Livres en VO

  • Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.

    Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, Surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
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    Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.

  • Jean le Moal

    Jean Le Moal

    Jean Le Moal est né le 30 octobre 1909 à Authon-du- Perche et mort le 16 mars 2007 à Chilly-Mazarin.

    « De plus en plus j'éprouve le besoin de dessiner par la touche et par l'intérieur de la forme. C'est pour moi la manière la plus intense d'exprimer la substance de la peinture. [...] J'ai maintenant besoin de mouvement, de quelque chose de plus lyrique, qui éclate davantage. »

  • Elvire Jan

    Jan Elvire

    Elvire Jan est née à Roustchouk, (Bulgarie) , le 1 er mai 1904 et morte à Paris le 19 janvier 1996.

    « Ce n'est pas une copie de la nature que je cherche. Je vis avec mes collines, je vis avec mes arbres, je vis avec mes sentiers. Je ne les copie pas. Je ne suis pas devant eux. Et c'est toujours une question de rythme. »

  • Jean Bazaine

    Jean Bazaine

    Jean Bazaine est né le 21 décembre 1904 à Paris, et mort le 4 mars 2001 à Clamart.

    « On dit d'une toile qu'elle chante, c'est le seul mot qui lui convienne. Comme le chant, elle est liée à notre plus mystérieuse nuit organique, elle est le souffle d'avant la parole. »

  • C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des livres au graphisme créatif, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, des débuts de la psychologie, des bals de travestis, des cabarets et du cinéma. Entre les tensions de deux guerres mondiales, Berlin dans les années 1920 était une capitale à l'apogée de sa nonchalance, débordant d'art, d'innovations et d'idéaux.

    Cet ouvrage plonge ses lecteurs dans l'esprit libre de la période de Weimar. À travers des oeuvres emblématiques, puisées dans la peinture, la sculpture, l'architecture, le design graphique, la photographie et le cinéma, nous sont dévoilées les innovations, les idées et les folles utopies qui caractérisent cette vitrine culturelle unique. On entre dans les bars jazz et les salles de danse, on adopte la mode à la garçonne et on découvre les « kinos » remplis de spectateurs, on suit les avancées technologiques et les progrès des modes de transport, depuis les tours de radio aux roulements des trains et tramways, en passant par les gratte-ciel vertigineux, sans oublier les chefs-d'oeuvre cinématographiques et la nouvelle indépendance conquise par les femmes qui les autorise à fumer des cigarettes, à porter les cheveux courts et à gagner leur vie par leurs propres moyens.

    Parmi les oeuvres de cette évocation culturelle vivante figurent Les Journalistes de Hannah Höch, les Mains sur la machine à écrire de Lotte Jacobi, le Portrait de la journaliste Sylvia von Harden d'Otto Dix, le projet pour l'Alexanderplatz de Peter Behrens et L'Ange bleu de Josef von Sternberg, avec Marlene Dietrich dans le rôle de Lola Lola, la chanteuse de cabaret.

    Au fil des pages et des années, on découvre à la fois la soif d'utopie et les réalités économique et politique, plus ambiguës, qui ont nourri des chefs-d'oeuvre de divertissement, idéalistes ou réactionnaires produits durant cette période. Derrière les lumières vives et les robes pailletées se cachent l'inflation, le travail à la chaîne et un consensus politique fragile que dissimulent ces années bénies et qui annoncent finalement une issue brutale amorcée par la montée du national-socialisme.

