Peinture / Arts graphiques

  • Georgia O'Keeffe

    Camille Viéville

    • Citadelles & mazenod
    • 8 Septembre 2021

    Née en novembre 1887 dans le Wisconsin, Georgia O'Keeffe étudie à l'Institut d'art de Chicago et à la Ligue des étudiants en art de New York. Figure incontournable du cercle d'Alfred Stieglitz, éminent photographe et galeriste new-yorkais dont elle sera la muse et la compagne, elle est au centre de l'effervescence de l'art américain au début du XXe siècle.
    Tout au long du siècle, elle dessine en pionnière une voie qui lui est propre, entre figuration et abstraction, modernisme et primitivisme, végétal et minéral, nature et architecture. Ses vues urbaines, ses fleurs, ses paysages hypnotiques - rives sylvestres de Lake George, plaines et canyons du Texas, panoramas désertiques du Nouveau-Mexique ...-, ses squelettes et os d'animaux, souvent en gros plan, forment des motifs récurrents qui s'inscrivent dans un courant biomorphique et subjectif en rupture avec l'abstraction géométrique.
    À travers cette monographie de référence, Citadelles & Mazenod invite ses lecteurs à célébrer l'originalité et la singularité d'une artiste visionnaire, en présentant un panorama iconographique d'une ampleur sans précédent.

  • Georges de La Tour

    Jean-Pierre Cuzin

    • Citadelles & mazenod
    • 6 Octobre 2021

    Après trois siècles d'oubli, une poignée d'historiens d'art assemble depuis 1915 les pièces du puzzle Georges de la Tour (1593-1652). La vie et l'oeuvre de l'artiste restent aujourd'hui encore nimbés de mystère. Lorrain, vraisemblablement formé à Paris et en Italie, La Tour s'installe à Lunéville en 1616 où il assoit d'abord une réputation de peintre régional avant de séduire une clientèle parisienne pour enfin gagner le rang de "fameux peintre" de Louis XIII. Ses coloris chatoyants et sa science du dessin ouvrent la voie à la fin des années 1630 aux nocturnes, d'une simplification sans précédent.
    Examinant méticuleusement les oeuvres, Jean-Pierre Cuzin parvient à recomposer la création de l'artiste en la situant dans sa biographie, si lacunaire soit-elle. Il apporte un nouvel éclairage sur le corpus du peintre (oeuvres attribuées, copies, d'atelier ou de suiveurs) faisant le point sur les derniers travaux de recherches. Son propos est servi par une iconographie abondante et de grande qualité ainsi que par de nombreux détails d'oeuvres. Par leur sublime obscur, la douceur de leurs silhouettes, cet attendrissant sentiment de candeur qu'ils dégagent, La femme à la puce, Madeleine, Saint Joseph et l'ange, Le Nouveau-né nous hanteront encore longtemps.

  • La Provence des peintres

    Philippe Cros

    • Citadelles & mazenod
    • 15 Septembre 2021

    Dès la seconde moitié du XVIIIe siècle, de nombreux peintres furent attirés par les paysages de la Provence. Ses caractéristiques géographiques - un territoire qui s'étend de la Méditerranée jusqu'à la chaîne alpine - autant que sa longue et riche histoire, lui confèrent une place d'exception.
    Quelques personnalités vont rompre avec ces conventions et amorcer un renouveau qui a pour particularité d'exprimer la singularité de la lumière provençale, tels que Joseph Vernet, Hubert Robert et ensuite Cézanne et Van Gogh. La lumière tranchante et irradiante du Midi, sa nature pleine de contrastes ne peuvent manquer de séduire les impressionnistes et néo-impressionnistes français et étrangers : Monet, Renoir, Signac, Cross, Van Rysselberghe ... À leur suite, les fauves trouvent en Provence le champ de prédilection de leurs expérimentations sur la couleur.
    Au fil des générations, jamais ne se dément l'attrait de cette région où les grands maîtres de l'art du XXe siècle, Matisse et Picasso, puisent aussi leurs ressources et leurs motifs pour définitivement faire entrer la Provence dans la légende des peintres modernes.

