliste et Yannick, photographe.
    Quatre ans de travail ont été nécessaires pour réaliser un album exceptionnel dans un univers inconnu.
    Un voyage à travers les femmes et les hommes qui le peuplent.

  • César

    César Baldaccini

    César Baldaccini, dit César, est un sculpteur français, né le 1 er janvier 1921 à Marseille (Bouches-du-Rhône) et mort le 6 décembre 1998 à Paris.

    « C'est par un pur hasard, je travaille à la ferraille, là où je suis il y a des milliers de tonnes de ferraille, je voyais les compressions. Les premières que j'ai utilisées, je les ai prises toutes faites. [...] C'est l'appropriation d'une technique, l'appropriation de la presse, au lieu de souder je presse, au lieu de modeler je soude, au lieu de taper sur un marteau et de faire des saignées dans le marbre, je presse. » César, entretien avec Charlotte Bonello, 1978

  • Marcel Duchamp est né à Blainville-Crevon le 28 juillet 1887, et mort à Neuilly-sur-Seine le 2 octobre 1968.

    « Je crois que l'art est la seule forme d'activité par laquelle l'homme en tant que tel se manifeste comme véritable in- dividu. Par elle seule il peut dépasser le stade animal parce que l'art est un débouché sur des régions où ne dominent ni le temps ni l'espace. »

  • Claude Mercier ; oeuvre graphique d'un sculpteur Nouv.

    Claude Mercier (1924 - 2019 ), immense sculpteur, est admiré pour ses oeuvres de métal pleines d'élan ou au contraire concentrées, repliées sur leur propre mouvement.

    A partir de 1949 et jusqu'en 2016, il aura mené un travail inlassable et patient qui lui vaudra l'amitié de nombreux artistes et, dès ses débuts, les conseils et les encouragements de Henry Moore et Alberto Giacometti. On trouve ses oeuvres dans quelques-uns des plus grands musées et collections, Museum of Modern Art (MoMa) à New-York , Musée d'Art moderne de la Ville de Paris, Musée de Toronto, Canada, Fonds national d'art contemporain, Paris et de nombreux musées en région et collections privées.

    Mais une facette de son talent reste très peu connue et « invisible » : il s'agit de ses dessins, gravures et peintures. Pourtant ils sont indissociables de ses sculptures, les complètent, les éclairent, s'enrichissent mutuellement de leur voisinage.

    Oeuvres à part entière, ce ne sont en aucun cas des esquisses ni des croquis, moins encore des « relevés » dessinés ou peints de ses sculptures mais la force de leur volume, l'impression de relief, le même mouvement qui les anime fait invinciblement songer à son oeuvre sculpté dont, par un chemin inverse, on saisit alors toute la « picturalité », la précision et la légèreté, comme si l'acier, le laiton ou le cuivre avaient été dessinés d'un trait dans l'espace.

    La soixantaine d'oeuvres graphiques reproduites dans cet ouvrage constitue donc une révélation et un éblouissement, aussi bien pour les amateurs déjà familiers de la carrière de Claude Mercier que pour ceux qui le découvriront grâce à ce précieux volume.

  • Barbara Hepworth

    Collectif

    • In fine
    • 31 Octobre 2019

    Exposition présentée au Musée Rodin, Paris, du 5 novembre 2019 au 22 mars 2020, en partenariat avec la Tate Gallery de Londres.
    Figure majeure de la sculpture anglaise du xx e siècle, Barbara Hepworth a eu une brillante carrière d'envergure internationale, jalonnée de commandes publiques dont celle pour le secrétariat de l'ONU à New York. Figure de la sculpture organique, elle a participé au profond renouvellement des formes qui s'opère dans l'entre-deux-guerres, ce qui lui vaut de faire partie des grandes femmes sculpteurs du xx e siècle.
    L'artiste a beaucoup fréquenté le milieu artistique français dès les années 1930 et rendit visite à Brancusi, Picasso, Braque, Mondrian ou encore Kandinsky. Elle rencontra également Arp, Calder et Miro, et fut proche de Gabo, Moholy-Nagy, Gropius et Ozenfant. Invitée par Herbin et Hélion, elle exposa en 1934 avec Abstraction-Création, puis au Salon des Réalités Nouvelles en 1947.
    Le catalogue monographique offre une vue d'ensemble inédite de sa carrière et de son oeuvre, ainsi qu'une découverte de ses méthodes de travail grâce à l'évocation de son atelier. Il témoigne de la singularité de son esthétique, de la modernité de son vocabulaire formel proche de l'abstraction, qui produit une poétique propre à son oeuvre, fortement inspirée par la nature. Sont également présentés une dizaine de peintures, dessins et gravures, une sélection de documents et de photographies d'archives, ainsi que des outils et matériels liés à son processus créatif en provenance de son fonds d'atelier.

  • Nous entraînant dans sa quête de « l'essence des choses », Brancusi nous propose de franchir toutes sortes de frontières, géographiques, historiques ou formelles. De sa Roumanie natale à Paris, à travers l'Europe, ainsi qu'aux États-Unis, en Inde et en Egypte, il effectue un parcours qui le mène à une sculpture originale, dépouillée de toute influence. Ce livre très documenté nous donne accès à une création exceptionnelle, désormais dans la mémoire collective et qui, au début du XXe siècle, a ouvert des voies vers la modernité.

  • Brancusi

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    L'ouvrage Brancusi ou l'anonymat du génie paraît pour la première fois en 1967 aux éditions Méridiane, à Bucarest. Hommage à l'oeuvre du sculpteur roumain, il présente plus d'une centaine de photographies réalisées par Dan Er Grigorescu, photographe fasciné par l'art de ce maître de la modernité.