  • L'univers de Kobro et Strzeminski.
    Le mouvment artistique de l'Unisme reconnaît dans l'existence objective du tableau sa seule raison d'être, voulant ainsi éliminer toute valeur non plastique : évocative, émotive, symbolique.
    Ce programme artisique fut proposé par Katarzyna Kobro et Wladyslaw Strzeminski, deux figures incontournables de l'histoire des avant-gardes artistiques des années 1920 et 1930.
    Collaborateurs de Kasimir Malevitch et Vladimir Tatline, les deux artistes ont toujours été persuadés de l'indispensable rôle social de l'art tout en restant fidèles à la notion de l'art pur, à savoir à une peinture non seulement dans son état brut, mais aussi qui est capable d'accompagner et de bouleverser le quotidien de son spectateur.
    C'est pour cette raison qu'ils ont consacré leur vie à l'enseignement et la diffusion de l'art moderne dans la société à travers des publications ou la création d'une collection publique qui deviendra ensuite la première d'Europe.
    Ce couple, à la fois professionnel et personnel, incarne pleinement les idées des courants artistiques tels que le Constructivisme ou le Suprématisme, d'autant plus qu'ils en ont proposé l'évolution dans la théorie et la pratique de l'Unisme.

  • Catalogue de référence, Brut Now propose un panorama de l'art brut à l'ère des nouvelles technologies. La première partie de l'ouvrage se compose de textes de spécialistes, la seconde offre de découvrir en textes et en images l'oeuvre de 28 artistes emblématiques ou émergents.

    C'est toujours une chose surprenante que de se rendre compte du temps nécessaire pour élaborer une exposition. « Brut Now - L'art brut au temps des technologies » est née d'une journée d'études organisée le 14 mai 2013. Spécialistes institutionnels et privés avaient réfléchi devant un public captivé à la relation entre l'art brut et la technologie. À l'issue de cette journée, il apparaissait clairement que ce sujet ferait date et deviendrait précédent. L'auditoire était d'autant plus attentif qu'il sentait la relation étroite entre ces débats et Belfort comme une terre d'industrie.
    Aussi avons-nous été enthousiastes de voir deux ans plus tard que ces pistes de travail, ces réflexions qui avaient ponctué la journée, prenaient forme. « Brut Now » fédère désormais des personnalités aussi riches que Christian Berst, galeriste parisien et spécialiste de l'art brut, et les Brut Pop', militant pour donner une voix et faire une place aux autistes. Leurs propositions dialoguent désormais avec celles de Valérie Perrin et de Nicolas Surlapierre.
    Damien Meslot & Marie Rochette de Lempdes.

    Oeuvres de Jean Perdrizet, Ionel Talpazan, Jean Lefèvre, Zorro, Miroslav Tichý, Albert Moser, Eugene Von Bruenchenhein, Terry Davis, Óscar Morales, John Urho Kemp, Enzo Schott, Alexandro Garcia, Melvin Way, Horst Ademeit, Yohann, Bintou, Luboš Plný, Éric Benetto, Pepe Gaitán, Dan Miller, Zdenek Košec, Jean-Marie Massou, Hans Krüsi, Brutpop, Vivian Grezzini, Les Harry's, Rhalidou, Bigmoserview.

    Publié à l'occasion de l'exposition « Brut Now - L'art brut au temps des technologies », Musées de Belfort et Espace multimédia Gantner, du 29 octobre 2016 au 16 janvier 2017.

  • Articulé autour d'un entretien au long cours entre Robert Filliou et Irmeline Lebeer (lui-même structuré en abécédaire allant des termes « amitié » à « zen »), ce catalogue, illustré de nombreuses reproductions d'oeuvres et d'images d'archives, constitue une rétrospective complète de l'oeuvre plastique du poète, dramaturge, artiste et penseur français, figures clé, parmi les plus influentes, de l'art de la seconde moitié du XXe siècle.

    Publié suite à l'exposition « Robert Filliou - Le secret de la création permanente », M HKA, Musée d'art contemporain d'Anvers, du 13 octobre 2016 au 22 janvier 2017.