  • L'aquarelle

    Marie-Pierre Sale

    • Citadelles & mazenod
    • 30 Septembre 2020

    Ouvrage de référence, L'Aquarelle étudie au fil d'une remarquable iconographie, le développement de l'aquarelle occidentale en tant que technique - singularisée par la polychromie et l'exigence de transparence -, et en tant que genre à partir de la fin du XVIIIe siècle, depuis la pratique du dessin colorié dans l'enluminure médiévale jusqu'aux lavis libres et éclatants de couleurs des artistes de l'abstraction. portée par les paysagistes, les artistes naturalistes puis les jeunes avant-gardes, elle connaît sa période d'apogée dans le dernier tiers du XIXe siècle. Vers la fin du siècle, c'est en France que s'est déplacé l'épicentre de la modernité : Johan Barthold Jongkind, Paul Cézanne et, dans une moindre mesure, Paul Signac - héritier de Delacroix - seront à l'origine des révolutions majeures pour l'histoire de l'aquarelle au XXe siècle.

  • L'abstraction

    ,

    • Citadelles & mazenod
    • 14 Avril 2021

    L'émergence de l'abstraction au début du XXe siècle a mené à un changement total de paradigme. Cet ouvrage vise à retracer l'épopée de ces oeuvres qui s'émancipent du réel et la rupture majeure qu'elles provoquent dans l'histoire de l'art.
    Ni absence du monde, ni sacrifice de la signification, l'abstraction vise un langage universel, en lien étroit avec les mutations technologiques de la société portées par les nouveaux médias, de la photographie au cinéma jusqu'à la vidéo et la révolution des cultures numériques.
    Ce champ élargi des pratiques de l'art abstrait oblige à repenser la géographie globale de son histoire et de ses développements, en prenant en compte les circulations mondiales de cette aventure de l'esprit et des formes.
    Des aquarelles de William Turner aux expérimentations cybernétiques dans l'art contemporain, ce voyage en abstraction montre à l'échelle internationale - de l'Europe au Japon en passant par l'Amérique latine et les États-Unis - la pluralité des formes, des pratiques et des concepts qui ont nourri cette quête.

  • Toulouse-Lautrec

    Anne Roquebert

    • Citadelles & mazenod
    • 25 Septembre 2019

    Le personnage de légende qu'est devenu Toulouse-Lautrec (1864-1901) - forgé autour de ses origines aristocratiques, de son infirmité congénitale et d'une vie aussi brève que nourrie d'excès - a longtemps masqué l'originalité profonde de son travail d'artiste. Sans négliger les incidences d'une biographie romanesque, il est nécessaire de reconsidérer l'oeuvre : plus de 700 peintures, quelque 5000 dessins et près de 400 lithographies et affiches.
    Replacé dans le contexte socio-culturel foisonnant de la fin de siècle, sa carrière se déploye sur une douzaine d'années, le conduisant à varier les techniques, à enrichir les matières, riches et brillantes, à jouer subtilement des couleurs vives, claires, rehaussées de noir, avec un goût indéfectible pour le portrait, non sans puiser aux sources de l'art japonais.
    Lautrec est l'un des rares artistes internationalement reconnus dont la faveur exceptionnelle tient pour partie à des sujets équivoques, dont la prostitution. À une époque de grand conformisme, c'est la singularité qui l'inspire, le menant à créer sa propre voie, hors des conventions sociales, morales et artistiques, passant du milieu fermé de la noblesse à la bohème de Montmartre, du château des comtes aux cercles de l'avant-garde.