    Reprenant le format album de la première édition, le présent ouvrage a puisé dans les archives exceptionnelles de Dan Er Grigorescu, qui durant trois décennies, entre 1964 et 1967, photographia les célèbres sculptures de Brancusi dans son atelier ainsi que celles de l'ensemble monumental de Târgu Jiu, petite ville du centre-ouest de la Roumanie. La vision très graphique de l'espace, les jeux d'ombre et de lumière, la plongée dans la matière et la sobriété des images de Grigorescu restituent l'abstraction plastique des sculptures de Brancusi. Fasciné par les arts traditionnels roumains, le sculpteur conjugue éléments vernaculaires et motifs modernes. Ainsi, le motif du rhombe (losange en volume) présent dans l'art populaire roumain comme ornement architectural prend toute son ampleur dans la Colonne sans fin , l'une des trois pièces de l'ensemble de Târgu Jiu, avec la Porte du baiser et la Table du silence . Réalisées entre 1937 et 1938, ces oeuvres, disposées sur un axe de près d'un kilomètre de long, composent un ensemble exceptionnel, toujours conservé aujourd'hui, et témoignent de l'importance de la fusion entre l'art et la nature chez Brancusi. L'atelier était perçu par l'artiste comme « un tout organique autonome » : le site de Târgu Jiu concrétise cette vision architecturale et organique de la sculpture. Avec ses prises de vue en série, ses images saisissant sous des lumières et des angles différents des oeuvres désormais iconiques du XXe siècle, cet album offre un nouveau regard sur l'artiste.

  • Cet ouvrage, richement illustré, constitue la première monographie Marc Nucera. Remarquable sculpteur de la matière, fin connaisseur de l'univers du végétal, il a tant fréquenté les arbres et leurs mystères que rien ne lui échappe des secrets de leurs courbes, de leurs métamorphoses et de leurs résistances. Il manie ses outils avec une virtuosité sans égale, mêlant délicatesse et détermination. Les plissés, les torsions conçues par cet exceptionnel tailleur de formes et de matière, inerte ou vivante, se jouent de l'ombre et de la lumière et donnent l'impression d'une liquidité, d'une onctuosité, comme d'une fusion de la substance dure, cyprès, cèdre ou platane, qu'il travaille avec une ténacité sans faille.

  • Rodin-Maillol, face à face

    Collectif

    • Silvana
    • 5 Juillet 2019

    Conçu comme un face à face encore inédit entre les deux grands sculpteurs qui ont marqué de leur talent l'art moderne, ce catalogue privilégie le dialogue à la confrontation. Bien qu'empruntant des voies contraires, Aristide Maillol et Auguste Rodin surent échanger, et nourrir chacun son art de l'admiration de l'autre.
    Ils se rencontrèrent en 1902 mais c'est entre 1904 et 1908 que leur relation fut la plus étroite, soutenue par l'admiration que leur portaient, à tous deux, un mécène comme le comte Kessler ou un critique comme Octave Mirbeau. Leurs échanges épistolaires, leurs écrits, leurs rencontres, leurs recherches formelles, dans le domaine de la sculpture comme dans celui du dessin, tracent autant de chemins qui nous ramènent inlassablement vers la même obsession qui fût, pour l'un comme pour l'autre, le nu féminin.
    Mettant en lumière deux approches à l'opposé l'une de l'autre mais traversées par les mêmes leitmotive, ce catalogue nous entraîne dans une réflexion qui nous conduira au coeur de la sculpture.

  • Antoine Bourdelle, né à Montauban, le 30 octobre 1861, et mort au Vésinet, le 1 er octobre 1929, est un sculpteur français. Il mène une activité d'enseignement dans l'atelier qu'il dirige à l'Académie de la Grande Chaumière, où il a notamment, parmi ses élèves, Germaine Richier, Alberto Giacometti et la sculptrice roumaine Margaret Cossaceanu.

    L'oeuvre de Antoine Bourdelle est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
    - Albi, musée Toulouse-Lautrec.
    - Égreville, Jardin-Musée de l'ancienne propriété de la fille d'Antoine Bourdelle, Rhodia Dufet-Bourdelle.
    - Montauban, musée Ingres.
    - Paris, musée Bourdelle.
    - Paris, musée d'Orsay.
    - Paris, Le théâtre des Champs-Elysées.
    - Paris, place de l'Alma.
    - Verrières-le-Buisson, Fondation Coubertin.

  • « Toutes mes sculptures, même les plus imaginées, partent toujours de quelque chose de vrai, d'une vérité organique.
    L'imagination a besoin de départ. On peut ainsi déboucher de plain-pied dans la poésie. J'invente plus facilement en regardant la nature, sa présence me rend indépendante. » Germaine Richier, née le 16 septembre 1902 à Grans (Bouches-du-Rhône), et morte le 31 juillet 1959 à Montpellier (Hérault), est une sculptrice française.

    L'oeuvre de Germaine Richier est représenté dans de nombreux musées français et étrangers et particulièrement :
    - Antibes, musée Picasso.
    - Montpellier, musée Fabre.
    - Paris, musée national d'Art moderne, Centre Pompidou.

  • César

    Sous La Direction De

    Un catalogue retraçant la carrière d'un sculpteur à l'oeuvre étonnante, avant tout connu pour ses compressions et le trophée qui porte son nom.
    Première anthologie de cette ampleur, cet ouvrage a vocation a devenir une référence scientifique sur l'artiste, amendée par sa dernière compagne et ayant-droit.
    Tout sur César ! Biographie complète, textes inédits, écrits de l'artiste et approche thématique de l'oeuvre...

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