  • Ce livre propose une analyse de la position ambiguë de Nolde pendant le Troisième Reich et jette un regard inédit sur la production artistique de l'artiste au cours de la période nazie. Présentant de nombreuses oeuvres inconnues au grand public ainsi que huit essais illustrés s'inspirant de nombreuses lettres et de documents inédits, ce catalogue offre un nouvel éclairage sur les pratiques artistiques de Nolde, ses convictions politiques et son antisémitisme, déconstruisant les mythes qui ont hanté la transmission de son travail jusqu'à nos jours.

  • Le magazine du Palais de Tokyo dédie ce numéro 25 à l'exposition « Le Rêve des formes », autour des relations entre les sciences et l'art contemporain. Présentée au Palais de Tokyo du 14 juin au 10 septembre 2017, elle est organisée à l'occasion du vingtième anniversaire du Fresnoy - Studio national des arts contemporains.

    Au sommaire de ce numéro : Alain Fleischer et Claire Moulène, commissaires de l'exposition, introduisent aux problématiques de l'exposition « Le Rêve des formes » ; Olivier Perriquet présente les travaux du groupe de recherche ayant réuni, au Fresnoy, artistes et scientifiques issus de différents champs autour de la question de « l'incertitude des formes », qui ont précédé et nourri l'exposition « Le Rêve des formes ». L'artiste Anicka Yi s'entretient avec trois chercheurs en biologie avec lesquels elle a récemment travaillé pour concevoir de nouvelles oeuvres. Le compositeur Arnaud Petit explore la façon dont la musique fait dialoguer parole, écriture et mathématiques. L'artiste Hicham Berrada et la chercheuse Annick Lesne s'intéressent aux formes mouvantes auto-organisées. Le metteur en scène Jean-François Peyret et le neurobiologiste Alain Prochiantz partagent leur fascination pour les primates dans une facétieuse encyclopédie. L'artiste SMITH et le cosmologiste Jean-Philippe Uzan imaginent l'histoire d'une humanité nouvelle en quête d'un lien organique avec les étoiles. Bertrand Dezoteux invente, dans un film d'animation, un monde interconnecté inspiré par les recherches de la biologiste Lynn Margulis sur l'apparition et le développement de la vie sur terre.
    Dans un cahier spécial, Marielle Macé, chercheuse en littérature, s'entretient avec Claire Moulène au sujet des « formes de vie ». Dans une « fabulation spéculative », Donna Haraway, biologiste, philosophe et historienne des sciences, imagine un devenir symbiotique entre les différentes espèces terrestres. Jens Hauser, commissaire d'exposition et chercheur en médiologie, analyse la façon dont les artistes qui s'emparent des biotechnologies ont bouleversé les relations entre l'art et le vivant. Le philosophe Fréderic Neyrat interroge notre humanisme dans un essai au sujet des transhumains, posthumains, androïdes et cyborgs.

    Publié trois fois par an, le magazine Palais offre un regard enrichi sur les expositions et la programmation du Palais de Tokyo. Palais donne à voir l'art contemporain d'une manière actuelle et, aussi souvent que possible, du point de vue des artistes eux-mêmes. Chaque saison, dossiers thématiques, entretiens, essais, projets spéciaux et inserts sont autant de contributions d'artistes, de critiques d'art, d'historiens ou de théoriciens qui font du magazine Palais un outil indispensable pour appréhender l'art contemporain.

  • Anglais 25 memorandem

    Francisca Silva

    Premier livre d'artiste : 25 notes poétiques sur l'amour écrites au stylo, assorties de dessins de roses. La publication se présente sous la forme d'un calepin.

  • This two-book addition to The Andy Warhol Catalogue Raisonné persuasively demonstrates the subversive core of Warhol's art. Intent on radical departure from his portraiture in the early seventies, Warhol's production gradually became anything but 'just faces'. From portraits of athletes and self-portraits to his Skull and Hammer and Sickle series, the Torso and Sex Parts paintings, and his abstract Piss, Oxidation, and Cum canvases, volume 5 showcases Warhol's work as powerful, and provocative as ever.