  • Léonard de Vinci

    Martin Kemp

    • Citadelles & mazenod
    • 23 Octobre 2019

    Retraçant en détail la vie de Léonard, ce livre mêle une approche artistique et scientifique afin de percevoir au mieux le génie de cet homme hors du commun. Doté d'une curiosité sans égale, cet artiste-savant s'est intéressé à tous les domaines : philosophie, mathématiques, mécanique, optique, anatomie, cartographie, architecture, astronomie, météorologie, sans oublier bien sûr l'art de la peinture, de la sculpture, mais aussi le théâtre et la musique ! Artiste prolifique, Léonard a représenté sans relâche le monde qui l'entourait, lui conférant une justesse rarement atteinte, tant en peinture qu'en dessin.
    Outre la quinzaine de tableaux célèbres qui lui sont attribués, Léonard de Vinci a laissé derrière lui un nombre impressionnant de carnets et manuscrits témoignant d'une infatiguable quête de compréhension du monde.
    Explorant l'inventivité créative infinie de l'artiste, ce livre montre toutes les facettes d'un génie jusqu'aux découvertes et attributions les plus récentes.

  • L'impressionnisme

    Joséphine Le Foll

    • Citadelles & mazenod
    • 11 Mars 2020

    Inventé à partir de la boutade ironique d'un critique d'art sans qualité, le mot "impressionnisme" désigne moins un mouvement cohérent que la rencontre d'un groupe de peintres, soudé par le même rejet de l'académisme, qui choisirent d'exposer ensemble leurs oeuvres, entre 1874 et 1886. Qu'y a-t-il de commun, en effet, entre les paysages ruraux aux tons sourds de Pissarro et les coulisses de l'Opéra, traversées de lumière électrique et de tulle multicolore, peintes par Degas ?
    Né sous le signe de Manet, l'impressionnisme s'oppose profondément à la conception classique de l'art et annonce l'avènement d'un nouvel ordre esthétique. Travail en plein air et sur le motif, scènes de la vie moderne et quotidienne, couleurs claires et juxtaposées, style inachevé "non fini", touches visibles et légères, vibration de la lumière, effets de cadrage : en moins de vingt ans, en fixant tout un monde de sensations et de visions éphémères, ces artistes ont réalisé l'une des révolutions les plus importantes de l'histoire de la peinture.
    Outre le récit "historique", cette histoire de l'impressionnisme expose pleinement les caractéristiques de cette "nouvelle peinture" et la singularité qui, en dépit d'un projet commun, distingue les artistes du groupe des Batignolles. Elle révèle par ailleurs comment l'impressionnisme influencera les artistes à l'étranger (Angleterre, États-Unis, Espagne, Scandinavie ...), résonnera dans les autres arts (musique, littérature, photographie, cinéma) et conduira aux néo - et post-impressionnisme puis aux grandes mutations du XXe siècle, telle l'abstraction.

  • Modigliani

    Thierry Dufrêne

    • Citadelles & mazenod
    • 30 Septembre 2020

    Le prisme de la légende de "l'artiste maudit" a longtemps troublé la vision de l'oeuvre d'Amedeo Modigliani. Cet ouvrage monographique invite à se plonger dans l'univers de cette légende artistique du Paris bohème et à envisager son oeuvre d'un nouvel oeil. Plus largement, ce sont les traits d'une société en complète mutation que le peintre a su saisir : la nouvelle place des femmes (la fameuse "Garçonne"), la mise en exergue de la jeunesse et le cosmopolitisme. Une société qu'il aborde selon des convictions sociales jamais démenties avec une prédilection pour les sujets populaires. Quand à son style, il puise ses racines dans l'univers parisien sans jamais s'y enfermer : traversée du cubisme sous l'égide du marchand Paul Guillaume jusqu'à un langage "cubo-métaphysique", désir de simplification au temps de Léopold Zborowski.
    La magie qu'exerce plus particulièrement la dernière période (1918-1919), marquée par un séjour prolongé de l'artiste sur la Côte d'Azur, ne peut s'appréhender sans prendre en compte l'élévation des portraits de femmes, Jeanne, Hanka ou Lunia, qui équilibrent hiératisme issu du Gréco, maniérisme réinventé des attitudes et matière lumineuse de la palette.

  • Gauguin

    June Hargrove

    • Citadelles & mazenod
    • 4 Octobre 2017

    L'incorrigible anticonformiste qu'était Paul Gauguin a métamorphosé le processus de création artistique et ouvert la voie aux générations futures. Il fallut pourtant attendre les dernières décennies du XXe siècle pour que l'on mesure véritablement la portée de son oeuvre. On connaît bien le peintre, même si l'on n'a pas toujours conscience de ce que son originalité a de radical. Son travail novateur dans le domaine de la sculpture, de la céramique, du dessin et de la gravure ne reçoit en revanche que depuis peu toute l'attention qu'il mérite. Quant à ses théories révolutionnaires sur les matériaux et les techniques, elles se sont propagées très lentement à l'ensemble des arts visuels.
    Ce livre examine la production artistique de Gauguin dans sa totalité, retraçant son évolution de jeune peintre du dimanche autodidacte jusqu'à l'artiste majeur, dont l'oeuvre pèse sur l'orientation de l'art moderne. Confrontant vie privée et vie publique, mythe et réalité, il propose un aperçu de l'art de Gauguin par le biais d'une sélection d'oeuvres qui révèlent l'interdépendance des idées et des médias au long de son parcours.

  • Monet

    Ségolène Le Men

    • Citadelles & mazenod
    • 17 Novembre 2010

    Depuis ses débuts de caricaturiste au Havre jusqu à ses réalisations ultimes à Giverny, cette monographie aborde l ensemble de la carrière d un des pères de l art moderne.
    Qu écrire de nouveau sur Monet ?
    La première partie de sa carrière a été sous-estimée : l auteur revient sur son travail de caricaturiste et son initiation à la peinture par Boudin et Jongkind.
    Une nouvelle réflexion sur la peinture de plein-air s imposait : peintre paysagiste avant tout de la Normandie à la côte méditerranéenne en passant par les bords de Seine, Argenteuil mais aussi Belle-Ile et la Creuse il élabore au fil des années une méthode de travail sans précédent.
    Le phénomène des séries Gare Saint-Lazare, Meules, Cathédrale de Rouen, Giverny... est amplement analysé. Comment l artiste parvient-il à introduire la temporalité dans ses uvres à l instar du cinématographe des frères Lumière.
    Les sources d inspiration de l artiste sont également mises en regard de son uvre, des gravures romantiques aux estampes japonaises.
    Une attention particulière est accordée aux uvres graphiques, peu reproduites : pastels, dessins.
    Étayé par un croisement de sources correspondance, textes critiques de Geffroy à Clemenceau sans oublier Mirbeau, Zola, Proust... et par les analyses approfondies des uvres, ce livre permet ainsi de comprendre véritablement la démarche du peintre et son cheminement vers une poétique de la nature qui trouvera son plein accomplissement dans le cycle des Nymphéas.

  • Klimt

    Weidinger-A

    • Citadelles & mazenod
    • 17 Septembre 2008

    Cofondateur de la Sécession viennoise au début du XXe siècle, Gustave Klimt en devient l'artiste majeur. Son immense talent fait de lui le « Prince des Peintres » pour la société viennoise.
    Son oeuvre maîtresse, la grande Frise Beethoven qu'il crée pour le Pavillon de la Sécession à Vienne, marque le début de son « style d'or », style avec lequel l'Art Nouveau viennois atteint son apogée.
    Cet ouvrage s'attache aux différents aspects de la vie et de l'oeuvre de l'artiste, par des chapitres consacrés, par exemple, à « Klimt et les femmes » - thème récurrent de sa peinture -, à « la Sécession viennoise », aux « Paysages », aux « Portraits » ou aux « Allégories ».
    La Frise Stoclet, photographiée spécialement pour ce livre, fait l'objet d'une étude approfondie qui vient enrichir et confirmer la lecture de l'oeuvre peint de Gustav Klimt.
    Son rôle de décorateur de théâtre, de palais et de château n'est pas oublié ; on trouve ses réalisations parmi les deux cent cinquante-trois fresques, peintures, dessins préparatoires, aquarelles magnifiquement reproduits dans l'ouvrage, souvent en gros plan ; ces détails donnent un relief nouveau à l'oeuvre de celui qu'on pensait pourtant parfaitement connaître.
    C'est une équipe de spécialistes reconnus qui ont conçu et écrit ce livre exceptionnel, qui fait le point sur les dernières recherches consacrées à la carrière et à l'oeuvre de cet artiste unique, mondialement reconnu.
    Le catalogue raisonné parfait la connaissance du peintre et cet ouvrage devient la référence sur Klimt.
    Cette monographie de très grand format, superbement illustrée, rend hommage à cet immense peintre, grande figure de l'Art Nouveau, qui a aujourd'hui son port d'attache à Vienne, au musée du Belvédère.