  • Premier ouvrage monographique de l'artiste plasticienne et performer franco-algérienne Carole Douillard, ce catalogue parcourt l'ensemble de son travail depuis la fin des années 1990 et propose une réflexion sur sa pratique performative et immatérielle pour, en filigrane, interroger la performance contemporaine, ses formes et ses problématiques : son exposition, son lien à l'image et à la documentation, son archive et sa conservation.

    Carole Douillard utilise son corps comme sculpture pour des interventions minimales dans l'espace du White Cube. Artiste plasticienne et performer, elle utilise sa présence ou celle d'interprètes comme sculpture pour des interventions minimales dans l'espace. Se situant au bord du spectaculaire tout en prenant soin de l'éviter, son travail appelle une redéfinition du spectateur, de l'espace de la performance et de la relation de pouvoir entre l'objet contemplé et celui qui le contemple. Un travail qui interroge la place du corps individuel et du corps social dans les sphères privées et publiques, engageant sa présence ou celle de performers avec lesquels elle collabore. Sa performance intitulée A sleep (2005, 6h.) consiste en une tentative d'endormissement public alors que The viewers (2014, 2h.) réunit un groupe de dix-huit personnes se tenant debout dans l'espace d'exposition, regardant fixement les visiteurs. S'intéressant aussi au système linguistique écrit et oral, Carole Douillard déconstruit par le langage la corporalité scénique et interroge les signes de l'identité et du genre, notamment à travers son récent projet de recherche Dog life, en Algérie.
    Alive est enrichi de 4 textes critiques d'auteurs reconnus dans le champ de l'art contemporain et de la performance. Y figurent un entretien avec Chantal Pontbriand (directrice du Mocca à Toronto-CA, critique d'art et commissaire d'exposition) ainsi que deux essais de Janig Bégoc (historienne de l'art) et David Zerbib (philosophe). Enfin, un texte de Christian Alandete (commissaire d'exposition et directeur de publication de l'ouvrage) s'attarde plus en détail sur la dimension des identités de corps et de genre dans le travail de l'artiste.

    Née en 1971 à Nantes d'une mère Kabyle et d'un père français, diplômée de l'Ecole des Beaux-arts de Nantes en 1997 et de l'Université de Franche-Comté, UFR Science de l'homme et du langage (DU en Art, danse, performance) en 2012.
    Ses projets ont pris place au Frac des Pays de la Loire (Nantes), à la Ferme du Buisson (Noisiel), au Musée de la Danse, (Rennes), au Palais de Tokyo (Paris), au Mac Val (Ivry/Seine), à l'Institut français d'Alger et d'Oran (Algérie), au Centro de Arte Dos de Mayo (Madrid), au Wiels (Bruxelles).
    En 2012-2013 elle a été artiste chercheur dans le cadre de la coopérative de recherche à l'Ecole Supérieure d'Art de Clermont Métropole et a collaboré pour deux projets avec le Laboratoire du geste - Paris 1 Panthéon Sorbonne (Barbara Formis & Mélanie Perrier). Enfin, en 2014, elle co-fonde à Nantes en collaboration avec Entre-deux (Marie-Laure Viale & Jacques Rivet), Isabelle Tellier, Manon Rolland, Oro/Loïc Touzé et Fabienne Compet la plateforme de recherche en performance think think think.