  • Chardin

    Alexis Merle Du Bourg

    • Citadelles & mazenod
    • 9 Septembre 2020

    Grand peintre du Siècle de Louis XV, Jean Siméon Chardin a su se démarquer de ses contemporains et marquer l'histoire de l'art de son empreinte si particulière.
    Artiste incontesté des scènes de genre et des natures mortes, il a su dépeindre la vie dans ce qu'elle a de plus éphémère et de plus précieux. Peintre des moeurs bourgeoises du XVIIIe siècle, il nous plonge dans l'intimité des élites parisiennes, dépeignant souvent des figures de femmes ou d'enfants. Sa touche lumineuse et réaliste révèle la froideur cadavérique d'un gibier ou encore l'aspect fascinant d'une raie et de ses entrailles, ce "monstre étrange" ainsi que l'appelait Marcel Proust.
    Aspect moins connu de son oeuvre, ses autoportraits et portraits au pastel ont également joué un rôle important dans sa carrière lui permettant d'affiner sa technique et de maîtriser pleinement le dialogue des couleurs.

  • Magritte

    Bernard Marcadé

    • Citadelles & mazenod
    • 21 Septembre 2016

    René Magritte est sans doute l'artiste qui, au XXe siècle, a assumé avec le plus de rigueur une position en rupture avec le lyrisme et le romantisme, qu'il qualifie lui-même de "conformisme tactique". Une grande part du travail de Magritte s'efforce de retourner contre eux-mêmes les fondements rhétoriques de la peinture. Le peintre prend un malin plaisir à prendre les mots et les choses au piège de leurs agencements logiques et sémantiques réciproques. Magritte ne se fait aucune illusion quant à son art de peindre, il a la volonté d'utiliser la peinture à des fins qui ne sont pas celles de la peinture.
    De la même manière, il se sert de la convention contre la convention, du mot contre la signification (c'est-à-dire l'arrogance du sens logique) et de l'image contre la représentation (c'est-à-dire sa prétention à se substituer à tout).

  • Chagall

    Itzhak Goldberg

    • Citadelles & mazenod
    • 10 Avril 2019

    LE LIVRE Rien ne nous empêche d'aimer Chagall, quand bien même nous ignorons la tradition où le folklore judaïques. À une période où la peinture proclame l'indépendance descriptive de la couleur et de la forme, l'imagination poétique du peintre, qui l'éloigne de toute imitation, la richesse chromatique de son univers pictural, son travail sur la légèreté et les transparences assurent à Chagall une place de choix dans le panthéon de la modernité.
    Le peintre n'a, du reste, jamais renié sa dette envers l'avant-garde parisienne et ses différentes expressions (fauvisme, cubisme, orphisme, futurisme).
    Ses fables dessinent un village juif, ancré dans ses traditions mais confronté à un monde russe en transformation. Un monde où la synagogue côtoie les clochers des églises, où des paysans robustes sont conviés à une cérémonie de noce célébrée selon les rites hébraïques. Des visions souvent  énigmatiques, où se mêlent la culture yiddish et l'art populaire russe, le judaïsme et le christianisme, le rationnel et l'absurde. 

  • Delacroix

    Rautmann Peter

    • Citadelles & mazenod
    • 23 Avril 1997

    Quel regard pouvons-nous poser sur l'oeuvre d'Eugène Delacroix dont le 200e anniversaire a été célébré en 1998 ? Pour répondre à cette question, l'auteur interroge les tableaux sous l'angle de leur modernité, en les situant dans leur contexte européen. Privilégiant l'imagination, Delacroix a libéré la force créatrice de l'individu et ouvert des voies entièrement nouvelles. Comme l'écrivait Baudelaire, il est le "chef de l'école moderne".

    Dans cet ouvrage, il n'est pas seulement question de ses principaux tableaux et peintures murales, mais aussi de son activité de graveur, de ses dessins et croquis, ainsi que du processus de son travail artistique. Vie et oeuvre sont ici mis en relation, de manière à montrer les interférences des différents thèmes, et à mettre en évidence les évolutions. L'auteur dégage des correspondances qui font apparaître Delacroix comme un critique engagé de son temps. Les recherches sur les rapports de l'esthétique et la violence, de l'érotisme et du pouvoir, de la civilisation et la barbarie, de la révolution politique et de la révolution artistique, se reflètent avec une grande intensité dans ses tableaux.

    En posant sur Delacroix un regard neuf et "étranger", Peter Rautmann dévoile l'oeuvre de ce grand peintre. Le lecteur découvrira ici de nouvelles facettes de l'artiste, à travers l'iconographie exceptionnelle : oeuvres méconnues, rarement photographiées, provenant de collections publiques ou privées, françaises ou étrangères. Un très grand et beau livre, pour l'un des plus grands noms de la peinture.

  • Hopper, peindre l'attente

    E Pernoud

    • Citadelles & mazenod
    • 3 Octobre 2012
  • Kuniyoshi

    Matthi Forrer

    • Citadelles & mazenod
    • 18 Novembre 2020

    Utagawa Kuniyoshi (1798-1861) est l'un des plus grands maîtres japonais de l'ukiyo-e. Si les représentations de batailles et des samouraïs légendaires ont largement contribué à sa renommée, ses paysages, ses portraits de femmes ou d'acteurs de kabuki et ses animaux fantastiques démontent la richesse de son répertoire.
    Ce coffret exceptionnel en édition limitée comprend une monographie illustrée sur la vie et l'oeuvre du maître. Replaçant son parcours dans le contexte historique et culturel du Japon au XIXe siècle, le spécialiste Matthi Forrer présente les séries les plus remarquables de l'artiste et met en valeur sa créativité extraordinaire. En parallèle, un ensemble de trois fac-similés permet au lecteur de s'immerger pleinement dans l'univers de Kuniyoshi : un imaginaire foisonnant de monstres et de merveilles.

  • Van Gogh ; ni dieu ni maître

    Jan Blanc

    • Citadelles & mazenod
    • 8 Mars 2017

    Une approche originale sur un artiste majeur à travers une problématique inédite.
    Une étude documentée appuyée sur les nombreux écrits du peintre.
    Une iconographie riche et une grande qualité de reproduction.


    Issu d'une famille de pasteurs calvinistes, Vincent Van Gogh a un temps caressé le rêve de vouer sa vie à la prédication avant de se tourner vers la peinture à l'âge de 27 ans et de s'y consacrer jusqu'à sa mort. Ce cheminement et la place accordée aux questions religieuses dans les lettres de l'artiste ont laissé penser que Van Gogh avait été un peintre de Dieu.

    Pourtant dès 1880, l'artiste se déclare athée. Au fil des circonstances et des rencontres, cette incroyance demeure une constante de sa pensée qui va guider ses choix de vie et orienter de manière décisive son oeuvre. Durant les huit premières années de sa carrière artistique, Van Gogh va faire le deuil d'une foi qu'il renie et qui le hante malgré tout. Les deux dernières années de sa vie, marquées par la multiplication des crises mentales, ne feront pourtant que creuser le sillon tracé précédemment. Dans une intense fièvre créatrice, le peintre développe, à la manière de Nietzsche, l'idée que l'art doit exalter les forces du corps et du désir plutôt que les arrières-mondes de la Beauté ou de l'Esprit.