  • Twentieth-century art in America has long been understood in two very separate distinct halves:
    Pre-World War II, often considered as inferior and provincial; and the triumphant, international post-war work that made a complete break with everything that went before. Agee discovers exciting new connections between artists and artworks, which strongly suggest that 1945 was not such a dividing line in art history after all.
    His fresh research offers an innovative approach and a brilliant take on art history.
    - William C. Agee taught at Hunter College, New York, from 1988 until his retirement in 2014 and was awarded an endowed chair in 2004, the Evelyn Kranes Kossak Professor of Art History. Prior to Hunter,he held directorships at the Museum of Fine Arts, Houston, and at the Pasadena Art Museum.
    His books include American Vanguards: Graham, Davis, Gorky, de Kooning, and Their Circle, 1927-1942 (2011) and Coming of Age: American Art, 1850s to 1950s (2006).
    Key Selling Points - Brilliant account of American modernism as a narrative spanning four generations of artists - Integrates European-born artists, critics, and collectors who played a crucial role as teachers, advocates, and patrons of American modern art - Written by one of the world's experts in the field, in an accessible and compelling style - Lavishly illustrated with colourful abstract and figurative works by famous and lesser-known artists, some rarely reproduced elsewhere

  • On February 20th, 1909, a belligerent manifesto announcing the birth of the Futurist movement appeared on the front page of the Paris newspaper Le Figaro and sent immediate shockwaves throughout Europe. The author, a young Italian poet named F.T. Marinetti, demanded that writers and artists reject the classic art of the past and celebrate the dynamic technology of modern city life. Joined by a group of like-minded artists, over the following years Marinetti pioneered an art that would eulogise speed and industry, in a reaction against the stasis of the classics, and even against contemporary movements such as Cubism. Available in English for the first time in over 20 years, the Futurist Manifestos are fiery, explosive and witty, and crucial to any full appreciation of modern art.

  • New York School Painters & Poets charts the collaborative milieu of New York City poets and artists in the mid-twentieth century. This unprecedented volume comprehensively reproduces rare ephemera, collecting and reprinting collaborations, paintings, drawings, poetry, letters, art reviews, photographs, dialogues, manifestos, and memories. Jenni Quilter offers a chronological survey of this milieu, which includes artists such as Willem de Kooning, Robert Motherwell, Alex Katz, Jasper Johns, Fairfield Porter, Larry Rivers, George Schneeman, and Rudy Burckhardt, plus writers John Ashbery, Bill Berkson, Ted Berrigan, Joe Brainard, Edwin Denby, Larry Fagin, Frank O'Hara, Charles North, Ron Padgett, James Schuyler, Anne Waldman, and more.

  • In the early 1960s, American printmaking experienced a dynamic resurgence that placed it at the heart of artistic practice. Such was the medium's attraction that by 1970 virtually every major American artists was exploring its creative potential in collaborative print workshops. Throughout the past six decades, as leading artists have experimented with different materials and new techniques, prints have continued to reflect their central concerns.

    The American Dream: pop to the present presents an overview of this extraordinary vibrant period of American printmaking, from the moment pop art burst onto the New York and West Coast scenes in the early 1960s, through the rise of minimalism, conceptual art and photorealism in the 1970s, to the engagement with contentious matters such as race, AIDS and feminism right up to the present day. Particular attention is given to key figures such as Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg and Ed Ruscha as well as to more recent practitioners, including Jenny Holzer, Kiki Smith, Glenn Ligon and Julie Mehretu. The vital role of several print workshops is also discussed.

    Fully illustrated with more than 200 key works by almost 70 artists, informative commentaries on the prints and concise biographies of the artists, this book reveals the unprecedented scale, boldness and ambition of American printmaking since the 1960s.

  • Commentaire et extension éditoriale d'un projet des artistes Annie Vigier et Franck Apertet (les gens d'Uterpan) qui procède de l'analyse des attitudes et des comportements, individuels et collectifs, produits dans l'espace public d'une ville donnée.

    Uchronie est un projet initié par les artistes Annie Vigier et Franck Apertet (les gens d'Uterpan) en 2014, qui procède de l'analyse des attitudes et des comportements, individuels et collectifs, produits dans l'espace public d'une ville donnée. Le terme uchronie, utilisé entre autres par le philosophe français Charles Renouvier dans son ouvrage Uchronie, l'utopie dans l'histoire (1876), désigne un « non-temps », un temps qui n'existe pas.
    En réponse à la transformation croissante de l'espace public en zones fonctionnelles vers lesquelles les individus sont dirigés pour une activité donnée, les deux artistes appellent des citoyens à devenir uchronistes, à infiltrer la vie publique avec des modules physiques issus de comportements quotidiens, qui sont synchronisés et ajustés selon les contextes. A la différence des flashmobs ou des performances, ces actions ne s'adressent pas à des spectateurs. Les passants sont les témoins accidentels, attentifs ou non, de ces présences et de ces gestes qui maintiennent l'apparence formelle de la normalité.
    Plus qu'un commentaire au projet Uchronie, cette publication se compose comme une uchronie collective qui s'infiltre dans le livre - en tant qu'espace de publication, en tant qu'espace public. Selon le protocole proposé par les artistes et par l'historien de l'art Emanuele Quinz, les contributeurs ont occupé librement différentes sections du livre (sommaire, introduction, chapitre, illustrations, notes, appendices, etc.), chaque section pouvant être illustrée plusieurs fois, ou pas du tout.

    Contributions de Mara Ambrozic, Franck Apertet, Pierre Bal-Blanc, Isabelle Barberis, Patrick Bouchain, Alina Buchberger, Karima Boudou Mzouar, Patricia Brignone, Biljana Ciric, Sophie Demeyer, Anna Dezeuze, Julien Duc-Maugé, Lotus Edde-Khouri, Florian Gaité, Emanuele Guidi, Marion Hohlfeldt, Anne Lacaton & Jean-Philippe Vasall, Sophie Lapalu, Marc Lenot, Christophe Martin, Dominique Mathieu, Rainer Oldendorf, Emile Ouroumov, Gianni Pettena, Emanuele Quinz, Axel Roy, Matthieu Saladin, Annie Vigier.

  • The life, friendships, artworks of a great season of Italian art through the creative trajectory of Giosetta Fioroni. In Rome in the 1960s, the artist finds her expressive formula by combining her literary passion with the language of painting, updating the preoccupations of informal art with the figures of the emerging Pop Art, of which she becomes one of the leading artists.

    The colour silver that characterises Giosetta Fioroni's paintings from that decade indeed represents the artist's unmistakeable «trademark» to the point that it overshadows the linguistic and emotional preoccupations that populate her works and personal events from before and after this happy and recognised time.

    Edited by Marco Meneguzzo, Piero Mascitti and Elettra Bottazzi, this book conveys the complexity of an artist in the expressive richness of a time and a city so culturally stratified that they are still full of surprise for historical and critical analysis.

  • Cet ouvrage co-édité par Duke University Press et le MoMA rassemble un important corpus de sources originales traduites pour la première fois du japonais à l'anglais : manifestes d'artistes, revues de presse, actes de colloques, archives et essais critiques. Organisées de manière à la fois chronologique et thématique, ces sources s'intéressent à tous les champs artistiques, notamment les performances de mouvements d'avant-garde comme Gutaï ou Hi Red Center, les photographies de la revue Provoke ou l'émergence de la vidéo dans les années 80.

  • The Anhoek School is a pedagogical experiment that investigates alternatives to traditional American methods for learning. This book undoes the benign voice of the standardized test, awakens the reader to the history of violence embedded in the form and activates it as a site for aesthetic expression.

  • Group dynamics : collectives of the modernist period Nouv.

    Après une première exposition consacrée au groupe d'artistes Le Cavalier bleu, ce catalogue accompagne le second volet de l'exposition Group Dynamics présentée à la Lenbachhaus à Münich. Il s'agit cette fois-ci d'embrasser du regard l'évolution et la constitution des groupes artistiques de 1900 à 1980, de Buenos Aires à Casablanca en passant par Pékin, Lahore et Tokyo. L'exposition explore leurs méthodologies artistiques, leurs objectifs parfois politiques ou utopiques, leur ancrage plus ou moins fort dans leur lieu et leur époque.

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