    Revisitant l'ensemble de son oeuvre et s'appuyant sur une lecture renouvelée de sa correspondance, ce livre propose un regard inédit sur les relations de Van Gogh à la question de la foi.

  • La peinture nordique

    ,

    • Citadelles & mazenod
    • 26 Octobre 2016

    Synthétique et complet, érudit et richement illustré, ce "Coup de coeur" des éditions Citadelles & Mazenod se veut un ouvrage de référence sur la peinture nordique. Le panorama, nourri de l'état le plus récent de la recherche, s'étend par-delà le Danemark, la Suède, la Norvège et la Finlande, aux Iles Féroé, à l'Islande et à l'Allemagne du nord, et accorde une place centrale aux influence et aux rencontres de l'art "nordique" avec la peinture européenne, et notamment l'impressionnisme français. Privilégiant les périodes moderne et post-moderne, le volume analyse les constantes et les singularités des styles à travers les registres picturaux majeurs du paysage, du portrait, des scènes de genre ou d'intérieur, et révèle l'importance des arts du Nord sur la scène internationale contemporaine.
    Les superbes reproductions des paysages aériens, des mondes enchantés du mythe, de chaleureux intérieurs et de charmants portraits fascineront le lecteur curieux, l'historien de l'art et l'artiste.

    Un panorama majeur de la peinture du Danemark, de la Suède, de la Norvège, de la Finlande et de l'Islande.
    L'état le plus récent de la recherche, offrant un ouvrage de référence en histoire de l'art et en études nordiques.
    Un ouvrage richement illustré : le prestige de reproductions pleine-page et la finesse des détails.

  • Bosch

    Silver-L

    • Citadelles & mazenod
    • 11 Octobre 2006

    Jérôme Bosch (1450-1516) reste l'un des peintres les plus mystérieux et les plus fascinants de l'histoire de l'art. Déjà grande à son époque, sa renommée s'étend à chaque retour du merveilleux, si bien que son rouvre a donné lieu à des exégèses et à des commentaires multiples : on l'a même supposé hérétique tant ses sujets religieux sont insolites. Son iconographie déroutante a également été étudiée à la lumière de l'astrologie et de l'alchimie. Larry Silver, grand spécialiste de la peinture flamande du XVe siècle et auteur de cette importante monographie, ne partage pas ces opinions. Il propose une synthèse précise et limpide sur ce peintre si singulier. En se fondant sur les derniers travaux des historiens, il confirme la prospérité financière et le haut rang social de Bosch, ainsi que son appartenance, longtemps contestée, à une confrérie traditionnelle de sa région natale de Bois-le-Duc. Il s'appuie également sur les récents examens scientifiques des tableaux. Une exposition importante organisée à Rotterdam en 2001 a donné l'impulsion à toute une série d'études dont ce livre est l'un des premiers à tenir compte, comme, notamment, des analyses dendrochronologiques (qui permettent de dater les supports en bois des tableaux et de mettre en évidence des dessins sous-jacents). Si certains auteurs ont déjà établi des rapprochements entre l'art de Bosch et divers tableaux et manuscrits du XVe siècle, ce livre restitue définitivement son ancrage dans le patrimoine flamand : Bosch n'est pas, comme on le croit souvent, un phénomène isolé en son temps. Il a subi l'influence non seulement de la peinture religieuse - Hugo van der Goes par exemple -, mais aussi des enluminures comme Les Visions de Tondal de Simon Marmion, dont les représentations de l'Enfer constituent l'un des précédents les plus convaincants de son style visionnaire. Son imagination, certes débordante, n'est pas unique : Bosch n'a pas inventé l'oreille géante percée d'une flèche, d'où sort un couteau ; pas plus qu'il n'est le seul à imaginer des oiseaux géants, des créatures fantastiques ou des oeufs énormes transformés en taverne... Le génie de
    Bosch tient plutôt dans la manière dont il a représenté tous ces éléments étonnants, la façon dont il les a fait cohabiter. Original également son art de peindre, avec une utilisation de couleurs lumineuses, un dessin aérien et l'intégration de
    très beaux paysages. Ce livre souligne aussi l'incidence irréversible des tableaux de Bosch sur la peinture néerlandaise. Ils ont donné naissance à toute une lignée de paysages et de scènes de genre, dont l'expression la plus aboutie se trouve dans l'oeuvre de Pieter Brueghel l'Ancien, qui a commencé sa carrière en imitant sciemment des motifs et des thèmes boschiens. C'est à la mise en évidence de ses thèmes dominants - vertu et châtiment-, dans une période de fortes prémonitions apocalyptiques, que s'attache cette nouvelle lecture de Bosch, replacé à la fois dans son univers personnel et dans l'histoire de l'art aux Pays-Bas. Le regard que pose Larry Silver sur Bosch est celui d'un ami de longue date qui a su percer sa personnalité. C'est avec talent qu'il la restitue, à travers un essai remarquable, illustré de trois cent quatorze oeuvres.

  • L'art du pastel

    ,

    • Citadelles & mazenod
    • 15 Octobre 2014

    "Mariage d'amour de la couleur et du dessin" (José-Maria de Heredia), le pastel fascine par sa texture crayeuse et par l'éclat de ses teintes. Conçu au départ pour réhausser les dessins, le pastel gagne peu à peu ses lettres de noblesse et devient un art à part entière. A travers une somptueuse iconographie, cet ouvrage retrace pour la première fois l'oeuvre des principaux artistes qui ont haussé le pastel au rang d'art majeur entre le XVIIIe et le XIXe siècle : Maurice Quentin de La Tour et ses portraits plus vivants que nature, Jean-Etienne Liotard et sa précision captivante; un siècle plus tard, Edgar Degas et ses danseuses aux tutus éclatants comme des bouquets, ou encore Odilon Redon et ses couleurs irradiantes, nourries à la source du rêve et de l'imagination. A côté de ces pastellistes renommés, cet ouvrage met en lumière une pléiade d'artistes qui grâce au pastel s'aventurent hors des sentiers battus : Joseph Vivien, Adélaïde Labille-Guiard, Gustav Lundberg, John Russell, Eugène Boudin, Jean-François Millet, Giuseppe de Nittis, Edouard Manet, Berthe Morisot, Mary Cassat, James McNeill Whistler, William Merritt Chase, Louise Breslau, Fernand Khnopff...

  • Klee

    Boris Friedewald

    • Citadelles & mazenod
    • 30 Mars 2016

    Artiste atypique, Paul Klee compte parmi les artistes fondateurs de la modernité, mais aussi les plus protéiformes du XXe siècle. Cette monographie illustrée, étayée de nombreuses citations de l'artiste et de documents rarement publiés, permet d'apprécier toutes les facettes d'un imaginaire fertile nourri à la fois de recherches formelles, de poésie et d'humour.
    Exposition « Paul Klee. L'ironie à l'oeuvre » au Centre Pompidou (Paris), du 6 avril au 1er août 2016

  • L'argent dans la peinture

    Nadeije Laneyrie-Dagen

    • Citadelles & mazenod
    • 25 Novembre 2020

    Billet, pièce de monnaie, lettre de change, carte de crédit, action boursière, lingot peints, en marbre, porcelaine, bois doré, acier ou encore flottants dans un aquarium : la représentation de l'argent est omniprésente dans les oeuvres d'art. Le présent ouvrage l'étudie dans le long terme, depuis la résurgence de la monnaie métallique à la fin du Moyen Âge jusqu'à l'époque actuelle, en envisageant l'Occident, l'Europe tout d'abord, puis l'Amérique quand celle-ci, conquise et modernisée, se convertit au numéraire.
    Durant ces siècles, la situation démographique, économique, sociale, technologique, fiduciaire change : la peinture se modifie au gré des styles et sa place même dans la création n'est plus la même : elle n'est plus aujourd'hui le medium dominant et dès lors sont examinées les installations, la photographie et l'image mouvante - le cinéma ou la vidéo - ainsi que le point de vue des artistes femmes.

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